PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY Review

07 Wednesday Jul 2021

Tags

2021, adaptation, adventure, book, comedy, drama, family, friendship, funny, live-action, review, spoiler, thought

“Beautiful trees still rise from ugly seeds”

Peter Rabbit is a bad seed. Di antara kelinci-kelinci peliharaan Bea, Peter yang paling bandel. Dalam film pertamanya saja (rilis tahun 2018) Peter ngebully Thomas McGregor, manusia yang jadi musuh bebuyutannya, yang punya alergi buah blackberry dengan melempar blackberry tersebut hingga tepat masuk ke mulut. Prank yang begitu kelewatan, sampai-sampai Sony Pictures harus meminta maaf kepada publik perihal adegan tersebut.

Agaknya, insiden itulah yang jadi inspirasi bagi sutradara dan penulis naskah Will Gluck untuk cerita sekuel dari karakter kelinci yang awal fenomenanya berasal dari buku kanak-kanak di Inggris ini. Gluck mengedepankan tema Peter sekarang aware bahwa dia dicap bandel oleh orang lain. Gluck ingin membuat pesan yang menyuarakan tentang mengenali self-worth, kepada penonton. Karena bandel tentu saja tidak berarti jahat. Like, bandel pada kendaraan justru berarti hal yang bagus. Sehingga untuk benar-benar menghidupi tema tersebut, Gluck pun mengonsep film kedua ini sebagai film yang bandel. Enggak cukup hanya dengan menjadi meta, Peter Rabbit 2 kini melompat melewati batas aturan dunianya sendiri.

PETER-RABBIT-2-TRAILER-e1619535931978-1280x720

Kenapa ya kelinci sering digambarkan sebagai karakter bandel dalam fabel-fabel?

Semenjak gencatan senjata, yakni peristiwa sakral Bea menikah dengan Thomas, kelinci berjaket biru tokoh utama kita ini memang berusaha bersikap manis. Tidak lagi dia mengganggu kebun sayur milik Thomas. Peter bahkan menjaga kebun tersebut dari hewan-hewan lain. Sayangnya, belum semua orang dapat melihat perubahan sikap Peter. Image nakal dan bandel tetap melekat kepadanya. Buktinya, saat Bea dan Thomas bertemu dengan produser yang tertarik untuk membesarkan buku karangan Bea tentang Peter dan kawan-kawan menjadi sebuah franchise raksasa, Peter mendapati karakternya di dalam cerita itu akan tetap dibuat sebagai karakter yang bandel. Peter lantas jadi pundung dengan semua orang. Peter minggat, dan di jalanan kota London itulah Peter bertemu dengan seorang kelinci tua. Kelinci yang percaya kepadanya. Kelinci yang bertindak selayaknya ayah baginya. Kelinci, yang mengajaknya untuk bergabung ke dalam misi mulia merampok makanan di Farmer’s Market.

So yea, ada lebih banyak yang terjadi pada film kedua ini. Peter Rabbit 2: The Runaway memang mengadopsi istilah sequel is bigger. Yang kita ikuti bukan saja petualangan Peter menjalankan misi, tapi juga persiapan seperti pada film heist beneran. Mengumpulkan teman-teman, bikin rencana, dan lain sebagainya. Sesekali kita juga akan dibawa berpindah mengikuti Bea yang harus mengarang buku cerita sesuai dengan pesanan. Paralel di sini adalah Peter dengan Bea. Keduanya sama-sama bertemu dengan orang yang mereka kira nurturing, peduli, dan mengembangkan diri mereka yang sebenarnya. Padahal sebenarnya Bea dan Peter sedang dimanfaatkan. Film sudah menyiapkan banyak sekali lelucon slaptick – bahkan lebih banyak daripada film pertama – supaya tone cerita tidak menjadi terlalu sentimentil. Seperti misalnya ketika Peter yang berjalan sendirian bersedih hati, film menggunakan banyak treatment komedi seperti Peter terjatuh ke semen basah dan sebagainya. Komedinya naik bertahap menjadi lebih kreatif saat menggunakan musik latar sebagai candaan. Aku ngakak di adegan tupai nyanyiin lagu Green Day, dan bagaimana si tupai penyanyi itu jadi running joke yang muncul bikin Peter heran setiap kali dia menggalau. “Kok elu bisa tahu isi hati gue?” kurang lebih begitu pertanyaan si Peter kepada Tupai hahaha

Sebagai cerita yang memang berasal dari materi untuk anak-anak, film ini perlu untuk menjadi total menghibur. Ini lompatan nekat pertama yang dilakukan oleh film. Peter Rabbit dan teman-teman yang di buku aslinya adalah dongeng sederhana untuk dibacakan sebagai cerita pengantar tidur, kini dibuat total konyol, enggak banyak beda ama film kartun ala Looney Tunes. Dan supaya stay true dengan tema aware kepada true self, film memperlakukan komedi tersebut dengan cara meta. Yang artinya, para karakter dalam film ini dibuat mengenali perbuatan mereka yang disejajarkan dengan mengenali hal di dunia nyata kita, para penonton mereka. Semacam breaking the fourth wall cara-halus. Peter di film ini menyebut tindakan mereka sudah semakin mirip adegan kartun, misalnya. Atau ketika ada karakter yang menyebut betapa menjengkelkannya suara Peter terdengar. This rings so true karena suara James Corden yang mengisinya memang benar-benar annoying. Film membuat karakternya sendiri mengacknowledge ini dengan beberapa kali mempraktekkan dan mempertanyakan suaranya.

Kemetaan tersebut tidak hanya dilakukan sebagai selingan komedi. Namun juga actually dijadikan bagian dari plot. Ini kita lihat pada porsi Bea. Dia disuruh menulis cerita yang lebih fantastis. Kelinci-kelinci pada ceritanya disuruh supaya enggak hanya berkutat di perkebunan di rumah saja. Melainkan harus bertualang di kota, di pantai, bahkan kalo perlu hingga ke angkasa. Kelinci-kelinci tersebut disuruh melakukan berbagai aksi, seperti kebut-kebutan ataupun berkeliling dunia menyelamatkan teman-teman mereka. Film sudah menyiapkan punchline untuk plot poin tersebut dengan membuat ‘Peter dan kawan-kawan yang sebenarnya’ benar-benar melakukan hal yang jadi materi untuk buku karangan Bea. Peter akan benar-benar ngebut-ngebutan untuk menyelamatkan teman-temannya yang tersebar ke berbagai penjuru

Untung aja gak beneran sampai ke angkasa raya

Untuk mendaratkan cerita (dan semuanya) supaya enggak benar-benar sampai ke luar angkasa, film mengikat permasalahan Peter berakar pada masalah keluarga. Dalam hal ini, permasalahan seputar relationship seorang anak kepada ayah. Dan juga sebaliknya; permasalahan bagaimana menjadi ayah kepada seseorang yang dianggap sebagai anak. Peter yang tampak bandel bagi Thomas, dan masalah Peter yang langsung marah dikatain bandel despite usahanya untuk jadi lebih baik — ini adalah masalah ayah dan anak, written all over it! Mereka berdua hanya harus menyadari itu, sehingga Peter sebenarnya tidak perlu lagi mencari father figure ke tempat lain. Dan inilah sebabnya kenapa karakter Thomas McGregor – yang di film pertama merupakan semacam antagonis utama – kali ini lebih mencuri perhatian ketimbang Bea, atau Peter sekalipun. Thomas memang masih kebagian porsi konyol juga (dia lari ngejar mobil itu ‘kartun’ banget dan favoritku adalah pas adegan menangisi rusa – comedic timing Domhnall Gleeson dapet banget!) tapi fungsi karakternya kali ini terutama adalah sebagai sarana penyadaran untuk Bea dan Peter. Dia menunjukkan cinta yang kuat. Meskipun masih sering bertengkar dengan Peter, tapi semua itu ada alasannya. Adegan Thomas ngobrol dengan Peter di menjelang babak tiga akan jadi hati untuk film ini.

Masalah Peter memang berakar dari absennya seorang ayah di dalam hidup. Peter jadi percaya dirinya berbeda, seorang ‘bad seed’. Tapi meskipun memang benar, Peter bandel, dan ayahnya seorang pencuri seperti yang diceritakan si Kelinci Tua, tidak berarti Peter harus tumbuh menjadi bener-bener bad. Karena kualitas seseorang tidak ditentukan dari bibitnya.

Wait, Thomas ngobrol dengan Peter??

Ya, sayangnya ini adalah hal yang aku merasa perlu untuk disebutkan sebagai spoiler, karena ini adalah satu lagi lompatan maut yang dilakukan oleh film. Untuk menjadi sebandel Peter, film merasa perlu untuk melanggar aturan buku Peter Rabbit, yakni hewan-hewan lucu itu tidak bicara kepada manusia. Film pertama menghandle aturan ini dengan lebih baik, mereka mencari celah supaya komunikasi bisa tetap terjadi. Namun, film kedua ini, mereka langsung saja seperti sebuah cara gampang untuk mengomunikasikan feeling antara Peter dan Thomas. Ya, secara konsep memang masuk, tapi tidak berarti tampak bagus dari kacamata penulisan skenario. Atau bahkan dari kacamata para fans hardcore, yang bisa aku bayangkan pada surprised. Karena kekhasan Peter Rabbit sendiri jadi ilang. Yang jelas, dari penulisan, aku memang berharap momen ‘wejangan’ seperti ini tidak digampangkan atau tidak dibikin ada begitu saja. There should be more clever and sweet ways untuk membuat hewan dan manusia membicarakan perasaan mereka dan memecahkan masalah bersama.

Film memang lantas jadi full over-the-top. Benar-benar melanggar bukunya, dengan adegan yang dipersembahkan sebagai meta itu tadi. Dengan pesan yang gak jelas lagi apa sasarannya. Peter Rabbit memang menjadi franchise sukses di dunia nyata, sementara di film ini kita melihat karakter Bea (yang merupakan nama asli penulis Peter Rabbit) enggak suka Peter Rabbit menyimpang dan jadi semata produk jualan. Tapi film di akhir memperlihatkan Peter Rabbit dan Bea benar-benar bertualang, melakukan hal menyimpang yang ia tolak sebagai buku berikutnya. Sehingga becandaan metanya ini jadi kabur, apa tujuannya. Kenapa film malah melakukan hal yang semestinya adalah ‘salah’ menurut kompas ceritanya. Dan ini membuat film jadi pretentious.

Orang Jawa bilang lihatlah sesuatu dari bibit, bobot, dan bebetnya. Well, untuk bobot, film ini punya muatan yang berharga sebagai tontonan keluarga. Yang membuatnya bisa konek dengan anak-anak, maupun orang tua. Untuk kriteria bebet, film ini punya konsep yang lebih unik dibandingkan film pertamanya. Tampil lebih berani, melompati banyak resiko untuk menjadi berbeda; menjadi lebih besar daripada bibitnya. Hal ini dapat jadi hal yang positif, jika menjadi berbeda dan lebih besar itu mengarah kepada kepastian menjadi better. Sayangnya film ini malah terlihat seperti menertawai bibitnya sendiri. Mencoba jadi beda tapi tidak berhasil memperjelas poin utama dari konsep yang mereka lakukan.
The Palace of Wisdom gives 5.5 out of 10 gold stars for PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY.

That’s all we have for now.

Ngomong-ngomong soal bibit-bobot-bebet, apakah menurut kalian menilai seseorang dari tiga kriteria tersebut masih relevan di masa sekarang ini?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

LUCA Review

22 Tuesday Jun 2021

Posted by arya in Movies

≈ 9 Comments

Tags

2021, adventure, animation, comedy, drama, family, friendship, funny, life, pixar, review, spoiler, thought

“You will be free the moment you stop worrying about what other people think of you”

Ah, libur memang menyenangkan. Meskipun di Indonesia gak ada yang namanya liburan musim panas, tapi toh anak-anak sekolah di sini juga merasakan libur panjang di pertengahan tahun sebagai jeda tahun ajaran. Anak-anak punya waktu seharian penuh selama berminggu-minggu yang cerah untuk bermain-main. Bertualang. Mengeksplorasi imajinasi mereka. Mencoba hal-hal baru. Bagi sebagian besar dari kita, kenangan ceria berkegiatan saat libur sekolah mungkin sudah jadi ingatan yang samar. Namun justru untuk itulah film terbaru Pixar, Luca, hadir kepada kita. Untuk mengingatkan bagaimana rasanya mengarungi dunia yang punya banyak kesempatan bagi anak-anak yang berani mencarinya.

Bagaimana dengan anak-anak yang enggak berani?

Luca yang merupakan debut penyutradaraan animasi-panjang dari Enrico Casarosa akan certainly berefek lebih kuat. Karena cerita film ini memang sebenarnya dikhususkan untuk anak-anak yang belum berani, yang masih pemalu, yang merasa hidupnya harus terus dikawal ketat oleh orangtua.

See, Luca yang jadi tokoh utama dalam film ini adalah seorang anak monster-laut. Dia hidup di bawah air di sebuah kepulauan Italia bersama kedua orangtua yang terus mengingatkannya akan bahaya di permukaan sana. “Hati-hati sama perahu monster-darat, mereka memburu kita” Begitulah kurang lebih peringatan yang diberikan ibu kepada Luca saat menggembala ikan-ikan di laut. Tetapi Luca justru tertarik sama benda-benda manusia yang jatuh ke laut. Luca ingin ke atas sana, tapi dia takut. Alberto-lah yang membuat Luca jadi cukup berani untuk diam-diam naik ke daratan. Alberto-lah yang membuat Luca surprise, karena ternyata monster-laut seperti mereka bisa berubah menjadi manusia ketika berada di darat. Dan sekarang, a whole new world opens bagi Luca yang penasaran tapi pemalu itu. Dunia dengan ikan-ikan terang di angkasa pada malam hari. Dunia dengan mesin bernama Vespa yang bisa membawa ke mana saja mereka mau. Dunia dengan teman-teman baru. Ya, berhati-hati supaya tidak kena air yang dapat membocorkan wujud asli mereka, Luca dan Alberto pergi ke kota manusia. Bersama dengan seorang anak manusia, mereka ikutan lomba supaya bisa dapat duit membeli vespa untuk menjelajahi dunia.

Literally, monster-fish out of water story

Right off the bat, film udah ngajarin anak-anak untuk tidak takut. Satu-satunya penghalang Luca main ke atas permukaan air, ya cuma wanti-wanti ibunya yang terlalu cemas. Tidak ada tembok tinggi, tidak ada pintu terkunci, tidak ada pagar berduri. Tidak ada tabir apa-apa yang menghalangi Luca untuk ke mana-mana. Ariel si Little Mermaid aja harus menjual suaranya kepada Ursula supaya bisa punya kaki dan mengejar cintanya ke daratan. Luca hanya perlu memberanikan diri. Dan ini hanyalah satu dari sekian banyak pelajaran berharga yang bisa dipetik oleh penonton cilik yang menyaksikan film ini.

Luca yang menyembunyikan wujud asli pada akhirnya akan memberi pelajaran kepada anak-anak untuk berani dan bangga jadi diri sendiri, tidak peduli pada kata orang lain karena begitulah hidup; Akan ada orang yang menyukai dan menerima kita, tapi juga akan selalu ada orang yang tidak menyukai kita, dan tidak ada yang bisa kita lakukan terhadap itu selain menjadi yang terbaik bagi diri kita sendiri. In turn, ini tentu saja juga mengajarkan untuk menerima perbedaan orang lain. Sementara orang dewasa juga bisa mengutip pelajaran soal memberikan kebebasan untuk berkembang bagi sesuatu yang kita cintai.

Tadinya memang kupikir film ini tuh seperti kartun klasik Disney tersebut, hanya saja dengan cerita yang lebih ringan, nyaris tak ada stake; Lebih anak-anaklah dengan wondrous adventure yang seperti tak bertujuan. Then it strikes me. Dengan segala kemagisan visual dan kesederhanaan ceritanya, Luca ini lebih mirip kayak Ponyo, animasi fantasi dari Studio Ghibli yang juga tentang makhluk air yang bisa menjadi manusia dan penasaran sama kehidupan di darat. Kemudian seiring durasi berjalan, lebih banyak lagi referensi atau kemiripan elemen-elemen Luca dengan film-film buatan Studio Ghibli. Kota yang mereka datangi, Portorosso, hanya beda satu huruf (dan satu spasi) dengan film Porco Rosso, pakaian baju belang merah-putih dan celana panjang biru yang dikenakan teman manusia Luca (si Giulia) mirip sama pakaian teman Kiki di Kiki’s Delivery Service. Bahkan flow cerita film Luca ini mirip dengan cerita anak-anak khas Jepang pada beberapa film Ghibli. Pixar kan biasanya cenderung untuk membangun dunia dan konsep-konsep world-building. Tapi kali ini lebih sederhana. Alih-alih membuat kita menyelam ke dalam dunia monster laut, monster-monster laut itulah yang tercengang-cengang belajar kehidupan manusia. Selain aturan gak boleh basah, dan keinginan punya vespa yang muncul di menjelang pertengahan, film Luca ini berjalan tanpa ada misi ataupun rule yang membentuk cerita. Karakter-karakter kita hanya mengisi hari. Membangun vespa dari perkakas bekas. Mencoba berbagai aktivitas yang tidak bisa dilakukan di air. Kita ‘cuma’ melihat persahabatan mereka tumbuh sepanjang musim panas itu.

Cerita antara dua anak laki-laki (younger and older boy) yang menjadi semakin erat, bersama-sama di sepanjang hari itu memang membuat Luca juga jadi punya vibe yang sama dengan film Call Me by Your Name (2017). Malah sudah ada tuh di Internet yang mlesetin film ini sebagai ‘Calamary by Your Name’. Persahabatan Luca dan Alberto memang terjalin begitu erat, ada cinta yang kuat di sana, tapi aku pikir ini tidak serta merta mengarah ke hubungan romansa. Bahkan Luca dengan Giulia yang bikin Alberto kayak jealous juga enggak benar-benar strike me as a romantic relationship. ‘Cemburunya’ Alberto lebih seperti manifestasi dari abandonment issue yang diidapnya. Alberto ini sebatang kara, tapi tidak pernah ditetapkan dengan gamblang apakah dia ditinggalkan ayahnya dengan sengaja atau gimana. Tapi yang jelas, Alberto sebenarnya memang selalu menunggu ayahnya kembali. Luca -satu-satunya sahabatnya – pergi belajar dengan Giulia jelas adalah trigger bagi Alberto. Itulah sebabnya kenapa adegan di pantai yang melibatkan mereka bertiga terasa sangat sedih dan menohok buatnya karena itu kejadian ditinggalin yang sangat traumatis bagi Alberto. Tapi tentu saja, selain itu, pesan film ini untuk tidak takut ataupun tidak malu menunjukkan diri sendiri, jelas juga adalah pesan yang sangat menguatkan untuk penonton LGBT.

Bagi Luca sendiri pun, both Alberto dan Giulia adalah sahabat yang penting. Mantra “Silenzio, Bruno” yang diajarkan Alberto terbukti jadi sokongan yang kuat untuk mengenyahkan kekhawatiran dan kecemasan Luca. Dan pengetahuan yang diajarkan Giulia membuat Luca sadar terhadap apa yang sebenarnya ia cari ketika pengen Vespa untuk menjelajah dunia. Jadi sekarang tinggal Luca yang harus belajar jadi confident – menjadi diri sendiri – berdamai dengan larangan orangtuanya untuk mengejar hal tersebut.

Call Me by Your Ghibli Name

Cerita dan motivasi Luca memang menjadi semakin terarah nanti saat Giulia bergabung ke cerita. Mereka akan latihan bersama. Menghadapi pembully bersama. Kita akan jadi bisa lebih peduli sama Luca dan Alberto. Tapinya juga, memang, bagian-bagian awal film ini terasa kurang ngena. Penonton yang pengen berpegang pada motivasi akan susah mencari pegangan pada karakter Luca. Mungkin keinginan Luca untuk ke permukaan bisa lebih dicuatkan lagi dengan memperlihatkan kenapa sih Luca gak betah di dalam air. You know, Ariel aja punya satu lagu yang memperlihatkan kehidupan di bawah laut yang ingin ia tinggalkan — But then again, itu karena Kerajaan Ariel bukan tempat yang buruk. Jadi adegan itu akan membuat kontras yang menarik kenapa orang mau meninggalkan tempat/statusnya yang sudah tinggi. Dengan begitu, pada Luca yang monster-laut biasa ini, harusnya keadaan di bawah laut itu lebih suram sehingga dia jadi pengen ke atas. Tapi tentu saja itu bakal ngerusak tone cerita, sehingga film ini mencukupkan dengan menghadirkan karakter paman Luca (ikan Borat!) yang aneh dan mau membawanya ke laut terdalam yang kosong. Jadi, masalah dunia Luca yang kurang dikembangkan masih bisa aku maklumi tidak dilakukan film dengan lebih kontras lagi.

Meskipun begitu, aku punya dua hal lagi untuk direwelin perihal film ini. Pertama, antagonis cerita. Si pembully yang jago naik vespa, juara bertahan dalam lomba. Karakter ini terlalu dangkal. Dia sekadar jahat, gak pakek tapi. Padahal mestinya ada depth yang bisa digali dari karakter yang umurnya jauh lebih tua daripada Luca dan anak-anak lain yang jadi lawannya dalam lomba. Film sebenarnya bisa saja mengaitkan identitasnya tersebut dengan bagaimana Luca dan Alberto menyembunyikan wujud monster mereka. Kedua, adalah soal salah satu running-joke dalam cerita. Ayah dan Ibu Luca actually ikut ke kota, dan demi mencari Luca mereka menyiram atau menjatuhkan semua anak yang mereka lihat ke air. Ini lucu, no doubt. Aku ngakak selalu. Tapi kalo dipikir-pikir aneh juga, tidakkah itu akan membahayakan? I mean, di titik itu perspektif ayah dan ibu Luca adalah bahwa penduduk kota masih beringas memburu monster laut. Kalolah salah satu anak yang kesiram itu beneran Luca, anak itu akan terekspos di tengah kota, bukankah itu – dari perspektif mereka – akan membahayakan anak mereka sendiri? Jadi ada yang gak klop dari penulisan komedi itu menurutku.

Jadi, bagaimana kesimpulanku mengenai film ini secara keseluruhan? Visual yang cantik, suara yang luar biasa, budget dan star power yang dimiliki Pixar digabung dengan kesederhanaan cerita ala Ghibli — Aku akan nonton kapanpun di mana pun. I hope dua studio animasi ini beneran kolab di kemudian hari. Tapi sekarang, kita punya film ini, dan menurutku ini lebih dari sekadar ‘teaser’. Aku suka. Ini tipe film yang bakal langsung kurekomendasikan ke adik-adikku di rumah. Film ini baik sekali untuk ditonton anak-anak. Punya pesan yang kuat, dan gampang dicerna. Walaupun memang penulisannya bermain di tempat yang sedikit terlalu dangkal. Ada beberapa hal yang mestinya bisa lebih diperdalam, tanpa memberatkan tone secara drastis.
The Palace of Wisdom gives 6.5 out of 10 gold stars for LUCA.

That’s all we have for now.

Berturut-turut kita nonton film dengan karakter yang ditinggal oleh orangtua. Ali di Ali & Ratu Ratu Queens (2021) dan Alberto di film ini. Juga di film ini, kita melihat Luca meninggalkan keluarga dan sahabat yang ia sayangi. Alberto sempat khawatir akan ditinggalkan Luca, tapi di akhir dia menerima. Menurut kalian, apa ada perbedaan antara tindakan Luca dengan abandonment yang dirasakan Alberto terhadap ayahnya?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

ALI & RATU RATU QUEENS Review

19 Saturday Jun 2021

Posted by arya in Movies

≈ 35 Comments

Tags

2021, comedy, drama, family, friendship, funny, life, love, mother, netflix, relationship, review, spoiler, thought

“Our life is a one-way journey”

Enggak setiap hari kita diajak jalan-jalan ke kota New York oleh film Indonesia. Tujuan destinasi film kita biasanya memang lokasi-lokasi dengan pemandangan eksotis. Bukannya New York tak indah, hanya saja untuk sebagian besar kota tersebut kurang lebih sama dengan kota-kota besar padat yang sibuk dan megah oleh gedung-gedung menjulang. Pemandangan unik yang dilihat Ali dalam film original Netflix Ali & Ratu Ratu Queens ‘cuma’ jalan-jalan satu arah yang ada hampir di setiap persimpangan distrik Queens. Namun bagi Ali, maupun bagi film ini sendiri, pemandangan bukan menjadi persoalan. Karena cerita ini adalah tentang perasaan. Ali bakal menyadari sesuatu tentang kehidupan dari jalan-satu arah yang ia lihat. Ali bakal belajar tentang hubungan keluarga yang sebenarnya. Ali & Ratu Ratu Queens berhasil menguarkan kehangatan pada kota yang bahkan di film-film dan serial televisi luar kerap digambarkan sebagai kota keras yang tidak ramah.

Oase di hutan gedung

Cerita film ini seperti sebuah unofficial sekuel dari Dua Garis Biru (2019), yang juga ditulis oleh Gina S. Noer. Enggak exactly berhubungan, tapi tak-urung terasa seperti kelanjutan. Dalam akhir Dua Garis Biru, si ibu-remaja memutuskan untuk terbang ke Korea mengejar mimpi dan menyambung pendidikannya, meninggalkan putranya untuk sementara bersama ayah-remaja di Indonesia. Ali & Ratu Ratu Queens, ceritanya dimulai dengan permasalahan yang mirip. Bedanya, pasangannya bukan remaja, perginya bukan ke Korea. Ali sudah berumur lima-tahun ketika ibunya pamit sebentar ke Amerika. Apa yang tadinya mestinya hanya enam bulan, berlanjut hingga bertahun-tahun. Ali hilang kontak dengan sang ibu. Sepeninggal ayah, Ali yang kini telah lulus sekolah menemukan bukti bahwa Ibu ternyata bukanlah seperti yang dikatakan oleh Om, Tante, dan saudara-saudaranya di Indonesia. Percaya setulus hati bahwa Ibu masih cinta dan menunggunya, Ali memutuskan untuk berangkat ke Amerika. Menjemput ibunya.

When entering this movie, I was thinking about a completely different movie. Materi-materi promosi yang kulihat berseliweran di sosmed/Internet telah sukses menggiringku ke arah yang salah perkara ‘mencari ibu’ yang dilakukan oleh Ali. Tadinya kupikir ini adalah tentang anak yang melakukan road trip ke Amerika, menemukan ibu yang tidak ia tahu pasti keberadaan, atau malah mungkin ‘siapa’ ibunya tersebut. Ternyata Ali & Ratu Ratu Queens enggak really about mencari. Ali dalam cerita ini tahu dan ingat siapa perempuan yang dia sebut ibu, Ali tahu tempat di mana dia harus mencari; dia punya alamat lama dan everything. Perjalanan Ali di sini bakal tampak sebagai sebuah kemudahan, apalagi Ali kemudian ditampung tinggal bersama geng ibu-ibu imigran dari Indonesia yang lagi nyari duit untuk buka bisnis kuliner di sana. Tapi sekali lagi, film ini bukan soal ‘mencari keberadaan’, melainkan soal memaknai keberadaan itu sendiri. Setelah plot poin di akhir babak pertama yang mengejutkan, fokus yang kemudian mengisi cerita adalah mengenai hubungan Ali dengan para ibu-ibu yang menyebut diri mereka Queens-nya kota Queens yang perlahan ikut tumbuh seiring dengan usaha Ali merajut kembali hubungan yang terputus dengan ibunya.

Jika ada yang Ali cari, maka itu adalah mencari makna keluarga. Dan life, in general. Karena film ini lewat perjalanan Ali juga punya muatan soal dalam hidup manusia punya tujuan, yang jalan menempuh tujuan tersebut bakal penuh pengorbanan, dan betapa berat perjuangannya untuk tidak stray away dari jalan tersebut. Jalan-satu-arah di kota Queens tersebut benar-benar tepat melambangkan jalan hidup yang kita lalui. Satu arah. Tidak ada kata mundur kembali dalam perjalanan mengejar mimpi.

Dalam prosesnya menceritakan jalan satu-arah, film ini mendobrak pandangan di sana-sini. Pertama, pandangan tradisional orang-kita yang berakar pada agama dan (sedikit terlalu banyak) patriarki terhadap gaya hidup Amerika dan kebebasan perempuan mengejar karir menentukan sendiri hidupnya. Ini dicerminkan oleh film lewat sikap menentang yang ditunjukkan oleh keluarga besar Ali di Indonesia. Mia, ibunda Ali yang sudah lama mia (alias ‘missing in action’ dalam urusan ibu rumahtangga) mereka anggap berdosa besar, dan itulah sebabnya Ali berusaha mereka jauhkan darinya. Karakter Ali di sini berfungsi sebagai perwakilan kita untuk mau/open melihat lebih dekat sebelum ngejudge. Ali langsung terjun ke Amerika. Merasakan sendiri perbedaan yang dianggap negatif ternyata reasonable secara manusiawi. Dan meskipun hal menjadi berat dan pedih bagi dirinya, Ali jadi mengerti kenapa ibunya melakukan yang ia lakukan tersebut. In turn, Ali paham dia juga harus menapaki jalannya sendiri karena dia adalah anak muda yang haruslah siap menghadapi dunia.

Kedua, pandangan stereotipe kota New York pada film dan serial televisi. Yang sering dieksplor dari Kota New York dalam media adalah kekerasannya. Dari The Simpsons hingga New Girl hingga ke film-film kriminal, New York lebih sering diperlihatkan sebagai daerah berbahaya, dengan penduduk yang cuek. Brookyn, Bronx, Staten Island; kota-kota “ghetto” aja yang terus dibahas. Film Ali & Ratu Ratu Queens ini tentunya asing bagi penonton Netflix di luar sana. Dan bagi orang Amerika, film ini bisa jadi pembuka mata. Karena bagi para pendatang atau imigran asing tersebut, Queens – kota di New York yang mereka bentuk sendiri sebagai tempat-keras – justru jadi tempat berlindung yang ramah. Ali dan para ibu-ibu tidak pernah diperlihatkan mendapat ancaman atau diskriminasi. Bahkan ada adegan ketika Ali mendapat simpati dan bantuan dari penduduk lokal. Bagi Ali, mungkin ibunya jauh lebih ‘kejam’ dibandingkan Queens. Bagi Ali dan ibunya dan ibu-ibu Queens, kota itu dengan jalan satu-arahnya adalah peluang untuk mewujudkan mimpi dan passion.

Sepertinya benar juga kalo judul film ini adalah wordplay Alien the Queens. Imigran di Queens.

Jadi, natural (dan perlu banget) bagi film ini untuk menguatkan interaksi dan hubungan antara Ali, baik dengan ibu kandungnya, maupun dengan ibu-ibu yang nama gengnya disandingkan dengan namanya sendiri sebagai judul film. Marissa Anita sebagai ibu Ali mencuat di sini berkat tuntutan akting yang mengharuskannya bergulat dengan emosi. Baginya ini adalah menjadi ibu yang bertanggungjawab kepada keluarga sekaligus menjadi seorang perempuan yang bertanggungjawab terhadap dirinya sebagai manusia. Marissa nails this, khususnya pada dialog supermenyentuh ketika dia harus benar-benar ‘mengakui kesalahannya’ kepada Ali di menjelang akhir film. Suara tercekat yang emosional terdengar sangat genuine, seperti ia benar-benar terluka dan menyesal saat mengucapkannya. Momen-momen heartfelt memang datang dari interaksi Mia dan Ali, berkat how good dan pahamnya Marissa terhadap psikologis perannya.

Ali, on the other hand, tampak agak on dan off. Kita mengerti arc Ali, we’ve come to understand apa yang harus dimengerti oleh Ali. Namun Iqbaal Ramadhan tidak terasa begitu konsisten dalam menyampaikan apa yang seharusnya dirasakan oleh karakternya. Karakter Ali punya tuntutan range yang lumayan, kadang dia berupa seperti anak kecil yang belum mengerti dan masih harus banyak dididik oleh ibu-ibunya. Kadang dia harus bermain-main dengan mereka. Kadang dia harus confront emosi terdalamnya. Iqbaal tampak perlu full-guidance to get through all of this, one by one. Sayangnya, skrip film ini bukanlah skrip yang benar-benar seimbang. Babak pertama dan pada sebagian besar babak keduanya, difungsikan untuk membangun hubungan antara Ali dengan para ratu. Namun tidak banyak yang diberikan kepada Ali di sini. Dia tidak selalu ada di driver-seat. Keputusan-keputusan besar diserahkan kepada para ratu. Malah, Ali tinggal bareng mereka saja, bukan Ali yang memutuskan. Instead, Ali dapat bagian untuk memutuskan hal-hal seperti melarang para ratu pergi melabrak ibunya. Film ini seperti memberikan tone yang membingungkan bagi Iqbaal to play with. Karena para ratu itu – walaupun ingin dibagi adil porsinya dengan Ali – tapi tetap sebagian besar difungsikan sebagai penghibur suasana.

Para ratu tidak banyak diberikan ruang untuk pengembangan karakter. Mereka, katakanlah, sudah tercetak langsung jadi. Tika Panggabean sebagai ibu galak dengan anak gadis yang cantik, Happy Salma sebagai oddball, Nirina Zubir sebagai penengah, dan Asri Welas sebagai peran dirinya yang biasa. Sedikit kekhasan masing-masing tidak pernah benar-benar dijadikan sebagai sesuatu bahasan yang relevan untuk cerita. Hubungan Ali dengan mereka pun sebagian besar dilakukan lewat montase. Aku tidak merasa ada persahabatan yang benar-benar tumbuh di luar hubungan seperti antara anak muda dengan guardiannya. Sehingga pula, interaksi dengan mereka di dua babak awal malah jadi tampak sebagai distraksi buat permainan emosi yang harus dilakukan Iqbaal.

Sutradara Lucky Kuswandi pun sepertinya memang lebih lihai dalam adegan relationship yang lebih ‘intim’ antara dua karakter ketimbang antara banyak-karakter. Pada bagian akhir ketika cerita memfokuskan kepada hubungan Ali dengan karakter yang diperankan Aurora Ribero, film terasa lebih stabil. Ini juga adalah waktu ketika Ali yang berusaha memperbaiki banyak hal mulai berada dalam full-komando. Akting Iqbaal pun jadi lebih konsisten di sini. Aku sih pengennya film bisa sekonsisten ini dari awal hingga akhir. Tapi kalo memang filmnya sudah merasa cukup dengan memuaskan penonton lewat bagian akhir saja, well, this is just one-way to do it.

True, film ini adalah salah satu ‘good movie’ yang berhasil diproduksi oleh perfilman tanah air di tahun-tahun yang mencekik ini. Feel good dan sangat menghangatkan. Membawa kita jalan-jalan dan membawa oleh-oleh yang berbobot untuk dibawa pulang ke hati masing-masing. Film ini juga punya suara dan berani untuk mengoarkannya. Tapi, aku pikir ini bisa mencapai lebih banyak lagi. Karakter utamanya, Ali, bisa lebih diperkuat lagi. Para Queen-nya bisa lebih didalemi lagi. Tone quirky dengan dramatisnya bisa dibuat lebih ngeblend lagi. Jika itu semua tercapai, aku yakin film ini gak butuh untuk bersandar pada lagu-lagu populer. Really, bahkan di film ini yang sekarang pun, lagu-lagu tersebut terasa over. At this point, mereka itu ada terasa seperti film ini lagi flexing budget yang dipunya aja kepada kita.
The Palace of Wisdom gives 6 out of 10 gold stars for ALI & RATU RATU QUEENS.

That’s all we have for now.

Karakter Ratu mana yang jadi favorit kalian? Kenapa?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

INFINITE Review

15 Tuesday Jun 2021

Posted by arya in Movies

≈ 13 Comments

Tags

2021, action, adaptation, drama, friendship, funny, life, novel, review, sci-fi, spoiler, thought, thriller

“Life is about reinventing yourself”

Apakah ada hal di dunia ini yang bisa kalian kerjakan, tanpa kalian yakin kenapa kalian bisa melakukannya? Misalnya seperti kalian ternyata bisa mencetak gol walaupun selama ini kalian belum pernah memegang bola. Atau kalian bisa langsung jago ngendarai sepeda walaupun baru satu kali latihan. Well, film Infinite buatan Antoine Fuqua bilang itu bukan karena bakat. Melainkan karena itu adalah keahlian yang kita bawa dari kehidupan sebelumnya. Infinite memang bicara tentang reinkarnasi. Konsep dasar yang jadi tulang punggung ceritanya adalah bahwa di dunia ini ada sekelompok orang yang terus-menerus lahir-kembali ke dunia, dan mereka membawa bukan hanya kemampuan yang telah dipelajar di sepanjang garis kehidupan mereka, melainkan juga beban atas hidup yang basically tak-terputus.

Konsep yang sebenarnya menarik banget untuk dijadikan cerita action sci-fi yang manusiawi. Namun sayangnya, film ini sendiri ternyata tak lebih dari sekadar reinkarnasi puluhan film-film action sci-fi; tanpa punya kemampuan spesialnya tersendiri.

Aku gak tahu apakah novel source-materi film ini memang bahasannya simpel, tapi yang jelas – yang kita lihat di film ini – memang Fuqua sepertinya lebih tertarik mendesain action pieces ketimbang berkutat dengan persoalan reinkarnasi dan permasalahan manusiawi yang dibawa olehnya. Ketika kita bertemu dengan Mark Wahlberg yang jadi Evan si tokoh utama, film seperti telah mencukupkan dirinya dengan narasi voice-over berisi eksposisi (bahwa di dunia cerita ini ada dua golongan orang yang bereinkarnasi; golongan jahat yang mencoba mengakhiri dunia supaya reinkarnasi juga berakhir, dan golongan baik yang mencoba menyetop golongan jahat) Yang dijanjikan film ini kepada kita lewat adegan pembukanya adalah aksi-aksi laga yang mustahil tapi fun.

Kapan lagi ngeliat Marky Mark nusuk pesawat pake pedang, kan?

Sisi baiknya memang adalah bahwa film ini enggak inkar janji. Penonton yang suka dengan sekuen-sekuen aksi heboh – yang nyerempet garis antara impossible dan dumb – bakal terhibur habis-habisan dengan yang ditawarkan Fuqua pada film ini. Evan ternyata adalah reinkarnasi dari seorang jagoan yang punya kepandaian cukup banyak, salah satunya adalah keahlian membuat pedang. Malahan di kehidupan terakhir sebelum Evan, si jagoan sedang dalam tahap mengembangkan kekuatan super ala superhero. Jadi, film ini punya begitu banyak taman bermain, mulai dari kejar-kejaran mobil, tembak-tembakan, bertempur pake pedang – either di atas jembatan atau di dalam pesawat yang berputar-putar, and I haven’t reach the punchline yet; melawan musuh berpistol ajaib! Aku langsung teringat sama adegan Cloud berantem lawan tiga clone Sephiroth di Final Fantasy VII Advent Children. Karena memang aksi di Infinite ini seru seperti itu.

Tapi begitu mengingat cerita yang dikesampingkan oleh sekuen-sekuen aksi tersebut, ya rasanya nonton film ini jadi kecewa juga. Evan selama ini tumbuh dewasa dengan mengira dirinya schizophrenia. Dia melihat mimpi-mimpi dan halusinasi tentang kejadian dan orang-orang yang tak ia kenal. Dia discover dirinya bisa melakukan hal-hal yang tak pernah ia pelajari. Film ini menyederhanakan konflik pelik itu dengan jawaban bahwa semua itu adalah memori dari kehidupan terdahulunya. Sehingga Evan yang sekarang ini hanyalah empty shell tempat si karakter jagoan bersemayam. Kepribadian atau karakter yang ia punya sebelum dia sadar dirinya adalah Treadway si jagoan, seperti menyatu begitu saja dengan kepribadian Treadway yang kita lihat di beberapa flashback; kalo gak mau dibilang kepribadian Evan itu menghilang. Film tidak menyelami persoalan kepribadian dan reinkarnasi lebih lanjut.

Walaupun mengambil referensi kepada ajaran agama, tapi konsep reinkarnasi yang ada di sini dibikin simpel-simpel aja. Evan, maupun rekan-rekannya yang berjiwa imortal, tak pernah terlahir kembali sebagai tubuh yang bukan mereka. I mean, Treadway tidak pernah terlahir jadi cewek, atau temen cewek Treadway tidak pernah terlahir sebagai cowok sehingga dia dan pasangannya selalu jadi couple hetero. Melihatnya dari sini saja sudah cukup kelihatan betapa boringnya cerita film ini. Penggaliannya yang mentok variasi itu pun sebenarnya masih bisa jadi cerita menarik kalo karakter-karakter itu benar-benar digali. Tapi ternyata juga tidak. Film menghabiskan waktunya dalam menyadarkan ingatan Treadway yang bersemayam sebagai Evan alih-alih menjalin hubungan antara karakter-karakter yang terus berjuang bersama tersebut.

Melihat karakter yang berusaha menyadari apa yang bisa jago dia lakukan (not really berusaha malah, melainkan lewat alat canggih) tentu saja terasa hampa dibandingkan jika melihat karakter yang berjuang memperbaiki kesalahannya di masa lalu. Dan memang begitulah semestinya makna dari reinkarnasi. Hidup berkali-kali, berarti mati berkali-kali. Berarti karakter kita sudah melakukan banyak kesalahan berkali-kali. Mengalami kehidupan seperti itu harusnya jadi pembelajaran. Namun tidak ada hal tersebut kita lihat terjadi pada karakter-karakter film ini, yang terus saja dibuat mengalami nasib yang itu-itu melulu

Antagonis di cerita ini, misalnya, adalah mantan teman seperjuangan Treadway. Pandangannya terhadap kehidupan terus-menerus mereka menjadi berbeda karena somehow si antagonis tidak pernah mengalami fase ‘lupa’ saat dia terlahir. Dia langsung ingat akan semua masalah. Dan ini membuatnya sama manusia, dan sama kehidupan. Jika film ini menggali dan membawa kita menyelam bersama karakter ini – melihat bagaimana dia dan Treadway dan rekan-rekan lain feel tentang reinkarnasi untuk pertama kali, maka hubungan mereka akan lebih genuine. Tapi film malah tetap sibuk berkutat pada hal-hal gak make sense, supaya ceritanya tetap simpel. Alih-alih membahas kenapa si antagonis kemampuan reinkarnasinya berbeda, film malah memperlihatkan hal lain yang malah membuatnya jadi penjahat komikal. Kaya, punya banyak pasukan, dan segala macam. Motivasinya yang mestinya mendalam, dalam film ini malah terlihat seperti sesepele mencari ‘telur penghancur’.

infinitemark-wahlberg-infinite-01-700x400-1

He owns an awesome soul capturing weapon tho

Tentu saja aku bukannya mau bilang aku bisa bikin cerita yang lebih bagus atau apa. Menilai film tentu saja tetap melihat dari jadi apa film tersebut pada akhirnya. Dan itulah yang sedang berusaha aku sampaikan. Bahwa dengan menjadikan film ini simpel, dengan tidak mengacknowledge – apalagi membahas – hal-hal rumit dan menarik yang sebenarnya ada menempel pada cerita, maka film ini pada akhirnya hanya menjadi laga sci-fi generik yang gak ada bedanya dengan film-film sejenis. Identitas film ini adalah soal reinkarnasi, tetapi dari yang kita tonton sepanjang seratus menit durasi, film ini terasa sama aja dengan cerita orang yang hidup lama tapi lupa sama kekuatannya. Yang udah lumrah banget. The Old Guard-nya Charlize Theron yang tayang belum lama ini juga mirip-mirip kayak ini; sekelompok orang yang hidup ratusan tahun berjuang di dunia modern. Evan dan kawan-kawan basically immortal seperti karakter Theron di film tersebut. Dan persis di ‘basically‘ itulah film Infinite ini menempatkan dirinya.

Jadi, flaw film ini terutama adalah pada kegagalan menguarkan identitasnya. Cerita Evan ini bahkan mirip ama cerita Cole di Mortal Kombat kemaren. Evan bisa dengan gampang ‘diganti’ sebagai keturunan dari si pembuat pedang di Jepang, atau si Treadway, dan dia harus berlatih menemukan panggilan originnya, melawan kenalan di masa lalu yang terus abadi memburunya. Infinite perlu banget untuk memperkuat soal reinkarnasi yang dia punya. Karena tanpa itu, filmnya jadi gak spesial.

Aksi-aksi sensasional hanyalah bumbu yang juga dipunya oleh film-film sejenis, yang malah memang fokus ke arah sana. I mean, kenapa kita mau nonton kejar-kejaran mobil di sini jika di bioskop sedang tayang film franchise yang namanya udah segede gaban, kan. Gak ada lagi excitement kita saat mengikuti Infinite ini. Apa lagi yang dipunya film ini? Nama-nama gede? Well, bahkan Mark Wahlberg aja di sini tidak tampak antusias. Dialog karakternya datar dan minim excitement. Evan baru saja mengalami halusinasi paling menyirap darah seumur hidupnya, tapi reaksinya cuma, “Wow, that felt real”

Aku bilang, “Wow, this feels like a waste of time!”

Maaan, Juni ini kita dapat film jelek melulu. Film ini terlalu generik bahkan jika tujuannya memang hanya untuk menghibur. Kesempatan menang film ini hanya ada pada sekuen-sekuen aksi, itupun juga lombanya adalah heboh-hebohan aksi. Di baliknya benar-benar tidak ada apa-apa. Karena film telah memilih untuk mengesampingkan identitas, demi membuat dirinya tampil simpel. Tampil tidak berat. Kemungkinan pembahasan film ini sebenarnya bisa cukup dalam, dan katakanlah – endless. Tapi ironisnya, justru film ini membatasi dirinya sendiri. Dan sebagai salt to our wound, bagian akhir film akan memperlihatkan sebuah representasi yang ngasal dan apa adanya hahaha..
The Palace of Wisdom gives 2 out of 10 gold stars for INFINITE.

That’s all we have for now.

Jika bisa memilih, kalian pengen bereinkarnasi menjadi apa?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

PERSEPSI Review

12 Saturday Jun 2021

Posted by arya in Movies

≈ 11 Comments

Tags

2021, drama, friendship, funny, horror, love, mystery, review, spoiler, television, thought

“Change the way you look at things”

Di usiamu yang sekarang, mungkin kalian pernah sesekali ngerenungin soal hal sia-sia yang pernah kalian lakukan sepanjang hidup. Let’s do a quick recap about that! Mungkin… kalian ngerasa sia-sia udah milih jurusan A tapi lantas kerja di bidang B? Atau kalian udah begadang ngerjain tugas dan kemudian lupa ngesave? Nyuci mobil lalu saat berangkat hujan turun? Udah deketin bokap-nyokapnya, tapi sebulan kemudian putus? Well, semua hal tersebut sebenarnya gak sia-sia banget. Semua itu hanyalah persepsi kita. Jika kita melihatnya sebagai hal negatif, yang kita rasakan akan negatif pula. Padahal tentu saja ada hikmahnya kalolah kita memaknai peristiwa dalam hidup lewat sorotan cahaya yang positif. Tapinya lagi, ternyata dalam hidup ini memang ada hal yang totally sia-sia. Yang mau jungkir balik pun persepsi kita, hal tersebut tidak bisa dipandang sebagai sesuatu yang worthy of something. Apakah hal tersebut?

Nonton film Persepsi karya Renaldo Samsara.

Penggemar Arifin Putra siap-siap kecewa karena nongolnya sedikit dan itupun sebagian besar di belakang kamera

Cerita Persepsi ini adalah tentang seorang ilusionis bintang televisi terkenal bernama Rufus Black – yang clearly film favoritnya adalah The Lion King karena catchphrasenya dicomot dari Mufasa’s “Semua yang disentuh cahaya adalah…” – yang menantang empat orang untuk tinggal selama lima hari di rumah mewahnya. Lingga, Michael, Risma, dan Laila (diperankan oleh Irwansyah dan kawan-kawan selebnya) tentu saja mau karena siapa yang sanggup bertahan hingga akhir akan memenangkan rumah tersebut beserta uang satu juta dolar. The catch is, rumah tersebut ternyata bekas TKP pembunuhan sadis yang melibatkan satu keluarga. Belum satu hari, dan kita melihat keempat peserta tersebut mulai diganggu oleh hal-hal ganjil dan kejadian-kejadian flashback berbahasa inggris.

Jadi ini ceritanya semacam acara Penghuni Terakhir, dengan horor ‘beneran’. Dan untuk membuatnya unik, Persepsi ini dijual sebagai horor-thriller pertama di Indonesia yang bercerita pake first-person point-of-view. Untuk sebuah horor-thriller, tentu saja ini adalah konsep yang cocok. Kita dibuat melihat dan merasakan pengalaman seram secara langsung, seolah kita sendirilah yang berada di sana. Makanya kan banyak video game horor yang pake konsep first-person. Nonton film ini memang jadi kayak main Resident Evil Village yang terbaru itu. Tentunya konsep pov ini jadi tambang emas buat jumpscare. Dan tampaknya memang pada konsep beginilah jumpscare paling bisa dimaklumi untuk dilakukan. Tahun 2015 lalu, ada film action-gory berjudul Hardcore Henry yang menggunakan pov orang-pertama seperti ini. Dan film itu pol-polan ngegas bermain di konsep sadis-sadisan tersebut sehingga kita benar-benar seperti sedang bertarung berdarah-darah. Persepsi, sebaliknya, adalah film yang lebih tenang. Tidak banyak aksi, melainkan lebih ke melalui cerita dan gerakan sehari-hari, yang dimainkannya untuk mencapai jumpscare maksimal.

I’m not gonna lie, there are some effective scares here. Karena tidak banyak ruang untuk build up, maka adegan-adegan seram di film ini bisa caught you off guard. Persepsi bermain dengan persepsi karakter untuk menghasilkan kejutan horor, mereka melihat hal yang mungkin tidak benar-benar terjadi, tapi bahaya yang menanti mereka tetap asli. Seperti adegan yang melibatkan makanan di dalam oven; film cukup mulus membuat ‘sulap’ kerja-kamera dan edit pada adegan-adegan yang dihasilkan dari persepsi tersebut.

Konsep first-person ini memang juga diselaraskan dengan tajuk film, yakni tentang persepsi. Tentang bagaimana seorang individu memaknai yang ia pandang. Tapi, film ini push that even further, dengan tidak menempatkan kita pada satu karakter saja. Gak ada karakter utama yang bisa kita dukung pada cerita ini. Film akan sibuk berpindah-pindah dari satu karakter ke karakter lain. Dan ini membingungkan, karena tidak ada ritme atau pola yang jelas dalam berpindahan. Dalam satu hari pada cerita aja, kadang kita berpindah antara dua karakter. Perbedaan persepsi mereka juga gak jelas. Kita tidak pernah bisa langsung tahu melalui siapa kita melihat kejadian sekarang. Butuh untuk melihat siapa yang ada di sekitarnya dulu sebelum bisa ngeh “oh ini dari sudut si anu.” Dan ini ditambah pula dengan keseringan film membawa kita ber-flashback, yang juga first-person, dengan tidak banyak perbedaan treatment visual dengan keadaan di masa kini; Persepsi menjadi cerita yang malesin banget untuk diikuti.

Padahal dialog film ini not that bad. Setidaknya, tidak melulu pada teriak-teriak nyari orang ilang, teriak-teriak ketakutan, atau komedi garing. Dialognya masih berusaha untuk menguarkan drama. Seperti ada cerita yang diparalelkan antara kejadian masa lalu dan masa kini di rumah itu. Karakternya diberikan masalah yang mirip, mereka seorang ayah. They have to think things through about problems in their family. Yang permasalahannya mengarah ke mengubah persepsi memandang supaya tidak jadi negatif. Supaya tidak stress dan berubah menjadi ayah seperti pada The Shining.

Positif dan negatif, semuanya tergantung dari bagaimana kita memaknainya. Dan kita harus bertindak. Karena meski kadang terlihat seperti ilusi, persepsi adalah hal nyata yang kita ‘pilih’ untuk percaya.

But wait, konsep first-person langsung dari mata karakter (bukan found-footage atau kamera) yang dipakai ini tak pelak terasa janggal. Karena cerita mereka ini semestinya adalah acara untuk televisi; programnya si Rufus Black. Tapi kenapa tidak ada kamera di rumah itu. Tidakkah Rufus Black merekam semua itu untuk keperluan acaranya? Siapa pula yang sebenarnya melihat flashback-flashback itu? Apa yang sebenarnya terjadi di sini? Pertanyaan-pertanyaan tersebut, mungkin terlintas dalam benak kalian saat menonton, dan ini harusnya bisa jadi red flag.

Durasi film ini aja sebenarnya udah red flag abis. Lima-puluh-dua menit. Bahkan lebih pendek daripada Host yang tayang tahun lalu. Kenapa red flag? Karena film-panjang itu biasanya dibangun dalam struktur tiga-babak, yang setiap babaknya adalah ruang untuk mengembangkan journey dari karakter. Banyak film melakukan itu dