PIG Review

27 Tuesday Jul 2021

Tags

2021, drama, family, life, love, pet, relationship, review, spoiler, thought, thriller

“Not everyone you lose is a loss”

Apapun yang terjadi, jangan macam-macam sama pria dan binatang peliharaan mereka. Serius. Sudah berapa banyak film kekerasan yang kita tonton berawal dari protagonis cowok yang membalasdendam setelah anjing kesayangan mereka diculik? Well, yea, John Wick (2014) would be a very prime example of such story. Nicolas Cage pun, dalam film terbarunya, memerankan pria penyendiri yang berkeliling kota demi mencari babi miliknya yang diambil oleh orang-orang misterius. Nicolas tampak bakal menjadi the next John Wick, tapi film Pig yang ia bintangi ini ternyata adalah film balas-dendam yang unik. Perjalanan karakternya mencari babi dan penculik bukanlah perjalanan penuh kontak fisik melainkan perjalanan yang terus menggempur secara emosional. Ini adalah cerita balas-dendam yang dibentuk sebagai anti dari balas-dendam itu sendiri.

Karakter Nicolas Cage di film ini bernama Rob. Pertamanya sih enggak banyak yang kita tahu tentang dirinya, kecuali dia tinggal di hutan. Menyendiri, kalo kita tidak menghitung seekor babi yang ia latih untuk mencari truffle, sejenis jamur tanah yang digunakan untuk bahan masakan mewah. Itulah kerjaan Rob. Menjual truffle yang ia cari bareng babi kepada Amir, anak muda kaya supplier truffle untuk restoran-restoran di kota. Malam itu, pondok tengah hutan mereka disatroni dua orang tak dikenal. Rob dipukuli. Babinya dibawa lari. Tidak butuh pertimbangan lama bagi Rob di pagi hari, untuk berangkat ke kota mencari si babi, tak peduli bahkan jika itu berarti dia harus berjalan kaki.

Alexa Bliss harus nonton ini, RIP Larry Steve

Gampang sekali untuk membuat cerita balas dendam yang penuh aksi bag-big-bug dari pembukaan tersebut. Apalagi Rob di sini perawakannya udah kayak Ochiai di manga 20th Century Boys; rambut gondrong, janggut lebat, pandangan mata tajam. Tipikal pria penyendiri senggol-bacok banget! Sekali lihat saja, kita percaya Rob ini sanggup membunuh para pelaku dengan sadis. Bahwa dia rela melakukan apapun demi mendapatkan kembali babi yang ia sayangi. Tapi sekali lagi, sutradara Michael Sarnoski tahu lebih baik untuk tidak membuat film yang hanya sekadar menjadi ‘John Wick berikutnya’. Pig dibuat lebih ke arah emosional. Perjalanan Rob menemukan kembali babinya adalah perjalanan yang lebih berat dan membebani. Karena kembali ke kota itu ternyata bagi Rob juga adalah kembali ke kehidupan, ke dunia, yang telah ia pilih untuk ditinggalkan. Nonton film ini akan terasa kayak kita lagi ngupas bawang. Pake tangan. Seiring cerita menguak terbuka, akan selalu ada pengungkapan tak-terduga yang membuat kita semakin mengapresiasi siapa Rob sebenarnya.

Rob enggak banyak bicara (meskipun sekalinya bicara, ucapannya seringkali ternyata tajam dan tegas juga), tapi itu tidak berarti dia adalah karakter yang dituliskan dengan simpel. Justru sebaliknya. Dia adalah personifikasi dari kedalaman dan emosional itu sendiri. Kehebatan utama film ini datang dari kepiawaian Sarnoski mengungkap tabir protagonisnya ini. Sarnoski tidak mengungkap dengan terburu-buru, ataupun tidak dengan menjadikannya ala twist murahan kayak pada film-film mainstream. Melainkan, dia mengcraft pengungkapan dan karakterisasi itu dengan cermat. Ke dalam tempo dan irama yang senada dengan permainan emosi. Sehingga menyaksikan Rob ini rasanya sarat sekali. Oleh misteri, oleh humanisasi.

Tanpa sadar film akan membawa kita hanyut ke dalam masalah karakter, dan lantas ke dalam masalah dunia kuliner yang menyelimuti mereka semua. Ini low-key adalah film tentang bisnis restoran/dunia kuliner mewah, yang dari sudut pandang pelakunya ternyata tidak seglamor, tidak sefancy restoran itu sendiri. Tonton saja adegan percakapan Rob dengan chef dan pemilik restoran yang ternyata mengerjakan hal yang tidak benar-benar in-line dengan passionnya dahulu. Dari adegan ngobrol itu saja sebenarnya craft film ini sudah terwakili kehebatannya. Di interior restoran yang serba putih, duduk dengan memandang hormat seorang chef high-class kepada Rob yang berpakaian kumal, dengan dahi berdarah yang Rob tolak untuk diberikan perawatan. Kita, kita seperti Amir yang duduk juga di sana, memandang mereka dengan perasaan takjub, sekaligus prihatin, sekaligus kagum.

Jikapun ada sesekali film terasa mengecoh kita, itu hanya karena film bermain-main dengan ekspektasi kita. Ketika Rob masuk ke klub berkelahi underground misalnya, kita yang masih ngotot ini cerita ala John Wick akan tercengang oleh apa yang sebenarnya dilakukan oleh Rob. Atau ketika di akhir, Rob malah memasak untuk ‘musuh utamanya’. Bahkan aku nyangka dia bakal ngeracunin tuh masakan. Tapi enggak. Apa aku kecewa karena yang kusangka enggak kejadian? Enggak juga. Karena film berhasil membuktikan penawaran yang mereka lakukan memanglah lebih kuat. Jika kita bicara soal wants and needs, well, kita menyangka kita ingin melihat aksi brutal, dan film ini menyadarkan bahwa yang kita butuhkan justru sebuah penyelaman ke dalam karakter yang penuh emosi dan duka kehilangan.

Karena memang itulah makna cerita ini sebenarnya. Tentang berkompromi dengan kehilangan. Bagi Rob, babi itu bukan satu-satunya kehilangan. At least, dia sudah kehilangan dua hal penting sebelumnya. Film dengan bijak tidak menyebutkan dengan gamblang apa kedua hal tersebut. Namun poin dari makna kehilangan tersebut cukup bisa kita simpulkan dengan jelas. Rob, dan hampir semua karakter kunci di sini punya sesuatu yang direnggut dari mereka, dan mereka malah kehilangan bahkan lebih banyak lagi saat bertekad untuk mendapatkan hal lain sebagai pengganti dari sebelumnya.

Salah satu inti emosional yang bikin film ini semakin hidup – di tengah suramnya kejadian, dan visual yang nyaris selalu direkam dalam cahaya yang penuh bayang-bayang – adalah hubungan antara Rob dengan Amir (diperankan menakjubkan oleh Alex Wolff). Dengan cerdas naskah mengeskplorasi drama di antara mereka. Mengukuhkan mereka saling membutuhkan, sementara juga mereka begitu berbeda. Yang satu seorang profesional yang disegani, sementara satunya masih berkutat untuk keluar dari statusnya sebagai medioker. Karena itulah, kedua karakter ini dalam dialog dan interaksinya bisa mencapai segitu banyak. Mereka bahkan bisa tampak layaknya duo komedi, ketika film menempatkan keduanya di dalam mobil, memati-hidupkan musik klasik.

Karakter Rob sendiri sudah seperti manifestasi dari karir akting Nicolas Cage. Celetukan yang terdengar saat Rob kembali ke kota, bahwa dirinya yang sekarang bukanlah siapa-siapa, bahwa momennya sudah lewat, justru tampak seperti film sedang merayakan kebangkitan dari seorang Nicolas Cage. Yang penampilan aktingnya perlahan tapi pasti berubah menjadi pengisi meme-meme konyol. Tapi belakangan, Nicolas mengalami resurgence, lewat film-film yang memberinya ruang untuk mengeksplorasi penampilan akting yang lebih mendalam dan serius. Pig adalah salah satu dari film tersebut. Dan Rob ini, aku bilang, adalah penampilan akting terkuat dari Nicolas Cage yang pernah aku tonton. Transisi dari karakter pendiam dan misterius menjjadi karakter yang semakin desperate tapi juga semakin menguar ‘kekuatan’, tidak pernah dilakukannya sebagai karakter yang over-the-top. Malahan justru penampilan Nicolas-lah yang memastikan Pig tetap berada pada tone yang grounded.

Babi yang satu ini halal untuk ‘disantap’

Tantangan berat film ini adalah membuat cerita yang ‘merakyat’ dari karakter yang jadi legenda di dalam dunianya. Dan ini adalah tantangan yang enggak ringan. Kehilangan hewan kesayangan tidak bisa jadi satu-satunya ke-vulnerable-an yang dipunya. And also, film juga tidak bisa hanya tentang mengungkap siapa si karakter ini secara sebenar-benarnya. Perjuangan naskah di sini adalah bagaimana mengembangkan journey karakter tanpa meruntuhkan atau malah menerbangkan mitologi karakter tersebut sejauh-jauhnya. Film berhasil melakukan ini dengan relatif baik. Kita bisa merasakan karakter ini mendapat pembelajaran seiring kita belajar tentang dirinya. Meskipun memang pembelajaran tersebut bisa dibilang, didatangkan agak belakangan. Dan untuk waktu yang lama, karakter ini terasa benar sepanjang waktu.

Dan ngomong-ngomong soal waktu yang lama, ya, film ini adalah film yang lambat. Yang banyak ngobrolnya ketimbang aksi. In fact, aksinya bakal sedikit banget. Penonton yang masih bandel ngarepin ini jadi kayak John Wick bakal menemukan mereka sangat kecewa untuk alasan yang tak tepat terhadap film ini. Arahan ceritanya pun dengan sengaja dibuat seperti ngalor ngidul, dan sengaja menjadi tak-seperti yang diharapkan. Jika ini makanan, maka ia benar seperti babi; Tidak untuk semua orang. Tapi sesungguhnya, pencarian babi di sini merupakan sebuah perjalanan karakter yang menggugah. Yang lebih memuaskan secara emosional dibandingkan film pencarian balas-dendam berisi aksi bag-big-bug yang biasa. Untuk sebuah film debutan, sutradara film ini berhasil memasak tone yang konsisten dengan berbagai bahan-bahan sulit diolah yang ia punya di piringnya.
The Palace of Wisdom gives 7.5 out of 10 gold stars for PIG

That’s all we have for now

Bagaimana pendapat kalian tentang karir Nicolas Cage sebagai aktor? Apakah menurut kalian dia sudah mencapai level legendary, seperti karakternya di film ini?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

BLOOD RED SKY Review

24 Saturday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 10 Comments

Tags

2021, action, blood, drama, horror, life, love, mother, netflix, review, spoiler, thought, thriller, vampire

“Stop hate spread”

Baru saja kita mengira genre vampir sudah mati, datanglah hemoglobin fresh yang dipompakan oleh film ini ke aliran darah genre tersebut. Blood Red Sky memang bukan baru yang baru banget. Melainkan terasa unik karena hadir seperti gabungan dari Snakes on the Plane, thriller pembajakan pesawat, dan Train to Busan! Film ini juga nyatanya adalah thriller di ruang tertutup yang terjalin sempurna dengan horor vampir dengan muatan komentar keadaan sosial kita. Oh betapa sutradara dan penulis naskah Peter Thorwarth paham betul mencerminkan keadaan di dunia nyata ke dalam cerita genre yang ia buat, seperti yang sudah dibuktikannya saat menulis skenario untuk The Wave/Die Welle (2008); film yang bercerita tentang guru yang menjadikan kelasnya sebagai negara fasis sebagai eksperimen untuk murid-murid.

Dalam pesawat Translantic di Blood Red Sky ini, Thorwarth mempertemukan mitologi vampir dengan kapitalis dan juga agama. Secara simpel dia mempertanyakan siapa yang sebenarnya teroris di sini, si vampir ataukah si Islam, atau malah ada jawaban yang lain. Blood Red Sky dari Jerman ini ditampilkan sarat dan serius (bayangkan membuat vampir sebagai sesuatu yang senyata teroris penyebar kebencian) tapi tidak pernah terasa berat karena film ini masih bernapas thriller yang brutally fun!

Antara jadi kangen dan tidak kangen naik pesawat

Seperti yang sudah direveal oleh posternya, film ini tidak membuang waktu dan energi untuk menjadikan kondisi protagonisnya sebagai sebuah twist yang gak perlu. Film ingin supaya kita bisa langsung merasakan beban dramatis dan kesulitan yang bercokol pada ibu-anak Nadja dan Elias. Mereka menumpangi pesawat malam ke Amerika, untuk mencari pengobatan terhadap kondisi Nadja. Sementara orang-orang di sekitar, seperti Farid, menyangka Nadja mengidap Leukimia, kita penonton sudah merasa gamang melihat Nadja sebagai orang yang lagi ‘nahan selera’ masuk ke toilet untuk menginjeksikan obat yang tampak menyakitkan baginya. Hal tidak menjadi semakin mudah bagi Nadja, sebab pesawat yang mereka tumpangi ternyata berisi kelompok teroris yang ingin menabrakkan/menjatuhkan pesawat, dengan menjadikan penumpang muslim seperti Farid sebagai kambing hitam. Serius deh, kita belum pernah melihat pesawat yang membawa segitu banyak combustible elements, literally and metaphorically, sebelumnya. Dan ‘ledakan’ pertama akhirnya beneran terjadi; Nadja yang terdesak oleh keselamatan Elias akhirnya mau tak mau untuk menunjukkan taringnya.

Jangan kira dengan adanya vampir baik-sayang-anak di atas pesawat, masalah akan bisa cepat beres. Terorisnya tinggal dibunuh satu persatu kan? Nope! Naskah Thorwarth tidak pernah menetapkan ‘Vampir lawan Teroris’ di sini sebagai sesuatu yang sederhana. Di atas pesawat yang mengudara yang basically ruang-tertutup itu tidak membuat naskah ikut-ikutan sempit. This is the most amazing part of the movie. Thorwarth berhasil untuk terus menggali masalah, tidak pernah sekalipun ada kemudahan. Suspens cerita terus naik dengan konsisten sepanjang dua jam durasi. Nadja tidak bisa begitu saja membunuh para teroris yang cukup pintar dan gak blo’on tersebut. Karena dia harus memastikan bad blood-nya tidak nurun ke mereka; dia harus memastikan tidak ada yang jadi vampir karena ulahnya. Dan itu baru ‘langkah/tantangan termudah’ dalam skenario. Rintangan terus memuncak, terutama karena vampir bukanlah pahlawan. People won’t just cheer for them. Cerita mencapai point-of-no return saat teroris yang paling psikopat punya ide liar untuk mengubah dirinya sendiri menjadi vampir.

Semua itu berlangsung dengan hubungan antara Nadja-Elias sebagai inti emosional cerita. Jika ada yang kita belum yakin di awal cerita, maka itu adalah soal apakah Elias tahu tentang keadaan ibunya. Sementara kelihatannya akan tragis kalo Elias baru tahu di atas pesawat ini dan jadi takut kepada Nadja, tapi ternyata untungnya film ini tahu lebih baik. Mereka terbukti mampu menggali lebih banyak momen dramatis dengan membuat bukan saja Nadja yang ingin melindungi Elias dengan merelakan dirinya semakin menuruti naluri vampir, tapi juga sebaliknya. Momen-momen Elias mengkhawatirkan keselamatan sang ibu yang semakin inhuman dan berbahaya bagi orang sekitar – membuat nyawa Nadja sendiri semakin terancam juga berperan besar untuk menyampaikan feelings. Kita jadi benar-benar merasakan stake yang berlaku dua arah. Kita bukan hanya jadi peduli dan ingin mereka selamat, tapi more importantly kita ingin mereka bisa bersama-sama. Peri Baumeister sebagai Nadja hebat banget di sini mainin ekspresi menembus make up yang harus dia kenakan sebagai ibu vampir. Dan kemudian the dramatic irony hits. Kita sadar kita tahu apa yang bakal terjadi. Emosi yang melanda turut kita rasakan sangat besar saat adegan Nadja dan Elias di dekat pintu pesawat yang terbuka, pada menjelang akhir.

Nonton film orang naik pesawat ini akan membuat kita justru seperti sedang naik roller coaster. Kita takut, kemudian kita ikut senang, kemudian takut lagi. Karena film selalu menemukan tantangan dan kesusahan untuk dilalui oleh protagonis yang vulnerable. Pada beberapa waktu film yang make up dan violencenya sudah seram ini menjadi terlalu dark, seperti Nadja yang harus memakan anjing yang tak bersalah. Terkadang film juga menjadi terlalu komikal dengan menampilkan teroris psikopat bernama Eightball yang penampilan aktingnya memang over-the-top. Hebatnya film enggak pernah struggle untuk mengembalikan tone menjadi ke titik imbang. Blood Red Sky ini juga mengemban tugas untuk membuat vampir dan agama hadir bersama tanpa jadi lawan bagi yang lain. Vampir di sini tidak digambarkan sebagai makhluk fantasi, melainkan lebih seperti produk berdosa dari sebuah dark-sains. Rule vampir dikembangkan dengan hati-hati sehingga berhasil tetap make sense bagi kita ketika ada vampir yang masih bisa punya kesadaran dengan yang total haus darah dan lebih bertindak kayak zombie. Film nge-treat vampir dan agama dengan sama respeknya. Dan semuanya dimainkan untuk menambah konteks dalam narasi. Ke dalam komentar yang dilakukan oleh film. Kayak, gimana seorang muslim kesusahan menerangkan dirinya bukan teroris sementara kita tahu konsekuensinya jika dia tidak dipercaya maka vampir-vampir itu akan membahayakan dunia luar.

Sebenarnya yang paling diparalelkan di sini, adalah kutukan vampir dan kebencian. Protagonis cerita ingin memastikan kutukannya tidak tersebar, Nadja tidak ingin menciptakan vampir baru, dia percaya vampir harus disembuhkan. Sementara para pembajak pesawat, mereka ingin menyebarkan virus kebencian mereka terhadap satu agama, dengan framing ‘teroris’ yang mereka lakukan kepada sekelompok bangsa. Film dengan mantap memilih posisinya berpijak.

Hal sepele yang dilakukan oleh film ini, yang menurutku tak kalah amazing adalah film ini berani untuk benar-benar menuntaskan ceritanya. Enggak nyimpan benih-benih sekuel kalo-kalo ntar filmnya laku. Semuanya selesai. Mereka merapikan chaos di akhir cerita. Jarang kayaknya zaman sekarang ada film horor, yang dibuat untuk pasar mainstream yang tidak berakhir dengan twist, atau cliffhanger yang memohon untuk kita menginginkan dibikin sekuelnya. Dan ini memang sesuai dengan konteks yang diusung oleh pesan atau value yang dipercaya oleh film. Kutukan itu harus dihentikan. Kebencian itu harus distop. Diberangus.

Vampir di sini wujudnya ngereference Nosferatu, yang merupakan film vampir pertama yang pernah dibuat (1922)

Meskipun punya aksi menegangkan yang superseru dan statement yang kuat, sebagai result dari penulisan yang matang, sayangnya film ini belum dibarengi dengan arahan bercerita yang solid. Untuk membuat ceritanya tampil lebih engaging, Thorwarth menggodok naskahnya ke dalam bangunan cerita yang banyak flashback. Blood Red Sky dimulai dari salah satu adegan klimaks, kemudian mundur kembali ke awal, you know kayak standar thriller-thriller Hollywood. Sayangnya ini justru membuat perspektif cerita tumpang tindih. Jadi aneh ketika cerita ini ditampilkan seolah kisah yang dituturkan oleh Elias yang sedang ditanyai oleh perawat, tapi nanti kita juga melihat flashback berupa asal muasal Nadja menjadi vampir saat Elias bayi. Dan lagi, keseluruhan cerita kejadian di atas pesawat itu lebih terasa seperti sudut pandang Nadja, tidak pernah terasa seperti perspektif dari Elias. Jadi bangunan berceritanya terasa bahkan lebih kacau daripada saat nanti vampir-vampir zombie mulai beringas di dalam pesawat.

Padahal sebenarnya bisa saja mereka melakukan dengan linear. Mulai dari origin Nadja, ke kejadian di pesawat, terus penyelesaian. Perpindahan perspektif dari Nadja dan Elias akan bisa terlihat lebih natural dengan diceritakan secara linear begitu. Akan lebih menguatkan degradasi kemanusiaan Nadja jika perspektifnya tidak lagi bisa lanjut dan cerita harus pindah ke Elias. Atau, kalau memang maunya pake flashback dan cerita yang bermaju-mundur ria, kenapa tidak semuanya saja dibikin sebagai flashback memory dari Nadja, sesaat sebelum dia benar-benar udah total jadi vampir buas. Dengan dibuat kayak gitu, tidak akan ada pergantian atau malah tumpang tindih perspektif seperti yang kita lihat di film ini. Karena memang sebenarnya gak perlu ada pergantian. Toh karakter yang benar-benar ada pengembangan memang hanya si Nadja seorang kok.

Menilai film ini buatku rasanya kayak jantungku ditusuk ama pasak kayu. Aku benar-benar suka film ini. Aku enjoy nonton sepanjang durasinya. Ini adalah perfect horor thriller ruang-tertutup dengan suspens yang berhasil terus ditingkatkan tanpa terasa ngada-ngada atau dipanjang-panjangin. Interaksi dan reaksi para karakter di sini terasa genuine. Seimbang antara serius dengan seru/menghibur. Dan juga, film ini tidak terasa kayak korporat punya. It is so freeing menonton cerita utuh, yang semuanya kerasa tuntas tas tas! tanpa ada meninggalkan beberapa hal ‘lewat’ untuk sekuelnya nanti. Karena itulah maka rasanya perih sekali melihat film ini punya kelemahan yang cukup fundamental. Yakni struktur penceritaan. Perspektifnya di sini tumpang tindih. Berupa kisah yang diceritakan tapi juga ada flashback dari yang bukan si pencerita. Pergantian sudut pandang utama juga tidak mulus dikarenakan bentukan penceritaannya ini. Film ini benar-benar seperti vampir si Nadja. Bermaksud baik, tapi kasar dan ‘deadly’ dalam penyampaiannya
The Palace of Wisdom gives 6.5 out of 10 gold stars for BLOOD RED SKY

That’s all we have for now

Film ini punya poin menarik bahwa teroris yang sebenarnya ternyata hanyalah orang-orang rakus yang hendak mengatur ekonomi dan politik, dan tak ragu untuk ngeframe orang-orang demi melakukannya. Bagaimana pendapat kalian tentang ini? Mengapa bisa-bisanya orang menyebar kebencian seperti demikian?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

THE FOREVER PURGE Review

22 Thursday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 4 Comments

Tags

2021, action, crime, drama, family, franchise, horror, life, love, review, sequel, spoiler, though, thriller, violence

“Putting yourself in somebody else’s shoes”

Film The Purge, kata sutradara Everardo Gout, adalah film yang akan dipertontonkannya kepada alien jika suatu saat nanti makhluk-makhluk luar angkasa itu beneran datang ke bumi untuk mempelajari manusia. Karena menurutnya, The Purge ini memang salah satu dari sepuluh film yang benar-benar tepat merepresentasikan siapa kita. Manusia. Frasa ‘siapa kita’ yang disebutkan Gout tersebut secara lebih spesifik menyorot ke orang-orang Amerika. Panggung tempat semesta Purge berlangsung.

Lima film, dua serial tv; Purge selepas film pertamanya memang mulai mendedikasikan diri sebagai komentar dari berbagai situasi politik Amerika, di balik tema utama berupa kebrutalan manusia yang butuh pelampiasan kekerasan. They once released film Purge seputar kampanye presiden, bertepatan dengan masa-masa Pemilu mereka. Dunia Purge sendiri memang bicara tentang pemimpin Amerika yang melegalkan segala bentuk kekerasan untuk satu malam kepada warga sebagai gerakan untuk membuat Amerika jaya kembali. Yang padahal hanya membuat yang kaya semakin kaya, dan miskin semakin mati sia-sia

Hey, kalo yang miskin makin mati sia-sia itu sih, Indonesia juga bisa relate!

Gout melanjutkan dunia Purge pada film kelima ini seiring dengan maraknya gerakan Hate yang berkembang di antara warga kulit putih terhadap warga pendatang, sebagai bentukan dari politik mantan presiden Donald Trump. Dan sebagaimana layaknya yang terbaik dilakukan oleh franchise Purge, Gout mengembangkan persoalan tersebut menjadi horor krisis kemanusiaan berskala yang bahkan lebih besar daripada biasanya, as tradisi Purge dibuatnya menjadi tak-terkendali. Namun juga sebagaimana layaknya yang failed dilakukan oleh franchise Purge, Gout juga ikut terlena ke dalam aksi thriller, dengan tidak membiarkan cerita menyelami lebih dalam aspek horor tersebut.

Empati dijadikan inti cerita kali ini. Gout menempatkan kita di sepatu ‘alien’ yakni pasangan imigran dari Meksiko, yang tinggal di Texas. Adela (Ana de la Reguera kembali jadi perempuan tangguh), yang jadi pekerja manufaktur, dan suaminya Juan (peran Tenoch Huerta di sini adalah yang paling stoic di antara yang lain) yang jadi pengawas kuda di rumah peternakan milik keluarga Dylan yang kaya raya. Gout memang gak membuang waktu untuk langsung men-tackle yang ingin ia komentari. Texas bukan saja dipilih karena paling dekat dengan perbatasan Meksiko, tapi juga karena sudah jadi rahasia umum negara bagian tersebut paling tinggi jumlah white spremacistnya. Keahlian Juan sebagai koboy diperlihakan dengan jelas bikin insecure bossnya, Dylan (Josh Lucas masuk banget ke image ‘koboi modern’ beneran). Tensi antara Juan (yang keliatan enggan menggunakan bahasa Inggris) dengan Dylan langsung ditonjolkan, dieksplorasi. Tapi tidak tanpa depth. Karena Dylan diniatkan oleh Gout sebagai wakil dari kulit putih Amerika yang nantinya akan ‘mengenakan sepatu’ Juan. Yang nantinya akan belajar menumbuhkan empatinya karena sebenarnya Purge dan Hate dan everything adalah masalah bersama kemanusiaan. Ya, keluarga Juan dan keluarga Dylan harus saling membantu dan bergerak menuju keselamatan di perbatasan, sepanjang hari yang penuh malapetaka itu.

Hari. Bukan lagi malam. Inilah salah satu keunikan The Forever Purge dibanding film-film Purge sebelumnya. Saat nonton ini, aku udah siap-siap karakter-karakter sentral bakal dikerjai (atau malah mengerjai) begitu malam Purge dimulai. Tapi ternyata enggak, mereka melewati malam yang relatif aman-aman saja. Bahaya justru datang di siang hari – film berkesempatan memasukkan lumayan banyak jumpscare pada sekuen-sekuen pagi sesudah malam Purge tersebut, mumpung kita yang nonton juga masih dalam state ‘merasa aman’. Diceritakan rakyat merasa gak cukup dengan hanya satu malam, dan ternyata ada kegiatan terorganisir untuk mengobarkan Purge selamanya. Menghabisi non-Amerika setuntas-tuntasnya.

Situasi horor seketika berkembang dari development tersebut. Siapa orang-orang bertopeng yang masih nekat membunuh siang itu, siapa yang menggerakkan mereka, bagaimana kebencian bisa mendadak menyebar secepat itu, bagaimana dengan orang-orang Amerika yang gak rasis kayak anggota keluarga Dylan yang lain. Bagaimana hidup sosial Amerika survive di tengah peristiwa ini. Awalnya aku menyangka development ini sebagai kejutan yang menyegarkan. Sudah sejak lama toh kita penasaran dan pengen Purge menyorotkan kamera bukan hanya ke malam atau menjelang hari H itu saja. Kita mau melihat bagaimana masyarakat menata hidup setelah bunuh-bunuhan di pagi hari. The Forever Purge memberi kita sorotan baru tersebut, meskipun memang enggak exactly seperti yang kita pengen. Tapi at least, ini tetap berbeda dan membuka ke banyak masalah baru. Karena para penduduk cerita pasti pada bingung. It could be lead to tinjauan yang lebih mendalam mengenai reaksi dan kekacauan yang menggunung.

Maka dari itulah aku kecewa. Karena film ini ternyata enggak menyelam ke sana. Melainkan tetap diarahkan ke ranah lari-larian. Protagonis-protagonis kita akan berusaha kabur naik mobil, dikejar-kejar pendukung Purge. Basically aksinya sama aja dengan Purge yang sudah-sudah. Hanya beda siang hari, tok. Dan ini malah mengurangi kespesialan seri Purge itu sendiri. Yang ciri khasnya orang-orang melakukan kekerasan yang dilegalkan selama batas waktu tertentu. Dengan membuat kali ini kekerasan dan kriminal itu legal untuk sepanjang hari (gak ada batas waktu), film ini jadi gak ada bedanya ama cerita-cerita thriller yang biasa. I mean, judul apapun kalo bikin cerita tentang imigran yang diburu untuk dibunuh, ya pasti filmnya bakal kayak gini. Di akhir film, para karakter akan mendengar berita soal keadaan Amerika yang jadi semacam kondisi perang-saudara (pro-Purge lawan anti-Purge) dengan visual Amerika seperti lautan api; Nah, potongan berita tersebut jauh lebih menarik ketimbang keseluruhan film ini. Aku ingin kita benar-benar ditaruh ke tengah-tengah development kekacauan Purge lepas-kendali ini. Ketimbang cerita karakter yang lari menuju keselamatan, yang paralel dengan film ini lari dari inti yang seharusnya diceritakan. In that way, film ini jadi terasa seperti filler. Jembatan sebelum the real meat yakni film berikutnya (kalo ada) yang aku yakin baru akan membahas kejadian di tengah-tengah perang saudara tersebut.

Gambaran sebenarnya orang Amerika?

Untuk tidak terus menangisi apa yang tidak terjadi, mari bahas bagaimana film ini tampil sebagai dirinya sendiri. Kayak laga thriller generik. Tidak kurang tidak lebih. Ini adalah tipe film yang saat ditonton itu kita akan ngerasa udah sering nontonn film kayak gini sebelumnya. Enggak benar-benar spesial. Meski begitu, Gout sebenarnya tetep berusaha untuk memasukkan pesan-pesan subtil sepanjang durasi kejar-kejaran.

Diberikannya subplot dua karakter interracial yang tumbuh cinta sebagai cara untuk bilang persatuan. Dunia lebih baik dengan cinta. Gout juga mengingatkan kepada Amerika bahwa the land is not their in the first place. Bahwa mereka juga pendatang yang menjarah dari bangsa native Indian. Dengan adanya Indian, Koboi, dan bahkan Koboi yang bukan orang Amerika, film ini udah kayak film koboi yang sangat unik. Ada banyak referensi juga ke genre koboi tersebut. Dan actually film bisa mengaitkan koboi dengan lasso itu sebagai simbol, bahwa semua orang bisa dan berhak menangkap kesempatan. Resolusi film terkait Dylan yang harus menyeberang ke Meksiko, juga mengusung semangat yang positif sekali. Bukan hanya untuk circled back karakternya – melainkan untuk truly menguatkan soal ‘wearing someone else’s shoes’. Untuk merasakan keperluan menjadi imigran, merasakan bagaimana rasanya mencari kesempatan, dan untuk diterima di tanah orang.

For all it’s worth, itulah sebenarnya yang kurang dimiliki oleh manusia jaman sekarang. Rasa empati. Kita telah menjadi lebih gampang untuk begitu curigaan, begitu takut, begitu insecure, sehingga melupakan semua orang punya perjuangan masing-masing.

Arc karakter Dylan memang lebih dramatis daripada arc karakter utamanya, Juan. Aku bisa mengerti kenapa bukan Dylan saja yang dijadikan karakter utama. Untuk menghindari cerita ini tampak sebagai another story of kepahlawanan kulit putih. Dan lagi karena film memang ingin membuat penonton berempati kepada imigran seperti Juan dan Adela. Supaya penonton lebih mudah mengalami apa yang mereka rasakan, sehingga berarti membuka perspektif baru bagi penonton yang mungkin masih ada juga yang bersikap seperti Dylan. Namun memang lagi, karakter Juan dan Adela arc-nya terlalu minimalis disiapkan oleh film. They are still murky. Adela yang berusaha menjadi nyaman sebagai warga Amerika, Juan yang sebenarnya juga berprasangka kepada Dylan; mereka ini kurang ada penyelesaian yang jelas. Di akhir itu hanya terlihat kayak mereka lega karena ada orang-orang seperti Dylan. Bahwa ada jalan untuk membuat orang mengubah pandangan sinis mereka. Yang berarti gak banyak perkembangan karakter yang mereka berdua alami sebagai karakter utama.

Refleksi mengerikan dari society yang penuh prasangka dan saling benci diberikan oleh film ini. Gambaran simbolik yang mungkin benar-benar tepat. Sayangnya film lebih memilih untuk mengembangkan ke arah thriller aksi generik, ketimbang ke aspek horor kemanusiaan itu sendiri. Semua cepat aja dibikin panas. Padahal di film The First Purge (2018) sebelum ini aja, diliatin saat pertama kali ada Purge gak semua warga yang langsung resort ke bunuh-bunuhan. Ada perkembangan menuju ke sana. Cerita film ini jadi kayak filler, sebelum ke cerita pembahasan yang lebih ditunggu hadir nantinya. Tapi perlu diapresiasi juga usaha film menghadirkan pesan-pesan positif dan semangat persatuan dengan subtil di balik cerita dan akting dan laga yang sama-sama generiknya.
The Palace of Wisdom gives 4.5 out of 10 gold stars for THE FOREVER PURGE

That’s all we have for now

Nonton film-film Purge selalu membuatku berandai bertanya-tanya. Kali ini terbersit, kalo ada Purge beneran kira-kira siapa ya yang datang ke rumah untuk membunuhku.

Bagaimana dengan kalian, kira-kira kalo ada Purge, kalian bisa menerka tidak siapa saja yang mungkin bakal datang untuk melampiaskan emosi terpendam kepada kalian?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

SPACE JAM: A NEW LEGACY Review

20 Tuesday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 1 Comment

Tags

2021, adventure, animation, cartoon, comedy, comparison, drama, family, funny, life, review, sequel, spoiler, thought

“Let others be themselves”

Sekuel cenderung untuk menjadi lebih besar. Karena, tahulah, saat kita membuat sesuatu yang udah ada originalnya, kita akan otomatis dipush untuk menghasilkan sesuatu yang melebihi si origin tersebut. Jadi, sutradara Malcolm D. Lee berpikir;

Apa yang lebih besar daripada outer space – semesta luar angkasa? Cyber-space – semesta siber internet!

Apa yang lebih besar daripada NBA dan kartun Looney Tunes? NBA dan seluruh IP Studio Warner Bros!!

Dan apa yang lebih besar daripada Michael “Air” Jordan?? Well, itu pertanyaan untuk diskusi basket yang lebih mendalam. Aku jelas bukan ahlinya. Tapi untuk sekarang, cukuplah kalo mengenal Lebron James sebagai atlet basket tergede di era kekinian.

Memiliki ketiga faktor di atas, Space Jam: A New Legacy jelaslah lebih besar daripada pendahulunya, Space Jam, yang hadir dua-puluh-lima tahun yang lalu. Namun seiring kita ngobrolin soal film ini nanti, Space Jam kedua ini akan membuktikan bahwa menjadi lebih besar itu tidak serta berarti lebih baik.

Kalo soal akting sih, memang Michael B Jordan lebih besar

Yang jelas-jelas dilakukan dengan lebih baik oleh film kedua-yang-gak-really-bersambungan-dengan-film-pertama ini adalah konflik yang lebih berbobot secara emosional. Ada cerita hangat mengenai ayah dengan putranya sebagai inti cerita. Ayah dalam film ini adalah seorang atlet basket tersohor, yang mencapai posisi nomor satu sekarang tersebut dengan bekerja keras, tekun berlatih, dan membuang Game Boy (dengan game Bugs Bunny) kesukaannya ke tempat sampah. Sedangkan anak dalam film ini adalah seorang young man yang berjuang mengutarakan kepada ayahnya tersebut bahwa dia sebenarnya lebih tertarik kepada merancang video game – particularly game basket – ketimbang ke kamp basket; ketimbang bermain basket beneran. Nah langsung kebayang dong, dinamika ayah-anak yang jadi konflik dalam cerita ini. Si ayah ingin anaknya sesukses dirinya, tetapi dia terlalu memprojeksikan dirinya kepada si anak. Tidak pernah sekalipun dia bertanya si anak sebenarnya pengen apa.

Lebron James yang memainkan versi fiksi dari dirinya sendiri diberikan ‘lapangan bermain’ yang lebih emosional ketimbang Michael Jordan di Space Jam yang karakternya unwillingly keseret ke dalam masalah tokoh-tokoh kartun yang harus tanding basket. Dalam film kedua ini, sikap James kepada Dom, anaknya, dan to some extend kepada hal lain selain basket-lah, yang memantik konflik lain. Yang membuat cerita bergulir maju. Sikap James eventually membuat sebuah program kecerdasan-buatan tersinggung. Sehingga A.I. tersebut – bernama Al G. Rhythm (dimainkan dengan fenomenal menghibur oleh Don Cheadle) – menculik James dan Dom ke dunia siber. Memisahkan ayah-anak tersebut. Dan menghost pertandingan basket di antara keduanya, dengan stake yang gak main-main. Kalo James kalah, semua manusia yang dia jebak untuk nonton pertandingan, akan terperangkap di dunia siber yang boring tanpa-Looney Tunes.

Percaya atau tidak, pada galian ini cerita Space Jam 2 sebenarnya masih ‘masuk akal’. Meskipun dimanipulasi sehingga gak tau yang sebenarnya, tapi Dom kentara lebih merasa enjoy bersama Al G. karena di situ dia bisa menjadi dirinya sendiri. Sementara, James, yang terdampar di dunia Looney Tunes dan bersama Bugs Bunny harus mengumpulkan tim Tunes Squad untuk melawan tim penuh kreasi bentukan Dom dan Al G., actually harus bisa menjadi seperti Al G. Tema mempercayai kemampuan dan pilihan orang lain bergulir terus, bahkan ketika pertandingan basket ‘curang’ mereka dimulai. Semuanya diberikan penambat berupa tema tersebut sehingga adegan-adegan dalam film ini tidak hanya menghibur semata, melainkan juga bukan tidak mungkin menghasilkan air mata. Film membuat kekonyolan kartun ala Looney Tunes (and you know betapa konyolnya Looney Tunes) menjadi seimbang dengan konflik yang grounded seperti ini. Anak-anak dan para orangtua yang menonton bisa menangkap pesan-pesan parenting dan bersosial yang dioper oleh film.

Kita bisa saja meminta orang untuk menjadi sesuatu yang kita mau, atau untuk melakukan sesuatu sesuai dengan cara kita. Dan mereka mungkin akan melakukannya, entah itu karena hormat, atau segan, atau ngerasa gak enak. Or worse, karena takut. Semua itu enggak akan berujung baik kepada mereka sendiri. Bila mereka adalah anak, maka perkembangan si anak ini akan terhambat. Seperti Dom, yang ‘terpaksa’ memprioritaskan his dad’s things ketimbang hobinya. Seperti tim Looney Tunes yang babak belur karena menahan diri, mengikuti basket seperti yang James tahu. Kita seharusnya membiarkan yang lain menjadi siapa, apa yang mereka mau. Lihat apa yang terjadi ketika James akhirnya membiarkan Looney Tunes melakukan apa yang Looney Tunes biasa lakukan.

Untuk beberapa part pun, film menerapkan tema tersebut. Mereka membiarkan Lebron James menjadi Lebron James. “Gue bukan aktor, gue pemain basket!” seru karakter James dalam salah satu humor self-aware film ini. Ada usaha untuk meminimalisir screentime James berakting, karena ya walaupun dia punya karisma di dalam lapangan, tapi akting tetap tidak semudah itu. Film menggunakan cara yakni membuat James menjadi tokoh animasi 2D saat berada di dunia Looney Tunes. Kupikir ini bisa berhasil karena memang permainan ekspresi James sebelas duabelas ama Michael Jordan. Tapi ternyata, jadi tokoh kartun bukan jawaban tepat. Karena kini James harus menajamkan voice acting, yang ternyata malah lebih parah daripada akting live-actionnya hahaha.. Deliverynya sangat kikuk, apalagi harus bersanding dengan voice-actor profesional.

Maka film pun ‘mengembalikannya’ menjadi manusia saat bertanding di dunia game bikinan Dom dan Al G. Sebagai bonus untuk kita, saat bertanding, film membuat para kartun Looney Tunes menjadi animasi 3D tanpa meninggalkan kekonyolan khas mereka nanti. Untuk aku yang waktu kecil melihat Bugs Bunny, Daffy Duck, Tweety dan teman-teman, ini jelas adalah upgrade yang menyenangkan. Senang saja melihat tokoh-tokoh kartun yang jadi teman bermain dahulu diremajakan tanpa mengurangi ruh mereka. Aksi-aksi ‘basket’ ini pun pada dasarnya lebih seru daripada film pertama. Film menggunakan lebih banyak arsenal kartun dan nostalgia kita terhadapnya. Tepuk tanganku justru paling kenceng saat adegan Porky Pig ngerap. It was stupid, but hey, ini Looney Tunes!!

Space-space-jam-a-new-legacy-clip-features-porky-pig-rapping

Nominee Best Musical Performance untuk next My Dirt Sheet Awards!

Jika saja film ini stick to what they are. Jika saja film ini tetap bermain-main di nostalgia Looney Tunes saja, di humor-humor self-reference Lebron James saja, di cerita grounded ayah-anak sebagai fokus. Jika saja film enggak concern ke sekuel harus bigger…

Kritikus luar menganggap film ini adalah sebuah proyek iklan raksasa dari studi raksasa. Dan ternyata itu memang tidak melebih-lebihkan. Karena persis seperti itulah film ini terasa. Yang kusebutkan di paragraf-paragraf atas itu actually adalah hasil pemilahan yang sangat alot karena sebenarnya banyak sekali referensi-referensi melebar dan irelevan dengan cerita yang dimasukkan oleh film ini hampir dalam setiap kesempatan. Aku gak ngerti kenapa film ini enggak berpuas diri dengan referensi kartun Looney Tunes dan beberapa Warner Bros lain seperti Tiny Toon, Animaniacs, Flinstones, atau Scooby Doo saja. Lebih masuk akal, apalagi kalo memang mengincar pasar anak-anak. Akan ada bagian ketika Bugs Bunny dan Lebron James berkeliling universe, untuk mengumpulkan anggota Looney Tunes yang mencar-mencar. Mereka masuk ke kartun DC, okelah masih bisa dimaklumi. At least, masih kartun. Untuk anak-anak. Walaupun alasan mencar itu sendiri tidak kuat. Inilah yang jadi masalah. Cerita ini menangani ‘crossover’ tersebut seakan memang cuma ditujukan untuk promosi silang saja. Tidak diberikan muatan cerita atau alasan yang berintegrasi dengan tema ataupun konteks.

Tapi tidak cukup di situ. Film ini memasukkan semua merek produk-produk Warner Bros. Dari yang di luar kartun kayak Harry Potter, Kong, hingga ke yang gak ramah anak pun nongol, kayak Rick and Morty, dan karakter di A Clockwork Orange. Untuk alasan hura-hura yang gak jelas, film ini membuat pertandingan basket James dan Dom ditonton oleh semua produk Warner Bros. Ini jadi distraksi dan annoying karena seperti film malah ngajak penonton untuk nunjuk-nunjuk “ih ada si anu, si itu” ketimbang beneran fokus kepada cerita yang mereka miliki. Ini kembali kepada fundamental kenapa dibuat seperti itu dan apakah memang harus dibuat seperti itu. Dari jawaban atas itulah, film ini runtuh. Karena mereka melakukan dan invest banyak untuk hal-hal yang sebenarnya gak relevan. Dan gak perlu. Ketika membuat film, konsern sepenuhnya ya haruslah pada film itu sendiri. Tidak kemana-mana mengiklankan semua produk selagi bisa.

Hiburan di sini adalah melihat karakter Looney Tunes kembali melakukan hal yang membuat mereka, mereka. Melihat Lebron James melakukan yang ia bisa – main basket – dengan karakter-karakter kartun. Dalam lingkup cerita yang bisa relate dan punya pesan yang bagus. Hiburan di sini bukan melihat seliweran film-film lain – mengatakan mereka menghibur sama dengan mengatakan nonton iklan adalah hiburan bagi kita. Film ini, meskipun punya cerita yang lebih kuat dan emosional, terhimpun dari banyak sekali komponen untuk ngiklan. Film ini jadi besar karena memasukkan banyak iklan. Jadilah dia enggak cukup bagus sebagai sebuah film.
The Palace of Wisdom gives 5 out of 10 gold stars for SPACE JAM: A NEW LEGACY

Th.. th… tha… that’s all, folks!

Karakter ikonik Looney Tunes Pepe le Pew (sigung yang bucin banget sama kucing bernama Penelope) dicut dari film ini karena dianggap sebagai salah satu produk rape culture, sehingga tidak baik bagi tontonan anak-anak. Bagaimana pendapat kalian tentang ini?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

Money in the Bank 2021 Review

19 Monday Jul 2021

Posted by arya in Wrestling

≈ Leave a comment

Tags

2021, action, analysis, championship, drama, funny, result, review, spoiler, sport-entertainment, thought, wwe, wwe network

Sebagai manusia kita ngertilah soal keselamatan dan resiko. Sedapat mungkin, kita biasanya nyari yang resikonya paling kecil, like, kalo lagi nyebrang kita akan cenderung untuk milih nunggu ampe benar-benar kosong sebelum menyeberang daripada harus berjalan cepat-cepat di antara seliweran kendaraan dengan resiko tertabrak. Makanya, gak banyak dari kita yang bisa ikut main-main saham. Dalam investasi keuangan, ada yang namanya risk dan reward, dengan prinsip semakin tinggi resiko, maka rewardnya pun akan semakin gede pula. Kenapa kita ngomongin ini di artikel gulat? Karena WWE punya pertandingan yang juga berhubungan dengan ‘money’ dan prinsip risk-reward tersebut.

Pada Money in the Bank – sebagaimana yang diberitahukan dengan epik oleh video pembuka acara ini – resiko itulah yang menjadi reward. Ketika kalian harus bersaing dengan tujuh superstar lain, berebut naik tangga untuk meraih koper berisi kontrak kejuaraan, mau tak mau kalian harus mengambil semua resiko. Cedera, luka, patah tulang, semua itu akan menjadi reward, bersama dengan kesempatan emas.

Inilah kenapa Money in the Bank selalu jadi jaminan seru (kecuali mungkin MITB tahun lalu yang lebih mendekati ke arah lucu). Hampir dipastikan, kita bakal mendapat aksi-aksi seru karena para superstar akan ngegas melakukan apa saja dengan tangga-tangga tersebut untuk memastikan lawan-lawannya tetep bobok cantik di lantai. Faktor lain yang bikin seru adalah bahwa biasanya pemenang pertandingan ini tidak terduga. Bahkan jika bisa diduga pun, pemenang MITB biasanya selalu adalah superstar fresh alias wajah baru dalam title pictures. Karena memang konsep MITB difungsikan sebagai ‘tangga’ untuk menaikkan talent papan tengah menjadi superstar papan atas. Main Eventer. Dan dua faktor seru itulah yang persisnya kita dapatkan dalam dua pertandingan MITB pada acara Money in the Bank kali ini.

Nikki A.S.H (Almost Super Hero) memenangi partai MITB cewek dalam sirkumtansi yang bener-bener cocok dideskripsikan sebagai ‘tak-terduga’. Bukan saja karena gimmicknya yang sekarang ternyata lebih dianggap serius ketimbang gimmick ‘cewek edan’ dia yang dulu, tapi juga karena kemenangan Nikki – cara match ini berakhir – terasa sangat berbeda sekali. People surely will be divided by this. Kalian bakal either suka, atau enggak. Kemenangan Nikki terasa kayak playful take dari skenario yang mungkin pernah kita ucapkan saat nonton drama MITB. You know, sekali dua kali mungkin kalian pernah ‘capek’ juga ngeliat superstar ngambil koper kelamaan dan sibuk ganti-gantian manjat, sehingga kalian bilang “Langsung ambil aja kek”. Kemenangan Nikki terasa kayak seperti itu. Hebatnya, in the end, momen itu tetep terasa spesial. Karena keseluruhan match-nya sendiri memang enggak keren-keren amat. In fact, partai MITB cewek ini tampak lebih soft. Impact dari aksi-aksinya banyak yang ditolong oleh cut camera. Ironisnya, WWE mungkin gak mau ngambil resiko lebih banyak terhadap superstar cewek dalam waktu Bayley cedera cukup lama ini. Tapi dalam cahaya yang lebih positif, aku percaya dalam partai pembuka show ini – yang juga berarti partai pembuka dari acara yang akhirnya bisa ditonton langsung oleh fans ini – WWE pengen ngepush karakter ketimbang aksi. Makanya kita lihat Liv Morgan dan Alexa Bliss, yang sama-sama fans favorite, diberikan kesempatan bersinar dengan character-work mereka. Begitu juga dengan Tamina dan Natalya yang perlu untuk membangun kharisma sebagai juara tag-team.

WWE mengganti penyebutan Nikki menjadi Nikki A.S.H karena Nikki Ash kedengarannya kayak Nikki pan(sensor)

Sebaliknya pada partai MITB cowok yang muncul belakangan, barulah fans mendapat apa yang sudah lama diinginkan. Single push untuk Big E! Fans sudah lama menunggu gebrakan besar seperti ini sejak Big E dipisah dari tim New Day. Tapi dari yang terlihat di acara ini, aku punya dugaan kalo chapter Big E dengan rekan-rekan New Day bakal punya lanjutan sedikit. Aku akan ngomongin nanti, sebentar lagi, saat bahas match Kofi Kingston dengan Bobby Lashley. For now, match MITB partai cowok ini sendiri juga sangat seru. Penuh oleh sekuen di mana kedelapan superstar akan berusaha naik tangga bergantian, menyerang dengan moves gede bergantian, dan setiap sekuen tersebut selalu diakhir dengan ‘punchline’ yang benar-benar keras. Salut buat Kevin Owens yang paling banyak kebagian jadi receiving end ‘punchline-puncline’ tersebut. Pertandingan ini juga dipakai untuk meneruskan storyline antara Drew Mcintyre dengan Jinder Mahal (yang bukan peserta match) sehingga jadi punya layer dan kedalaman. Pertandingan ini bahkan terasa extend ke luar sebab WWE menggunakan sket komedi sebelum pertandingan ini dimulai. Sket yang berfungsi untuk memperkuat karakterisasi beberapa superstar yang akan berlaga, yang nantinya menambah konteks adegan saat mereka beneran berantem di ring. Sket komedi itu berupa Riddle dan Shinsuke Nakamura, bersama Rick Boogs, ngerock bareng nyanyiin lagu tema Randy Orton, dengan Kevin Owens ‘terpana’ – ngeliatin sambil kayak, “Ini lawan gue nanti? ckckck” – di belakang mereka. I genuinely laughed at that scene.

Demi menyambut fans kembali ke arena, WWE tampak lebih bermurah hati. Mereka sudah mempersiapkan fans untuk pulang dengan excited dan bergembira. Karena tiga match terakhir acara ini berlangsung dengan sangat menghibur. MITB cowok yang penuh aksi-aksi tadi, lalu match Rhea dan Charlotte yang kuat banget di storytelling (ugh yea, aku gak nyangka aku harus bilang suka sama match yang ada Charlotte-nya) dan main event antara Reigns lawan Edge yang penuh drama. Plus WWE punya kejutan di akhir match tersebut.

Ada begitu banyak development dari awal hingga ke akhir pertandingan Rhea Ripley melawan Charlotte. Konteks seteru mereka dilandaskan dengan gemilang oleh video package, dan kemudian pertandingannya sendiri sudah seperti film! Alur match mereka udah kayak ada babak-babak tersendiri. Dari Rhea yang confident, ke Charlotte yang lebih ‘senior’ mulai menghormatinya, ke keduanya sama-sama desperate, dan berakhir pada low point pada kedua karakter, dengan karakter yang lebih licik berhasil memenangkan pertandingan. Aku gak suka sama Charlotte – is not even gak suka karena heelnya dia bagus – Aku juga berpikir Charlotte gak perlu nambah angka kejuaraan. Tapi both Charlotte dan Rhea bercerita dengan baik di sini. Mereka melakukannya dengan excellent sembari beraksi dengan sangat-sangat kuat. Aku selalu suka dengan pertandingan yang bercerita dengan baik, seperti ini. Dan kedua superstar berhasil. Pertandingan mereka benar-benar terlihat seperti kejuaraan tingkat elit. Not even chant “We want Becky” dari penonton membuat mereka slow the match down.

Main event, however, akan membuat kita bernostalgia sama pertandingan di era Attitude dan Ruthless Agression. Karena punchlinenya adalah drama seperti yang biasa kita lihat pada WWE jaman 2000an. Interferensi curang, wasit yang gak sengaja terjatuh, berantem brutal hingga ke pinggiran ring, susul menyusul finisher. Paruh akhir Edge melawan Roman Reigns superseru! Perfect match untuk partai terakhir, kejuaraan pula. Tapi match ini punya dua masalah. Pertama, paruh awalnya lambat banget. Dengan cerita mereka yang sudah memanas, seharusnya pertandingan dimulai dengan langsung ngegas aja. Kedua adalah durasi yang kepanjangan. Pertandingan Edge, sejak dia kembali berlaga di atas ring, selalu punya masalah ini. Edge no doubt punya passion tak tertandingi terhadap gulat. Kita tahu dia cinta sama bisnis ini, dan dia rela ngambil resiko supaya bisa terus melakukan apa yang ia cintai ini. Sehingga, menurutku, Edge sebenarnya tidak perlu lagi untuk membuktikan semua itu. Dia enggak perlu untuk melakukan match yang ekstra panjang. Kita semua respek Edge, dan percaya dia lebih dari sekadar “pemain lama yang balik nongol sesekali”. But I do think there’s an ‘ego’ here. Sama kayak nulis, yang kadang-kadang sebenarnya kepanjangan dan kita perlu untuk mengedit diri sendiri. Aku pikir, Edge juga perlu untuk ‘mengedit’ pertandingan yang hendak ia lakukan seperti demikian.

New Day perlu bikin game sendiri sebagaimana Bobby Lashley perlu untuk nge-squash Kofi Kingston di sini

Dua pertandingan lagi yang belum kusebut sebenarnya enggak jelek, cuma memang adalah low-point dari acara ini. Kejuaraan Tag Team antara A.J. Styles dan Omos melawan Viking Raiders seharusnya bisa jadi kontes yang brutal, tapi yang kita lihat hanyalah match yang kikuk. Secara formula, tag team ini solid. Tapi karena sebagian besar Omos-lah yang ada di driver seat, maka kekikukan itu kentara. Omos benar-benar mengintimidasi saat dia diam, dan saat dia dalam mode menyerang. Namun begitu dia harus ngesell gerakan lawan, Omos ini hampir sama ‘anggun’nya dengan Great Khali. Dia mestinya bisa mengimprove ini dengan diberikan kesempatan untuk mengeksplor sisi vulnerable karakternya. Jangan melulu diberikan tugas untuk ngesquash.

Berbeda dengan Lashley lawan Kofi Kingston, yang memang harus dibuat sebagai squash. Kofi harus dihajar habis-habisan di sini, karena ini adalah cerita Lashley tentang dia yang membuktikan dirinya tidak berubah menjadi soft. Ini adalah push bagi Lashley, untuk mempersiapkan dirinya menghadapi Goldberg, seperti yang sudah diberitakan. Membuat Lashley sedikit kepayahan melawan Kofi aja bakal membuat kredibilitas partai gede itu turun. Lashley butuh untuk benar-benar tampak kuat. Kita toh berharap Lashley yang bakal menang atas Goldberg, kan? Dibantainya Kofi juga membuka peluang untuk satu lagi storyline, yakni Big E. Seperti yang sudah kusinggung dikit di atas. Saat kemenangan MITB Big E, komentator sempat menekankan bahwa Big E bisa menantang juara brand yang ia pilih. Mengingat Reigns bakal sibuk dengan John Cena yang made a very surprising and welcome return, Big E bisa saja mampir ke Raw untuk ‘menyelamatkan’ teman-temannya. Benturan physical antara Lashley dan Big E certainly akan membantu kedua-duanya untuk menjadi karakter yang lebih kuat.

ICONIC!!

2021 benar-benar tahun yang aneh. Aku gak nyangka bakal senang lihat John Cena balik, bakal gak marah lihat Charlotte menang sabuk lagi, dan aku gak nyangka bakal bilang match yang involving A.J. Styles adalah match yang paling lemah dalam satu acara WWE. But hey, mungkin ini justru menunjukkan betapa standar Money in the Bank 2021 memang tinggi! Storyline demi storyline fresh terset up dengan baik untuk membuat kita excited menunggu SummerSlam, ada Seth Rollins-Edge, Roman Reigns-John Cena, Alexa Bliss-Nikki, possible Big E-Lashley, dan bahkan Jinder Mahal-Drew McIntyre. Untuk penilaian, well, meskipun Charlotte dan Rhea certainly lebih kuat, tapi karena aku gak suka Charlotte dan ini seharusnya subjektif, maka aku menobatkan Money in the Bank cowok sebagai MATCH OF THE NIGHT.

Full Results:

1. WOMEN’S MONEY IN THE BANK LADDER MATCH Nikki A.S.H mengungguli Alexa Bliss, Liv Morgan, Asuka, Zelina Vega, Tamina, Natalya, Naomi
2. RAW TAG TEAM CHAMPIONSHIP Juara bertahan A.J. Styles dan Omos mengalahkan Viking Raiders
3. WWE CHAMPIONSHIP Almighty Bobby Lashley menghajar Kofi Kingston
4. RAW WOMEN’S CHAMPIONSHIP Charlotte merebut sabuk dari Rhea Ripley
5. MEN’S MONEY IN THE BANK LADDER MATCH Big E dapat koper ngalahin Riddle, Ricochet, Seth Rollins, Kevin Owens, Shinsuke Nakamura, John Morrison, Drew McIntyre
6. UNIVERSAL CHAMPIONSHIP Roman Reigns retain atas Edge

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

FEAR STREET PART 3: 1666 Review

17 Saturday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 8 Comments

Tags

2021, adaptation, drama, horror, life, love, mystery, netflix, review, spoiler, superanatural, thought, trilogy, violence

“Intelligence is the biggest blessing that a human being has, but right now it has become a curse upon humanity”

Fear Street Part Three: 1666 seharusnya bisa jadi yang entry yang paling fresh karena sudah keluar dari bayang-bayang slasher 90an dan 70an yang menghantui dua bagian sebelumnya. Mustinya di film ini, sutradara Leigh Janiak bisa lebih leluasa mengepakkan sayap, mengembangkan period-horor supernatural, sebab cerita kali ini akan membawa kita mundur jauh ke belakang. Di mana tak banyak yang bisa mempengaruhi, kecuali mungkin horor-horor seperti The Witch (2016). Yang juga mengusung tema penyihir, yang dikaitkan dengan posisi perempuan dipandang oleh pria. Film ini bekerja terbaik saat berusaha menggali soal tersebut. Akan tetapi, fungsinya sebagai pengikat dan penutup trilogi, membuat film tak bisa berlama-lama di sana. Dan justru membuat film ini jadi entry yang paling tak bisa berdiri sendiri.

Dan untuk membuat hal semakin parah, di bagian terakhirnya ini, film masih berkutat untuk membuat protagonisnya tampak relevan dengan mitologi dan semua masalah pada cerita.

So, here we go again!

Konsep yang dipakai film ini dalam membentuk ‘episode-episode’ triloginya mengangkat peristiwa masa lalu lebih dari sekadar flashback. Mereka adalah cerita tersendiri. Untuk mengikat itu semua, film menggunakan mitologi penyihir, yang harus dipecahkan misterinya oleh satu karakter yang merupakan perwakilan penonton dalam mempelajari apa yang sesungguhnya terjadi. Satu karakter itu adalah Deena. Dalam film ketiga ini, Deena memang akhirnya mendapat banyak porsi untuk beraksi dan menentukan pilihan, dialah yang tau dan mengungkap rahasia.

Setelah mengembalikan tangan yang hilang ke mayat Sarah Fier, Deena tertransport back ke tahun 1666. Tepat pada saat perburuan penyihir akan dimulai. Deena akan mengalami kejadian yang sama dengan yang dialami oleh Sarah Fier. Sayangnya bukan kejadian menyenangkan. Sebab penyihir yang diburu komunitas petani Union itu (sebelum mereka terpisah menjadi dua kota) memang adalah si Sarah Fier. Pada dua bagian sebelumnya, kita telah mendengar begitu banyak tentang urban legend penyihir bernama Sarah Fier. Mitologinya, kutukannya, dan akhir hidupnya sampai-sampai dijadikan lagu anak-anak di kemudian hari. Sekarang, kita akan dikasih lihat bagaimana Sarah Fier saat masih hidup di tahun 1666, di masyarakat Puritan yang masih bersatu, tapi masih sangat terbelakang. Selagi Sarah nantinya akan bertemu dengan nasib yang tragis, Deena belajar tentang kenyataan di balik kutukan yang membuat kota tempat tinggalnya, Shadyside, menjadi kota penuh pembunuhan. Tidak seperti Sunnyvale yang makmur. Kenyataan itulah yang nanti digunakan Deena untuk menghancurkan musuh sebenarnya dan membebaskan seantero kota dari kutukan.

Apa mungkin harus ganti pemimpin?

Namun tugas krusial film bukan sebatas menetapkan apa yang harus dilakukan oleh Deena, tapi tentu salah satunya juga adalah untuk dapat menjelaskan kepentingan Deena di dalam semua cerita in the first place. Bagaimana dia bisa terkonek dengan semua. Kenapa mesti Deena, kenapa bukan karakter lain seperti Ziggy. Dan di titik inilah, di fondasi awalnya inilah, Fear Street Part Three – kalo gak mau dibilang keselurahan trilogi ini – falls apart.

Deena, yang menghabiskan seantero film bagian pertama dengan running around mencari kerelevanan dirinya dengan mitologi, tentu saja by the law of screenwriting akan secara ajaib diungkap related dengan penyihir Sarah Fier. Sebagaimana yang akan kita lihat pada bagian ketiga – dan terakhir – trilogi ini. Deena menjadi Sarah Fier. Yang pada era terbelakang itu dituduh sebagai penyihir, karena dia perempuan yang mandiri, capable, pintar. Dan ya, karena dia adalah perempuan yang suka sama perempuan. Inilah satu-satunya koneksi antara Deena dengan Sarah. Mereka sama-sama lesbian. I was right saat mengatakan di review film bagian pertama, bahwa sexual preference Deena begitu ditonjolkan karena itulah satu-satunya karakterisasi yang dia miliki. Tapi tentu saja aku enggak bilang kalo lesbian itu adalah karakterisasi yang buruk untuk protagonis perempuan. Hanya saja, punya karakterisasi yang sama dengan Sarah Fier tersebut tetap bukanlah alasan yang kuat untuk menjawab pertanyaan ‘kenapa mesti Deena’ itu tadi. I mean, masa iya cuma Deena lesbian yang lahir di Shadyside dalam rentang tiga ratus tahun itu. Relasi ini terlalu lemah. Deena harusnya punya relasi yang lebih kuat lagi kepada Sarah Fier.

Dan padahal film ini punya banyak kesempatan untuk membuat relasi tersebut lebih kuat. Kenapa mereka tidak membuat Sarah Fier sebagai leluhur Deena saja. Akan bisa lebih tragis. Karena kisah cinta Deena dengan Sam akan naik status menjadi sebuah takdir, karena Sarah juga jatuh cinta sama karakter yang sepertinya adalah leluhur Sam. It also would make more sense, karena memang pada bagian cerita di tahun 1666 itu kita melihat karakter-karakter yang telah muncul pada dua film sebelumnya, ada sebagai karakter lain yang merupakan leluhur mereka. Ada Berman, ada Goode, ada teman-teman Deena tahun 1994 – mereka semua diperankan oleh aktor yang sama dengan yang memerankan karakter mereka sebelumnya. Tapi Deena dan Sarah Fier diperankan oleh dua aktor yang berbeda; Kiana Madeira dan Elizabeth Scopel. Kita tidak melihat ada Deena yang lagi jadi Sarah Fier, bertemu dengan Deena versi 1666 di dunia itu. Padahal adik Deena dan adik Sarah Fier di situ diperankan oleh aktor yang sama (I find it even funnier because I’m not sure if the ‘real’ Sarah Fier a black person or not). Kalopun memang Sarah Fier bukan leluhur Deena, kenapa saat cerita bagian ini yang kita lihat itu tidak tetep Sarah Fier yang asli aja? Jadi keberadaan Deena yang ‘didempetkan’ dengan Sarah Fier benar-benar messed up. Benar-benar terasa seperti film try too hard untuk meyakinkan kita bahwa Deena punya tempat di cerita ini.

Aku lebih prefer kalo protagonis utama cerita ini adalah Britta.. eh, Ziggy. Karena dialah yang telah benar-benar kehilangan. Benar-benar kena dampak kutukan. Ziggy punya sesuatu yang tidak dimiliki oleh Deena. Koneksi personal ke ‘pelaku yang sebenarnya’, yang demikin terestablish dari film sebelumnya. Atau, bikin saja Sarah Fier asli yang jadi tokoh utama kali ini. I mean, dari posternya aja udah make sense. Udah keliatan kalo sebenarnya lebih cocok Sarah Fier beneran, bukan Deena. Bagian pertama tentang Deena, bagian kedua tentang Ziggy, dan bagian ketiga? Randomly leluhur Sam yang mejeng, padahal dia bukan karakter utama. Padahal sudah jelas cerita kali ini akan membahas kehidupan Sarah Fier.

Satu lagi dosa film ini adalah tidak nongolin kembali Maya Hawke, kasih jadi siapa kek gitu di tahun 1666

Secara arc pun, Sarah Fier lebih kuat daripada Deena. Dalam cerita Sarah Fier, film men-tackle soal perempuan yang dituduh penyihir. Soal pria yang seperti tidak bisa menerima perempuan ternyata bisa lebih pintar dan capable daripada mereka. Soal hubungan asmara yang juga berarti bahwa perempuan ternyata bisa untuk ‘tidak butuh’ laki-laki. Sekalian juga memotret tentang betapa ketakutan bisa menyebarkan tuduhan bermacam-macam, dan kelompok orang yang ketakutan ternyata sangat mudah untuk diperdaya. Sarah Fier yang dianggap membawa kutukan dan memiliki sihir hitam, akhirnya mengembrace anggapan tersebut dengan memutuskan untuk benar-benar membawa celaka bagi para penuduh dirinya. Ini development yang tragis dan sangat personal. Aku benar-benar pengen cerita Sarah Fier ini dijadiin satu film beneran aja.

Dalam sebuah masyarakat terbelakang, kecerdasan bisa menjadi kutukan. Ini bukan soal perempuan bisa secakap atau malah lebih jago saja. Kita sendiri sekarang berada pada masa terbelakang versi modern. Karena sering kita lihat sekarang perkataan para ahli sering dibenturkan dengan perkataan ngasal, dan orang-orang lebih memilih percaya kepada yang ngasal. Karena kenyataan yang diberitahukan oleh yang ahli lebih mengerikan.

Coba bandingkan dengan cerita Deena – yang terus dipush oleh film ini. Kisah Deena itu gak ada apa-apanya. Sudah tiga film, tapi perkembangan karakternya nyaris nihil. Plot Deena bukan tentang dia berubah menjadi baik. Melainkan hanya tentang apa yang sebenarnya terjadi dan bagaimana dia bisa selamat. Perkara dia Shadysider yang muak sama kota juga diresolve dengan bukan sebagai pembelajaran bagi dirinya. Konflik Shadyside yang ternyata selama ini jadi ‘tumbal’ untuk kemakmuran Sunnyvale berakhir bukan dengan para penduduk akhirnya menghormati Shadyside (ingat, Sarah Fier harusnya adalah paralel bagi kota Shadyside), melainkan Sunnyvale akhirnya ada kecelakaan juga. Ini kayak, kita merasa lebih baik sekarang karena kau ternyata enggak seperfect itu.

Usaha film meng-immerse Deena sehingga seolah ini sepenuhnya adalah cerita miliknya pada akhirnya tetap sia-sia karena film harus tetap mengacknowledge bagian ketiga ini terdiri dari dua bagian. 1666 dan 1994 (lagi!) Ini menciptakan problema baru. Pada film kedua, bagian Deena untuk mengikat ke trilogi sangat sedikit sehingga bisa kita acuhkan, 1978 itu diceritakan full dalam tiga babak. Pada bagian ketiga ini, tidak seperti itu. Tidak benar-benar ada struktur tiga-babak di sini. Porsi Sarah Fier 1666 jatohnya tetap terasa seperti flashback yang sangat panjang, lalu cerita ini hanya punya satu jam lagi untuk mulai-dan-penghabisan.

Di saat-saat kayak ginilah, kekurangtajaman Janiak menghidupkan dunia terpampang nyata. Bagian 1666 dengan bagian 1994 tidak terasa banyak berbeda. Hanya setting dan visualnya saja. Tahun 1666 kayak orang modern yang lagi cosplay jadi orang jadul, karena pengarahan akting yang seadanya. Karakter-karakter remaja itu goyah sekali pada aksen dan mannerism, dan segala macam. Sedangkan pada bagian 1994, Janiak yang masih berniat untuk tampil trendi dengan neon dan segala macam, hanya punya walkman dan Konami Code sebagai pengingat kita akan periode yang sedang disaksikan. Karakter-karakter yang tersisa pun tak ada yang bisa kita pedulikan, kecuali Ziggy, yang berusaha dimentahkan oleh film demi Deena.

Untuk aspek horor bunuh-bunuhannya, aku gak akan bilang banyak. Karena itulah yang satu-satunya dipunya oleh film sebagai hiburan yang membuatnya mengasyikkan. Aku akan membiarkan mereka untuk kalian nikmati sendiri. Aku cuma akan bilang, porsinya gak banyak, tapi masih setara-lah kesadisannya dengan dua film sebelumnya. Ada juga aksi yang melibatkan strategi keren melawan bala tentara pembunuh psikopat, yang buatku mixed feeling karena aku masih melihat rule yang ditetapkan film ini gak konsisten. Tapi secara keseluruhan film berhasil menutup trilogi ceritanya dengan sebuah penyelesaian. Secara cerita, satu jam pertama film ini lebih bisa dinikmati ketimbang film pertama. Meskipun posisinya sebagai film itu sendiri adalah yang paling goyah di antara yang lainnya. It is less than a movie. Seharusnya ada cara yang lebih baik lagi untuk membuat konsepnya immersive dengan cerita. Tapi, ini udah gak tertolong, karena sudah dikutuk, eh salah, desain seperti itu.
The Palace of Wisdom gives 1 out of 10 gold stars for FEAR STREET PART 3: 1666

That’s all we have for now.

Apakah kalian setuju bahwa pada kondisi pandemi yang makin parah sekarang, para nakes dan para ahli sudah sama nasibnya seperti pada orang-orang yang dicurigai penyihir alias dianggap berbahaya, dibandingkan omong kosong para influencer atau pihak yang menganggap semua baik-baik saja?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

[Reader’s Neatpick] – THE WHITE TIGER (2021) Review

14 Wednesday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 13 Comments

Tags

2021, adaptation, crime, dark, drama, family, life, netflix, novel, Reader's NeatPick, review, spoiler, thought

“Yang jelas setelah nonton film ini aku jadi ngerasa lebih bersyukur aja tinggal di Indonesia ” – Farrah Caprina, yang boleh disapa di akun instagramnya; @farrahcaprina

**Sutradara:** Ramin Bahrani
**Penulis Naskah:** Ramin Bahrani
**Durasi:** 2jam 5menit

Bukan, ini bukan film tentang bangsa kucing di dunia satwa. The White Tiger ini adalah film India. Tapi bukan pula film India yang banyak tari-tariannya. Sama seperti pada novel karangan Aravind Adiga yang jadi sumber adaptasinya, The White Tiger adalah sebuah komedi gelap tentang pemuda bernama Balram. Yang sukses jadi enterpreneur, meskipun berasal dari kasta terendah. “Kasta orang-orang berperut kecil”, ungkap Balram muram dalam salah satu dialog narasi. Balram sedari kecil memang cukup pintar, tetapi seperti abang, ayah, dan anggota keluarganya yang lain, pendidikan bukan untuk Balram. Tempatnya justru di pinggiran. Bekerja kasar. Kesempatan besar pertama untuk mencicipi sedikit gaya hidup orang-orang berperut besar bagi Balram, adalah dengan menjadi supir bagi mereka yang berprivilese tersebut. Dengan gigih Balram mengusahakan keinginan tersebut; dia belajar mengemudi, dia memohon dan berjanji kepada neneknya untuk dimodali. Dan ya, Balram berhasil dipercaya menjadi supir untuk Ashok, anak orang-gede pemimpin (pemalak) desa mereka. Dari Ashok, Balram memperoleh banyak. (Mind you, Balram mengambil. Bukan diberi). Pengalaman, pengetahuan, dan bahkan sesuatu yang jauh lebih gelap – yang ultimately jadi kunci kesuksesan Balram. Pemuda yang pada akhirnya memenuhi ‘takdirnya’ sebagai Harimau Putih; spesies langka yang menerobos keluar dari kandang ayam!

“Cerita film ini menarik banget, banyak hal tentang India yang baru aku tau lewat film ini. Tapi, sejujurnya nonton film ini tuh, aku draining banget. Makanya waktu mau ikutan ngulas film ini sama mas Arya, aku kan akhirnya nonton lagi. Dan pas nonton untuk kedua kalinya, ya makin draining karena aku makin mendalami karakter Balram jadinya. Kalau dilihat dari impactnya ceritanya ke aku, film ini mirip kayak Dementor-nya Harry Potter “

“Hahaha udah bukan jadi harimau putih lagi ya, tapi jadi dementor. Memang sih, kelamnya cerita film ini memang datang dari keironisan kesuksesan si Balram. Pemuda yang berjuang mendobrak kasta yang udah mendarah daging, yang udah dibeat-downkan kepadanya, dengan cara yang – katakanlah – tidak terpuji. Kita ingin dia berhasil, namun satu-satunya cara keluar baginya itu justru cara yang mengerikan. Film ini really speaks soal kebobrokan semua sistem; kasta, kapitalisme, status sosial yang ada di India. Keironisan ini mungkin yang bikin film ini tu kayak nyedot semua bahagia kita”

“Aku melihat film ini gabungan antara Joker dengan Parasite, ya. Permasalahan ekonominya lebih seperti Parasite, tapi perspektif penceritaannya seperti Joker.”

“Kalo Joker, nontonnya aku gak se-wow ini, sih. Soalnya kan, sedari awal aja kita udah Joker itu jahat. Oh ini film tentang musuh Batman yang sinting. Jadi saat nonton, rasanya ya cuma ‘oh dulunya dia baik’. Beda efeknya dengan pas nonton The White Tiger ini. Balram tidak diubah oleh society, justru dia yang pengen mengubah. Tapi jalan satu-satunya untuk mencapai ‘India Baru’ yang ia percaya, jalan satu-satunya dia untuk bisa sukses, ternyata dengan melakukan hal terburuk. Buatku ada permainan simpati yang lebih menohok dilakukan oleh film ini.”

“Aku melihat karakter Balram cukup arogan sebenernya. Dari cara dia bercerita kepada PM Cina, awalnya aku iba sekaligus prihatin, dan sangat berpihak kepada Balram. Mulai di pertengahan film, aku melihat sosoknya berubah jadi licik. Simpatiku ke Balram hanya sampai dia berusaha mengejar impiannya menjadi supir pribadi Ashok aja. Setelah dia mulai menyingkirkan supir pertama, menurutku dia udah dikuasai sama ambisinya. Jelas semua tindakan liciknya tidak pantas diberikan pembenaran, karena menurutku kehidupan Balram nggak 100% sedih & underpressure terus. Dia masih banyak mendapatkan kebaikan dari lingkungannya (seperti nenek yang mengizinkan dia mengejar impian menjadi supir tuan tanah, atau majikan yang memperlakukan dia selayaknya manusia), dan aku yakin dia masih bisa kok mendapatkan those ‘lightness’ dengan cara yang benar. “

“See, Balram ini lebih kompleks. Dia membunuh. Dia bahkan ngorbanin keluarga besarnya. Dan film membuat itu semua seperti terjustifikasi, dengan menempatkannya sebagai sudut pandang Balram. Penceritaan film ini dibangun dengan konsep Balram menceritakan ulang kisah hidupnya (lewat surat) kepada Perdana Menteri Cina yang bakal berkunjung ke India. Memperlihatkan ini sebagai narasi tubuh cerita, di awal itu langsung terlandaskan motivasi si Balram bercerita itu sebagai ambisinya, dan dari cara dia mengungkapkan kita merasakan ada kemarahan terhadap segalanya”

“Menurutku motivasi Balram menulis surat ke PM China, ya hanya memenuhi egonya aja. Penceritaan film dengan cara seperti ini menurutku cukup efektif, tetapi memang ada beberapa adegan yang menurutku blurry. Karena aku enggak melihat sudut pandang orang lain, selain Balram himself. Tidak ada momen khusus yang membuatku kesulitan untuk membedakan ini kejadian beneran atau nggak, tapi menurutku lebih ke sikap beberapa karakter yang diceritakan Balram aja. Apakah memang benar-benar setega itu. Atau memang hanya di fikirannya aja.”

“Nah, bener, menurutku di sinilah sedikit kelemahan dari konsep penceritaan film ini. Mereka mempersembahkan masalah yang ingin disinggung – yang mungkin benar terjadi, ketimpangan, ketidakmanusiawian orang kaya atau majikan, dan sebagainya itu, tapi memuatnya ke dalam perspektif karakter yang juga dibuild up nekat melakukan apapun untuk membebaskan dirinya dari ‘kandang ayam’. Ke perspektif karakter yang sedang menarik perhatian ‘orang kaya berikutnya’ lewat surat. Jadi buatku ada sedikit masalah narator yang unreliable di film ini. Sehingga apa yang dilakukannya pun, jadi dipertanyakan”

“Entah. Menurutku tidak ada yang dapat dibenarkan dalam membunuh seseorang, nggak peduli seburuk apa perlakuan orang tersebut. Walaupun aku nggak membenarkan juga sikap majikan-majikan di India yang memperlakukan pelayannya dengan tidak manusiawi. Menurutku hubungan antara pembantu dengan majikan baiknya ya saling menghormati satu sama lain, dan nggak membedakan, tapi tetap ada batasan yg dijelaskan di awal. Jadi hak dan kewajibannya jelas. Karena sesungguhnya pembantu dan majikan ini menurutku sama aja kayak karyawan dan atasan dalam perkantoran, hanya beda penempatan aja, satu dalam gedung, satu dalam rumah.”

“Lucu sih bagaimana film menilik Balram lewat hubungannya dengan majikan-majikannya. Ada yang kasar, tapi ada juga yang simpatik. Kayak Ashok dan Pinky, yang berjiwa Amerika. Awal-awal pas ngeliat Ashok pertama kali kan, film ini ngasih treatment yang kayak seseorang melihat orang yang didamba banget. Balram ngeliat Ashok itu pakek slow-motion segala. Hubungan mereka juga up-and-down kayak sahabat akrab, kan.”

“Pinky FTW!!!! Aku bisa ngerasain banget keinginan dia buat memperbaiki sistem kasta di India. Padahal menurutku di sini yang salah bukan sistem kastanya, tapi memang individualnya, dan segala permasalahan ekonomi yang sudah menahun. Seperti Balram, dia sudah diberikan kesempatan untuk mendapatkan beasiswa ke Delhi, despite kastanya adalah kasta rendah, tetapi, karena faktor ekonomi, Balram dipaksa untuk berhenti bersekolah dan bekerja. Makanya adegan saat Pinky menyuruh Balram untuk berhenti bekerja dan mengejar pendidikan terlebih dahulu, dan juga menyuruh Balram untuk berkeluarga (in a good way of course, bedakan tentang neneknya Balram yg menjodohkan dia dengan paksa). Aku jadi makin cinta sama karakter Pinky ini setelah itu. Yang mana juga adegan favorite ku, karena kayak flashback aja waktu awal cerita pas Balram kecil masih rajin belajar, paling pinter satu kelas, & dijanjikan beasiswa ke Delhi. Di adegan ini, Balram pun sudah berada di Delhi, tapi sebagai pelayan. Cuma saat disuruh kejar pendidikan oleh Pinky, dia malah menolak. Berbeda banget, padahal masih orang yg sama🥲”

“Pinky dan Ashok memang sepertinya diniatkan oleh film ini sebagai usaha yang futile. Karena yang rusak itu memang sistemnya. Sudah tidak tertolong, tanpa hal ekstrim. Apalagi oleh orang luar semacam Pinky dan Ashok. Mereka ini tu kayak keluarga kaya di film Parasite. Mereka enggak jahat, tapi mereka juga gak tau keadaan sebenarnya semacam apa di bawah, atau terms film ini; di darkness sana. Mereka ‘hanya’ orang berprivileged yang lebih sopan. Dan lebih terbuka. They do have to realized that they can’t really help.”

“Iya, aku sempet berharap banyak sama Pinky, tapi sayang dia pun gak kuat menghadapi segala problematika di India. Walau terkesan agak SJW, tapi gak bisa dipungkirin Pinky ini karakter yang paling manusiawi disini (bahkan lebih manusiawi daripada nenek kandung Balram sendiri menurutku) Dan Pinky sedikit banyak menularkan ‘hal baik’ ini ke Ashok. Menurutku keberadaan Pinky dan Ashok difilm ini menganalogikan bahwa tidak mudah mengubah sesuatu yang sudah berlangsung sekian lama, bahkan di akhir cerita saat Pinky memutuskan menyerah dan meninggalkan India, sifat Ashok malah berubah menjadi seperti majikan India yg lain.”

“Kalo si Pinky tau apa yang terjadi pada Balram dan Ashok. Kira-kira gimana ya reaksinya? Si Balram kan sudah ngikutin nasihatnya untuk berani mengejar kehidupan sendiri. Tapi Balram melakukan itu dengan… ahahaha pait!”

“Pertama kali, pasti Pinky nangis, dan memaki Balram. Tapi setelah Balram menjelaskan apa yg dilakukan Ashok & Keluarga ke dia, menurutku Pinky open minded enough untuk memaklumi apa yang Balram lakukan. Ditambah sekarang Balram udah sukses dan memperlakukan karyawannya dengan baik (tidak seperti Ashok & keluarga). Cuma mungkin ke depannya Pinky gak akan menjaga silaturahmi ke Balram, dan gamau berurusan sama dia lagi.”

“Akhirnya, si Balram jadi majikan untuk banyak sopir-sopir India kelas bawah yang ia pekerjakan di bisnis travel. Ending ini sekilas kayak bermuatan optimis. Balram berhasil membuat hidup lebih baik, berhasil memajukan India menurut dirinya. Tapi, dengan segala yang ia lakukan, dengan reaksi PM Cina yang juga biasa aja padanya, buatku cukup susah untuk menempatkan Balram ke kata berhasil. Lagipula, shot akhir ini agak ngeri juga sih, pakek liatin para supir menatap kamera. Seolah ngingetin kita bahwa mereka itu hanyalah ‘Balram-Balram’ lain yang menunggu untuk terjadi. For better and worse.”

“Semakin ngeri :’) Aku melihat pesan Balram di akhir cerita terlalu brutal, kayak, its ok to kill your masters & not feeling guilty after all. Wow.”

“Dan bagaimana dengan Indonesia? Dalam bisnis dan dunia global, Balram percaya masa depan adalah milik India dan Cina, sementara Amerika hanya akan sibuk dengan sosial media. Indonesia kok gak dianggep sih? Gimana nih si Balram, kayak gak tau aja kita bersaing ketat ama India dalam penanganan Corona Terburuk hahaha”

“Indonesia mungkin masih akan sibuk dengan perbedaan pendapatnya Tetapi on the other hand, at least mindset orang-orang Indonesia lebih sedikit terbuka daripada orang India, dan kesempatan untuk menjadi sukses di Indonesia ini banyak banget, karena masyarakat Indonesia setidaknya sudah lebih akrab dengan internet dibanding masyarakat India.”

“Di sini kita juga ada sistem kasta loh. Pejabat dulu. Baru Influencer. Baru orang edan, lalu ilmuwan, dan setelah bertingkat-tingkat, baru deh rakyat jelata hahahaha… Anyway, Mbak Farrah ngasih nilai berapa nih untuk film The White Tiger ini?”

“Mungkin 6. Karena pertama kali aku nonton film ini, kayak terlalu banyak narasi, baru bener-bener seru hanya di 30 menit terakhir film, dan entah kenapa endingnya kurang bagus menurutku.”

“Cukup setuju sih. I do think film ini kelamaan di ngeliatin ‘penderitaan’ Balram dan back-and-forth hubungannya dengan Ashok. Banyak adegan-adegan yang feelnya ngena banget – favoritku pas si Balram dipermainkan emosinya sebagai manusia supaya mau tandatangan untuk sesuatu yang tidak ia lakukan, tapi banyak juga adegan yang bikin ‘ini beneran terjadi atau cuma Balram lagi ngasih tau kita’. Dan kesuksesan Balram dibuat juga terlalu cepat. Kayak, terlalu literal dia sukses dengan membunuh. Gitu. Jadi aku ngasih 7 dari 10 bintang emas untuk The WHITE TIGER!”

That’s all we have for now.
Terima kasih buat mbak Farrah Caprina udah berpartisipasi untuk mengulas film ini. Udah rela meluangkan waktu untuk menjawab pertanyaan seabreg. Dan tentunya terima kasih yang telah ‘memaksa’ aku untuk akhirnya mau menonton film ini.

Buat para Pembaca yang punya film yang ingin dibicarakan, yang ingin direview bareng – entah itu film terfavoritnya atau malah film yang paling tak disenangi – silahkan sampaikan saja di komen. Usulan film yang masuk nanti akan aku hubungi untuk segmen Readers’ NeatPick selanjutnyaa~

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?
We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA.

BLACK WIDOW Review

12 Monday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 15 Comments

Tags

2021, action, comicbook, drama, family, life, love, marvel, MCU, review, spoiler, superhero, thought

“I am not what happened to me, I am what I choose to become.”

Black Widow bukanlah superhero terkuat. Dia bahkan bukan jagoan cewek paling kuat. Natasha Romanoff tidak punya kekuatan super. Dia ini kayak Yamcha di kartun Dragon Ball. Manusia bumi biasa, tanpa kekuatan super, tapi begitu terlatih sehingga serba-bisa. Yamcha yang dulunya perampok, dan sempat jadi pacar Bulma, bisa Kamehameha, Bola Semangat, on top of that dia punya jurus berantem tersendiri. Begitu jualah dengan Natasha alias Black Widow. Dari seorang assassin, ke sempat (nyaris) jadi love interest Hulk, yang jelas Natasha dapat diandalkan oleh teman-teman Avengers karena banyaknya variasi kemampuan yang ia miliki – meskipun gak jago-jago amat. Nasib kedua karakter ini pun sama. Gugur; bukan dalam sengitnya pertempuran personal, melainkan karena cerita mengharuskan seorang karakter untuk mati.

Jadi kenapa karakter jack-off-all-trade sepert itu bisa digemari sehingga fans terus meminta Black Widow punya film tersendiri? Well, first; Natasha Romanoff dimainkan oleh Scarlet Johansson. People love her intensity. Kedua, karena kehebatan cerita superhero tidak diukur dari seberapa dahsyat superpowernya. Melainkan dari seberapa besar perjuangan si pahlawan ini mengatasi kelemahan-kelemahannya, berapa dahsyat yang harus ia tempuh dalam membuat pilihan. Black Widow adalah pahlawan cewek yang punya masa lalu kelam sebagai pembunuh, jelas punya modal untuk sebuah cerita-sendiri yang menarik. Namun sayangnya, ketika film ini benar-benar kejadian, Marvel dan Disney masih menganggap Natasha Romanoff sebagai Yamcha at worst, dan sebagai simbol feminis at best.

Black Widow bukan film superhero ‘terkuat’ di antara film-film superhero MCU yang lain. Dalam film solo yang harusnya adalah waktu untuk menjelaskan lebih banyak suara dari karakter ini, yang seharusnya jadi proper send-off untuk karakter ini, Natasha Romanoff itu sendiri ternyata hanya jadi batu loncatan untuk projek superhero berikutnya.

Kalo Scar-Jo meranin Yamcha, niscaya Yamcha juga bakal jadi favorit

Cerita mengambil tempat di antara event Civil War dengan Infinity War. Tapi sebelum mulai, film mundur dulu. Memperlihatkan masa kecil Natasha bersama keluarga-palsunya. Bagaimana ayah-ibu-kakak-adik itu kini harus berpisah karena mereka dikirim kembali oleh bos ke Rusia untuk mendapat pelatihan dan misi lebih lanjut. Semua itu dikemas sebagai kredit pembuka – lengkap dengan lagu opening, kayak kalo kita lagi nonton opening acara televisi.

Ironisnya, kredit pembuka tadi itu adalah satu dari dua hal bagus yang dimiliki oleh film garapan Cate Shortland ini. Karena setelah itu, Natasha Romanoff yang sedang dalam pelarian, tidak benar-benar melakukan apa-apa. Babak pertama film ini bosenin karena yang kita ikuti adalah karakter yang motivasinya adalah untuk lay-low. Masalah dengan ‘keluarga’ Avengers? Gak dulu deh. Sekitar 30-40 menit kayaknya, barulah film ini jelas arahannya ke mana. Natasha ‘dikontak’ oleh keluarganya yang satu lagi. Adik bo’ongannya dulu, si Yelena, punya informasi tentang masalah personal bagi mereka berdua. Bahwa progam Red Room yang menciptakan Pasukan Widow tak-berhati dari wanita-wanita malang seperti mereka ternyata masih berjalan. Boss Rusia, si Dreykov, yang telah dibunuh oleh Natasha beberapa tahun yang lalu, ternyata masih hidup.

Serius. Film ini bener-bener baru terasa berjalan saat Yelena masuk cerita. Dan Yelena Belova inilah satu lagi (dari dua tadi) hal terbaik yang dimiliki oleh film. Dia punya motivasi dramatis yang lebih jelas. Seperti Natasha, Yelena yang selama ini sudah tercuci otak oleh program Dreykov, mencoba untuk mengembalikan kendali atas hidupnya. Dia juga paham pentingnya memberangus proyek tersebut dan membebaskan semua orang. Tapi tidak seperti Natasha yang telah lelah ‘main keluarga-keluargaan’, Yelena ini percaya akan hubungan yang mereka bentuk sebagai keluarga-palsu. Yelena-lah yang seperti tertantang dengan pemikiran Natasha, alih-alih sebaliknya, padahal yang tokoh utama adalah Natasha. Itu juga dikarenakan Yelena inilah yang lebih banyak menunjukkan emosi yang grounded. Dan untuk fungsi itu, Florence Pugh benar-benar menyuguhkan penampilan yang oke punya. Rentang emosi yang luas itu dia lalap dengan natural. Vulnerable, tangguh, bahkan saat bercanda. Kita merasakan satu-persatu yang ia rasakan, tidak pernah kesemuanya sekaligus – seperti yang ditampilkan oleh Natashanya si Scar-Jo. Timing dan penghayatan Pugh begitu ngena, sampai-sampai lelucon konyol soal pose Black Widow aja berhasil mencuat sebagai running-joke yang menyenangkan.

Dan harus kuperingatkan, film ini penulisan tonenya mentok sekali. Film Marvel selalu berusaha melucu untuk menjaga supaya tetap ringan, itu kita semua udah tahu. Udah rahasia umum. Tapi pada film ini, blending serius dengan komedinya itu kayak trying too hard. Kita akan bertransisi dari adegan yang mencoba untuk terlalu dramatis ke adegan komedi berupa orang gendut kesusahan memakai kostum. Ada Natasha yang mewakili tone keren dan serius, ada Red Guardian yang dibikin total untuk lucu-lucuan, si Yelena ini seperti jembatan untuk menghubungkan keduanya. Makanya Yelena berhasil mencuri perhatian kita. ‘Aksi’ dia praktisnya lebih banyak, menggendong berbagai elemen film seperti yang dijelasin itu.

Meskipun benar kendali adalah milik pribadi, tapi kita tidak bisa lepas dari peranan orang-orang di sekitar. Dari orang-orang yang kita sebut keluarga. Dan orang-orang yang kita sebut keluarga itu bisa datang dari mana saja, tidak terbatas dari ‘darah’ semata. Merekalah justru pengingat bahwa kita punya pilihan.

Romanoff bukannya gak punya motivasi personal, tapi film gak benar-benar follow up sama masalah personal dirinya ini. Melainkan masalahh tersebut dikecilkan. Yang dieksplorasi dari Black Widow ini adalah ada suatu perbuatan kelam yang dulu ia lakukan, sehingga kini saat dia dikenal sebagai pahlawan, peristiwa tersebut jadi berkali lipat membebani nuraninya. Sepanjang durasi film ini, Natasha bergulat dengan hal tersebut. Pergulatannya itu ditunjukkan oleh film lewat karakter Taskmaster. Musuh bertopeng yang bisa meniru semua yang ia lihat. Karena Taskmaster di sini sebenarnya adalah perwujudan Natasha zaman dulu. Zaman saat dia masih pembunuh berdarah-dingin. Jadi Taskmaster adalah musuh yang tepat untuk Natasha, karena dia memang harus mengalahkan dirinya yang dulu. Apalagi karena lebih lanjut, film memperlihatkan Taskmaster sebagai, katakanlah, produk dari ‘dosa’ Natasha yang terus menghantui.

Ini harusnya adalah cerita pengukuhan Black Widow sebagai seorang superhero. Cerita bagaimana dia benar-benar berhak menyematkan diri sebagai pahlawan. Akan tetapi, nilai perjuangannya sebagai perempuan yang berusaha membebaskan nurani itu dikurangi oleh film yang lebih memilih untuk membuat Black Widow mengalahkan pria misoginis yang berbuat tak-manusiawi kepada perempuan. Keberadaan Dreykov yang jadi master dari si Taskmaster ini seperti mengatakan cewek gak salah, cowok yang salah. Black Widow hanya perlu minta maaf untuk menenangkan hati. Taskmaster itu jahat ya karena sudah terdoktrin oleh kepercayaan Dreykov. Ingin mengecilkan, bukan hanya Black Widow, tapi juga si Taksmaster yang karakternya diubah drastis menjadi jadi seserpihan dari karakternya di komik. Shortland mengulangi kesalahan yang sama dengan Deadpool di film Wolverine.

Ternyata ini adalah kisah origin dari Rompi Berkantong Banyak

Yang konyolnya adalah, bahkan di akhir itu bukan Natasha yang membunuh Dreykov – Yelena did it. Tanpa kesulitan berarti. Padahal Natasha butuh banyak dialog, dan taktik, saat berdua saja di dalam ruangan sama si antagonis. Kekuatan si Dreykov benar-benar bikin aku ngakak. Dia punya pheromon spesial; siapapun yang berada cukup dekat sehingga bisa membaui bau tubuhnya, tidak akan bisa melukai dirinya. Jadi, Black Widow kemudian sengaja menyuntikkan virus corona ke dalam tubuh supaya hidungnya enggak bisa mencium. Enggak ding! Tapi yang beneran dilakukan oleh Black Widow di film ini kurang lebih sama konyolnya. Karena ngapain repot-repot harus deket-deket dulu, padahal tinggal tembak dari jauh atau lempar pake pedang aja, tewas tuh si Dreykov! Hahaha aneh banget pake adegan indra penciuman segala…

Kembali ke bahasan serius, film seperti enggan memperlihatkan karakter yang harus benar-benar struggle dengan masalah dalam inner, sehingga harus menampilkan ‘musuh bersama yang lebih nyata’. Kuharap ini cuma masalah sebagai film superhero aja, kayak, karena superhero gak boleh terlalu berat. Kuharap ini bukan soal protagonis cewek yang harus dibuat sempurna, karena belakangan memang film-film cenderung untuk terpaku pada agenda seperti itu. Dan bicara tentang superhero dan moral, film Black Widow inipun sesungguhnya enggak lurus-lurus amat. Penulisan film masih ambigu banget secara moral. Banyak karakter yang melakukan hal-hal, tapi tidak lanjut ke konsekuensinya. Karakter yang telah mengesampingkan anak yang look up to them, pada akhirnya teredeem dan jadi pembela kebenaran. Dan bagaimana dengan salju longsor di penjara itu? Hohoho…film dengan cepat ngegloss over fakta bahwa Black Widow dan Yelena telah membunuh banyak orang saat insiden kabur dari penjara. Film ini seperti dengan entengnya seolah mengestablish penjara itu isinya orang jahat semua, termasuk penjaga yang semena-mena, padahal mereka yang di sana berada pada posisi yang lebih ngenes daripada ‘collateral damage’ – dan sepanjang film Black Widow galau sama ‘collateral damage’ yang dengan sengaja dia lakukan beberapa tahun yang lalu. Moralnya gak masuk banget.

Tapi tentu saja, aksi gede perlu untuk dilakukan karena ini adalah film laga berbudget mahal. Malu dong kalo sekelas Disney dan Marvel gak pake acara hancur-hancuran dan ngebut-ngebutan. Persetan dengan logika. Orang-orang tanpa kekuatan super itu yang penting bisa tampak keren meluncur jatuh, ataupun berkali-kali terguling dalam kecelakaan mobil. Perkara mereka bisa selamat, itu urusan yang seharusnya gak usah repot kita pikirkan saat mencari hiburan, kan. Lagipula mungkin film ini ngasih petunjuk bahwa Natasha bisa selamat dari begitu banyak kecelakaan, dan terjun dari stasiun angkasa, jadi mungkin dia belum benar-benar mati saat jatuh dari tebing itu. Ngarep! Anyway, begitulah adegan-adegan aksi dalam film ini. Secara koreografi, kerja kamera, dan teknis-teknis begitu, tidak ada yang spesial. There are lot of CGIs, editing, and stunt double – standar rutinitas film aksi yang biasa. Kalo ada yang diingat orang, maka itu adalah beberapa kualitas CGI yang kurang kece, adegan yang gak grounded-grounded amat, dan betapa “such a poser”nya film superhero ini.

Setelah menontonnya, aku masih menganggap mereka sebenarnya masih gak pengen-pengen amat membuat film ini. Kayak, film ini akhirnya ada karena tuntutan, dan waktu yang tepat. Karena Marvel ingin mendorong proyek-proyek berikutnya. Ada karakter yang harus diperkenalkan. Apa yang mestinya merupakan swan song dari superhero yang difavoritkan banyak orang ternyata tak lebih dari sekadar roda gigi kecil pada mesin yang besar. Film ini hanyalah another spectacle featuring hal-hal yang bikin kita excited. Tanpa benar-benar utuh menyelami kepada karakter dan dunianya sendiri.
The Palace of Wisdom gives 5 out of 10 gold stars for BLACK WIDOW.

That’s all we have for now.

Untung mengenang Black Widow yang gugur, apa momen Natasha Romanoff favorit kalian di seluruh film MCU?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

FEAR STREET PART 2: 1978 Review

10 Saturday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ 3 Comments

Tags

2021, adaptation, drama, family, horror, life, love, mystery, review, sisterhood, slasher, spoiler, supernatural, thought, trilogi

“Beware of that monster called ‘self-loathing'”

Bagian kedua dari trilogi Fear Street garapan Leigh Janiak mengambil tempat pada sebuah perkemahan musim-panas tahun 1978. Kemah musim-panas sendiri memang tahun 80an sudah menjadi staple dalam cerita-cerita horor Amerika, termasuk dalam film dan dalam cerita-cerita karangan R.L. Stine sendiri. Dalam seri Goosebumps originalnya aja ada tujuh cerita yang berset di kemah musim-panas. Sehingga tentu saja makes perfect sense jika Fear Street melangkahkan kaki ke sana. Membuat cerita perkemahan anak sekolah itu menjadi lebih sadis dan lebih berdarah-darah. Sesuai dengan ‘fitrahnya’ dalam jagat film horor. Kita tentunya tahu persis nama-nama kemah Crystal Lake, kamp Arawak, kamp Stonewater, Hurrah, beserta nama-nama pembunuh psikopat yang mengganas di masing-masingnya.

Kemah musim-panas adalah panggung bermain ideal untuk horor slasher, dan untungnya bagi Leigh Janiak, film-film tersebut tidak mengeset standar yang tinggi – paling enggak, tidak setinggi standar Scream yang berusaha dicapai (dengan gagal gemilang) oleh Janiak di Bagian Pertama Trilogi ini. Subgenre dari slasher 80an ini enggak harus cerdas. Enggak harus trendi. Untungnya bagi kita, Janiak kali ini paham mengenai advantage-nya tersebut. Dia menyuntikkan segenap hati pada cerita bunuh-bunuhan dan misteri supernatural. Membuat Fear Street Part Two sedikit lebih berbobot dan lebih gampang dinikmati daripada bagian sebelumnya.

fearstreethttps___netflixlife.com_files_image-exchange_2021_07_ie_70794-850x560

Kalo di kita, summer camp ini mungkin padanannya adalah pesantren kilat (?)

Pencarian kebenaran mitologi penyihir bernama Sarah Fier yang mengutuk kota Shadyside dengan serial-killer psikopat tak berkesudahan, membawa Deena (protagonis film bagian pertama) dan kita ke Camp Nightwing tahun 78 silam. Tepat beberapa saat sebelum kutukan penyihir itu menghantam, mewarnai kabin-kabin di tengah hutan itu dengan warna darah. Di masa lalu itulah kita bertemu dengan protagonis film bagian kedua ini. Dua kakak beradik Berman. Ada Ziggy, yang dibully oleh teman-teman dari Sunnyvale. Dan Cindy, yang bekerja sebagai pengawas perkemahan. Hubungan antara dua saudari inilah yang jadi hati dalam cerita. Karena hubungan mereka sebagai kakak-adik actually sangat tidak akur karena situasi keluarga, tapi mainly karena keduanya punya reaksi yang sangat bertolak belakang perihal dipandang kecil sebagai warga Shadyside. Ketika malam tiba, dan pacar Cindy disihir oleh kutukan sehingga menjadi Pembunuh Berkapak, Ziggy dan Cindy yang terpisah harus berusaha menyelamatkan diri sembari mencari cara untuk menghentikan kutukan tersebut. Berdua, atau tidak sama sekali.

Instantly, cerita yang jadi tubuh film bagian kedua ini terasa lebih kuat dan menarik dibandingkan film bagian pertama. Di sini kita dapat protagonis kakak-beradik yang berkonflik langsung dengan semuanya. Cerita ini sepenuhnya milik mereka. Ini bukan sekadar cerita survival dari pembunuh (yang kenal mereka secara personal), melainkan ada konflik sisterhood yang bisa kita pedulikan. Penulisan film kali ini bekerja dengan efektif mengaitkan karakter dengan bangunan mitologi, more importantly dengan kota yang menjadi bagian dari mitologi tersebut.

Soal kota tersebut actually adalah poin lemah pada bangunan film 1994. Film itu terlalu sibuk live it up ke slasher 90an sekaligus kepayahan untuk membuat protagonisnya tampak penting. Sehingga lupa untuk menghidupkan mitologi secara natural. Kebanyakan hanya lewat eksposisi, sedangkan kota Shadyside yang harusnya jadi karakter tempat mitologi tersebut bisa bersemayam dilewatkan begitu saja. Film 1978 kali ini, meskipun memang masih terdapat banyak eksposisi (kali ini tampak lebih natural karena hanya lewat buku catatan), tapi menyebut lebih banyak tentang bagaimana rasanya menjadi penduduk sebuah kota yang terkenal ‘sial’ karena banyak terjadi pembunuhan sadis. Film dengan bijak menggunakan setting kemah musim panas untuk melakukan hal tersebut. Kemah tersebut dihuni oleh anak-anak dari Shadyside dan Sunnyvale. Lewat interaksi para karakternya lah, kota-kota ini (terutama Shadyside) mulai terasa hidup sebagai karakter tersendiri. Kita melihat perbedaan status (dan bahkan nyaris perbedaan fisik) yang ditimbulkan oleh tinggal di kota tersebut. Setiap kali nama Shadyside disebut dalam perbincangan, kepercayaan kita akan kutukan dan ‘jelek’nya kota tersebut bertambah. Kita jadi seperti merasakan langsung pengaruh buruk kota tersebut kepada karakter-karakter penghuninya. Karena baik Ziggy, Cindy, maupun karakter pendukung seperti Alice dibuat punya kebencian dan ‘mekanisme bertahan’ sendiri terhadap status mereka sebagai warga.

Sadie Sink lebih beruntung dibandingkan alumni Stranger Things yang muncul di film 1994, karena dia mendapat peran yang lebih demanding secara emosi, dan literally lebih penting, pada film 1978 ini. Sebagai Ziggy, Sink harus memainkan angst remaja ke dalam note-note emosi yang intens. Ada kemarahan dan keputusasaan yang nyaris konstan harus dia keluarkan. Ziggy membenci fakta bahwa dia adalah warga Shadyside, dan tak ada yang bisa dia lakukan dengan hal itu. Dia hanya bisa menjadi diri sendiri, yang itu berarti dia harus dibully sepanjang waktu oleh anak-anak Sunnyvale. Dan ini membuatnya menjadi benci ama diri sendiri. Lalu datanglah kakaknya. Cindy (Emily Rudd diberikan karakter yang seperti ‘bermain’ dengan trope heroine slasher 80an), remaja baek-baek dengan kemeja polo putih sebagai lambang kemurnian atau kepolosan, atau apalah. Masalah Ziggy kepada Cindy adalah, kakaknya itu fake. Mencoba untuk menjadi seperti anak-anak Sunnyvale yang mentereng. Tapi tentu saja, sebenarnya ada alasan yang mengundang simpati juga kenapa Cindy memilih bertingkah ekstra-suci, tidak seperti sahabatnya, Alice, yang benar-benar embracing sisi gelap dari perkataan Sunnyvale seputar warga Shadyside.

Film bagian kedua ini memainkan konteks kota sebagai kutukan dengan lebih baik, karena semua ditempatkan ke dalam karakter. Manusia-manusia remaja dalam film ini semuanya membenci kota mereka. Bagi mereka melawan Sarah Fier adalah berjuang mengalahkan reputasi kota. Ini membuat mereka lantas membenci diri mereka sendiri. Dan nantinya mereka harus menyadari, bahwa self-loathing itulah justru sebenarnya monster yang lebih berbahaya. Mereka akan menghancurkan diri sendiri jika terus berkubang di dalamnya.

Untuk aspek horornya sendiri, film ini really embrace satu-serial-killer, dan juga tampak lebih fokus. Karena kesuperanaturalan cerita enggak jauh beda dengan monster-monster slasher seperti Jason Vorhees. Sama-sama inhuman. Dibandingkan film pertama yang tampil lebih blak-blakan dan kreatif, film kedua ini secara aksi tampil lebih tradisional. Penggal kepala dan beberapa yang seperti body-horror kayak tulang patah ataupun digerayangi lintah (dan berkecimpuk dalam kotoran) jadi sajian horor di sini. Tapi film ini justru membuktikan minimalis seperti demikian, bukan berarti tidak seram. Secara konteks justru sebenarnya lebih mengerikan, karena di sini yang dibunuhi dengan kejam pake kapak itu adalah anak-anak. Bahkan slasher 80an tidak banyak yang berani melakukannya, kebanyakan hanya menyerang remaja. Karena melibatkan anak-anak itulah, maka pembunuhan dalam 1978 ini banyak yang dilakukan di luar kamera. Tapi film memainkan semuanya dengan baik. Memperlihatkan potongan-potongan kecil anggota tubuh, membuat kita jadi membayangkan sendiri kejadiannya, and in a way, cara tersebut terasa lebih seram. Dan lebih membekas.

Adegan terakhir Ziggy dan Cindy aja udah no mercy banget

Apa lagi ya yang bisa kita bandingkan antara film ini dengan film pertama… oiya, keotentikan suasana. Buatku film 1994 itu gagal karena semua kemudahan dalam ceritanya malah membuat film terasa seperti sangat modern. Sementara itu, film 1978 ini punya keuntungan dari panggung kemah musim-panas tersebut. Secara kehororan, it is easier to replicate. Secara gimmick, juga enggak perlu banyak repot-repot. Film ini cukup memperlihatkan tape dan kaset berisi lagu-lagu 70an populer. Aku suka lagu-lagu rock semacam Cherry Bomb atau Carry On My Wayward Son, I mean who doesn’t. Tapi toh memang film ini terasa trying too hard untuk menghidupkan suasana, dengan memainkan lagu-lagu tersebut secara over. Yang gak benar-benar berhasil mereka perlihatkan alasan kenapa adegannya harus pakai lagu.

Fear Street 1978 adalah tontonan slasher ala 70-80an yang perfect, jika ceritanya dibuat berdiri sendiri. Sayangnya, ini adalah bagian dari trilogi. Dan konsep trilogi yang dipakai oleh Janiak membawa banyak, katakanlah, pengurangan nilai bagi performa film. Jadi, semua kejadian di perkemahan itu diceritakan kepada Deena dan adiknya, oleh C. Berman dewasa. Problema itu datang dari sini. Pertama, film ini bisa terlihat sebagai kelanjutan cerita Deena, yang Deenanya benar-benar total gak ngapa-ngapain selain duduk dengerin flashback. Ini akan membuat film bagian dua ini seperti cuma jembatan. Kedua, soal posisinya sebagai flashback itu sendiri. Ini adalah kisah dua bersaudara yang diceritakan oleh satu orang. Film akan membawa kita antara melihat sudut pandang Ziggy, dan sudut pandang Cindy. Kan jadi gak masuk akal, dari mana si satu orang yang bercerita ini tahu sudut pandang dari saudaranya – apa yang dialami oleh saudaranya. Padahal kita lihat adegannya lengkap, dan waktunya mepet sekali untuk ada tenggat si saudara telah menceritakan petualangannya. Jadi, film ini bermasalah pada perspektifnya. Dan ketiga, ini nitpick sih, tapi menurutku aneh sekali bagaimana film ini membuat siapa C. Berman itu sebagai twist, padahal siapa dia sebenarnya pasti sudah bisa langsung ditebak (karena memang gak perlu dirahasiakan). Mending mereka mengungkap kenapa C. Berman itu banyak banget ngoleksi jam di rumahnya.

Tentu, ini baru bagian kedua dari tiga cerita. Pertanyaan-pertanyaan belum terjawab pasti ada. Bisa dimaklumi film ingin ngebuild up dengan menyinggung atau memberi clue sedikit. Seperti soal mitologi penyihir, soal kekuatannya. Kita diperlihatkan ada benda berdenyut mengerikan di bawah tanah yang bikin penasaran banget. Mungkin itu hati si Sarah Feir, aku gatau. Kita mulai paham bahwa kekuatan Fier ditujukan untuk para warga Shadyside. Di film ini yang dibunuhnya cuma anak-anak berbaju biru. Tapi ketika darah menetes tulang atau kuburannya, Feir akan melepas semua pasukan psikopatnya untuk mengejar si empunya darah. Melihatnya sekarang, rule dari kekuatan penyihir ini masih membingungkan. Apalagi jika membandingkannya dengan film pertama, saat tentara si penyihir membunuh tiga orang Sunnyvale di rumah sakit, dalam rangka mengejar si Sam yang darahnya mengenai kuburan. Kinda breaking the rules? Kenapa yang dikapak paling parah di akhir film kedua ini justru bukan orang yang darah mimisannya netes (bukan orang yang harusnya jadi target pengejaran)? Dan bagaimana soal mimisan – kenapa ada beberapa orang yang mimisan, apa artinya mimisan itu?

Film ini bekerja terbaik saat dilihat sebagai cerita yang berdiri sendiri. Dia berhasil membangun mitologi dengan cara yang lebih efektif. Eksposisinya dimainkan dengan seimbang dengan penggalian karakter. Bahkan kota Shadyside berhasil dicuatkan. Karena ceritanya enggak melulu tentang orang panik dikejar-kejar. Ada momen-momen manusiawi yang bisa kita resapi di antara bunuh-bunuhan sadis ala slasher 80an. Sayangnya saat harus mengikatkan diri kepada film pertama, sebagai bagian dari trilogi, film ini justru jadi banyak minusnya. Perspekifnya jadi gak kuat, kepentingannya jadi berkurang. Eksistensi keseluruhannya jadi lemah. Tapi, sekali lagi, sebagai film sendiri, ini lebih baik daripada film bagian pertama. Lebih bisa dinikmati.
The Palace of Wisdom gives 5.5 out of 10 gold stars for FEAR STREET PART 2: 1978.

That’s all we have for now.

Sebelum mencapai penutup trilogi, sudahkah kalian punya teori-teori sendiri mengenai Sarah Fier?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY Review

07 Wednesday Jul 2021

Posted by arya in Movies

≈ Leave a comment

Tags

2021, adaptation, adventure, book, comedy, drama, family, friendship, funny, live-action, review, spoiler, thought

“Beautiful trees still rise from ugly seeds”

Peter Rabbit is a bad seed. Di antara kelinci-kelinci peliharaan Bea, Peter yang paling bandel. Dalam film pertamanya saja (rilis tahun 2018) Peter ngebully Thomas McGregor, manusia yang jadi musuh bebuyutannya, yang punya alergi buah blackberry dengan melempar blackberry tersebut hingga tepat masuk ke mulut. Prank yang begitu kelewatan, sampai-sampai Sony Pictures harus meminta maaf kepada publik perihal adegan tersebut.

Agaknya, insiden itulah yang jadi inspirasi bagi sutradara dan penulis naskah Will Gluck untuk cerita sekuel dari karakter kelinci yang awal fenomenanya berasal dari buku kanak-kanak di Inggris ini. Gluck mengedepankan tema Peter sekarang aware bahwa dia dicap bandel oleh orang lain. Gluck ingin membuat pesan yang menyuarakan tentang mengenali self-worth, kepada penonton. Karena bandel tentu saja tidak berarti jahat. Like, bandel pada kendaraan justru berarti hal yang bagus. Sehingga untuk benar-benar menghidupi tema tersebut, Gluck pun mengonsep film kedua ini sebagai film yang bandel. Enggak cukup hanya dengan menjadi meta, Peter Rabbit 2 kini melompat melewati batas aturan dunianya sendiri.

PETER-RABBIT-2-TRAILER-e1619535931978-1280x720

Kenapa ya kelinci sering digambarkan sebagai karakter bandel dalam fabel-fabel?

Semenjak gencatan senjata, yakni peristiwa sakral Bea menikah dengan Thomas, kelinci berjaket biru tokoh utama kita ini memang berusaha bersikap manis. Tidak lagi dia mengganggu kebun sayur milik Thomas. Peter bahkan menjaga kebun tersebut dari hewan-hewan lain. Sayangnya, belum semua orang dapat melihat perubahan sikap Peter. Image nakal dan bandel tetap melekat kepadanya. Buktinya, saat Bea dan Thomas bertemu dengan produser yang tertarik untuk membesarkan buku karangan Bea tentang Peter dan kawan-kawan menjadi sebuah franchise raksasa, Peter mendapati karakternya di dalam cerita itu akan tetap dibuat sebagai karakter yang bandel. Peter lantas jadi pundung dengan semua orang. Peter minggat, dan di jalanan kota London itulah Peter bertemu dengan seorang kelinci tua. Kelinci yang percaya kepadanya. Kelinci yang bertindak selayaknya ayah baginya. Kelinci, yang mengajaknya untuk bergabung ke dalam misi mulia merampok makanan di Farmer’s Market.

So yea, ada lebih banyak yang terjadi pada film kedua ini. Peter Rabbit 2: The Runaway memang mengadopsi istilah sequel is bigger. Yang kita ikuti bukan saja petualangan Peter menjalankan misi, tapi juga persiapan seperti pada film heist beneran. Mengumpulkan teman-teman, bikin rencana, dan lain sebagainya. Sesekali kita juga akan dibawa berpindah mengikuti Bea yang harus mengarang buku cerita sesuai dengan pesanan. Paralel di sini adalah Peter dengan Bea. Keduanya sama-sama bertemu dengan orang yang mereka kira nurturing, peduli, dan mengembangkan diri mereka yang sebenarnya. Padahal sebenarnya Bea dan Peter sedang dimanfaatkan. Film sudah menyiapkan banyak sekali lelucon slaptick – bahkan lebih banyak daripada film pertama – supaya tone cerita tidak menjadi terlalu sentimentil. Seperti misalnya ketika Peter yang berjalan sendirian bersedih hati, film menggunakan banyak treatment komedi seperti Peter terjatuh ke semen basah dan sebagainya. Komedinya naik bertahap menjadi lebih kreatif saat menggunakan musik latar sebagai candaan. Aku ngakak di adegan tupai nyanyiin lagu Green Day, dan bagaimana si tupai penyanyi itu jadi running joke yang muncul bikin Peter heran setiap kali dia menggalau. “Kok elu bisa tahu isi hati gue?” kurang lebih begitu pertanyaan si Peter kepada Tupai hahaha

Sebagai cerita yang memang berasal dari materi untuk anak-anak, film ini perlu untuk menjadi total menghibur. Ini lompatan nekat pertama yang dilakukan oleh film. Peter Rabbit dan teman-teman yang di buku aslinya adalah dongeng sederhana untuk dibacakan sebagai cerita pengantar tidur, kini dibuat total konyol, enggak banyak beda ama film kartun ala Looney Tunes. Dan supaya stay true dengan tema aware kepada true self, film memperlakukan komedi tersebut dengan cara meta. Yang artinya, para karakter dalam film ini dibuat mengenali perbuatan mereka yang disejajarkan dengan mengenali hal di dunia nyata kita, para penonton mereka. Semacam breaking the fourth wall cara-halus. Peter di film ini menyebut tindakan mereka sudah semakin mirip adegan kartun, misalnya. Atau ketika ada karakter yang menyebut betapa menjengkelkannya suara Peter terdengar. This rings so true karena suara James Corden yang mengisinya memang benar-benar annoying. Film membuat karakternya sendiri mengacknowledge ini dengan beberapa kali mempraktekkan dan mempertanyakan suaranya.

Kemetaan tersebut tidak hanya dilakukan sebagai selingan komedi. Namun juga actually dijadikan bagian dari plot. Ini kita lihat pada porsi Bea. Dia disuruh menulis cerita yang lebih fantastis. Kelinci-kelinci pada ceritanya disuruh supaya enggak hanya berkutat di perkebunan di rumah saja. Melainkan harus bertualang di kota, di pantai, bahkan kalo perlu hingga ke angkasa. Kelinci-kelinci tersebut disuruh melakukan berbagai aksi, seperti kebut-kebutan ataupun berkeliling dunia menyelamatkan teman-teman mereka. Film sudah menyiapkan punchline untuk plot poin tersebut dengan membuat ‘Peter dan kawan-kawan yang sebenarnya’ benar-benar melakukan hal yang jadi materi untuk buku karangan Bea. Peter akan benar-benar ngebut-ngebutan untuk menyelamatkan teman-temannya yang tersebar ke berbagai penjuru

Untung aja gak beneran sampai ke angkasa raya

Untuk mendaratkan cerita (dan semuanya) supaya enggak benar-benar sampai ke luar angkasa, film mengikat permasalahan Peter berakar pada masalah keluarga. Dalam hal ini, permasalahan seputar relationship seorang anak kepada ayah. Dan juga sebaliknya; permasalahan bagaimana menjadi ayah kepada seseorang yang dianggap sebagai anak. Peter yang tampak bandel bagi Thomas, dan masalah Peter yang langsung marah dikatain bandel despite usahanya untuk jadi lebih baik — ini adalah masalah ayah dan anak, written all over it! Mereka berdua hanya harus menyadari itu, sehingga Peter sebenarnya tidak perlu lagi mencari father figure ke tempat lain. Dan inilah sebabnya kenapa karakter Thomas McGregor – yang di film pertama merupakan semacam antagonis utama – kali ini lebih mencuri perhatian ketimbang Bea, atau Peter sekalipun. Thomas memang masih kebagian porsi konyol juga (dia lari ngejar mobil itu ‘kartun’ banget dan favoritku adalah pas adegan menangisi rusa – comedic timing Domhnall Gleeson dapet banget!) tapi fungsi karakternya kali ini terutama adalah sebagai sarana penyadaran untuk Bea dan Peter. Dia menunjukkan cinta yang kuat. Meskipun masih sering bertengkar dengan Peter, tapi semua itu ada alasannya. Adegan Thomas ngobrol dengan Peter di menjelang babak tiga akan jadi hati untuk film ini.

Masalah Peter memang berakar dari absennya seorang ayah di dalam hidup. Peter jadi percaya dirinya berbeda, seorang ‘bad seed’. Tapi meskipun memang benar, Peter bandel, dan ayahnya seorang pencuri seperti yang diceritakan si Kelinci Tua, tidak berarti Peter harus tumbuh menjadi bener-bener bad. Karena kualitas seseorang tidak ditentukan dari bibitnya.

Wait, Thomas ngobrol dengan Peter??

Ya, sayangnya ini adalah hal yang aku merasa perlu untuk disebutkan sebagai spoiler, karena ini adalah satu lagi lompatan maut yang dilakukan oleh film. Untuk menjadi sebandel Peter, film merasa perlu untuk melanggar aturan buku Peter Rabbit, yakni hewan-hewan lucu itu tidak bicara kepada manusia. Film pertama menghandle aturan ini dengan lebih baik, mereka mencari celah supaya komunikasi bisa tetap terjadi. Namun, film kedua ini, mereka langsung saja seperti sebuah cara gampang untuk mengomunikasikan feeling antara Peter dan Thomas. Ya, secara konsep memang masuk, tapi tidak berarti tampak bagus dari kacamata penulisan skenario. Atau bahkan dari kacamata para fans hardcore, yang bisa aku bayangkan pada surprised. Karena kekhasan Peter Rabbit sendiri jadi ilang. Yang jelas, dari penulisan, aku memang berharap momen ‘wejangan’ seperti ini tidak digampangkan atau tidak dibikin ada begitu saja. There should be more clever and sweet ways untuk membuat hewan dan manusia membicarakan perasaan mereka dan memecahkan masalah bersama.

Film memang lantas jadi full over-the-top. Benar-benar melanggar bukunya, dengan adegan yang dipersembahkan sebagai meta itu tadi. Dengan pesan yang gak jelas lagi apa sasarannya. Peter Rabbit memang menjadi franchise sukses di dunia nyata, sementara di film ini kita melihat karakter Bea (yang merupakan nama asli penulis Peter Rabbit) enggak suka Peter Rabbit menyimpang dan jadi semata produk jualan. Tapi film di akhir memperlihatkan Peter Rabbit dan Bea benar-benar bertualang, melakukan hal menyimpang yang ia tolak sebagai buku berikutnya. Sehingga becandaan metanya ini jadi kabur, apa tujuannya. Kenapa film malah melakukan hal yang semestinya adalah ‘salah’ menurut kompas ceritanya. Dan ini membuat film jadi pretentious.

Orang Jawa bilang lihatlah sesuatu dari bibit, bobot, dan bebetnya. Well, untuk bobot, film ini punya muatan yang berharga sebagai tontonan keluarga. Yang membuatnya bisa konek dengan anak-anak, maupun orang tua. Untuk kriteria bebet, film ini punya konsep yang lebih unik dibandingkan film pertamanya. Tampil lebih berani, melompati banyak resiko untuk menjadi berbeda; menjadi lebih besar daripada bibitnya. Hal ini dapat jadi hal yang positif, jika menjadi berbeda dan lebih besar itu mengarah kepada kepastian menjadi better. Sayangnya film ini malah terlihat seperti menertawai bibitnya sendiri. Mencoba jadi beda tapi tidak berhasil memperjelas poin utama dari konsep yang mereka lakukan.
The Palace of Wisdom gives 5.5 out of 10 gold stars for PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY.

That’s all we have for now.

Ngomong-ngomong soal bibit-bobot-bebet, apakah menurut kalian menilai seseorang dari tiga kriteria tersebut masih relevan di masa sekarang ini?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

MY DIRT SHEET

~ enter Palace of Wisdom, if you are invited

Tag Archives: drama

PIG Review

BLOOD RED SKY Review

THE FOREVER PURGE Review

SPACE JAM: A NEW LEGACY Review

Money in the Bank 2021 Review

FEAR STREET PART 3: 1666 Review

[Reader’s Neatpick] – THE WHITE TIGER (2021) Review

BLACK WIDOW Review

FEAR STREET PART 2: 1978 Review

PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY Review

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this: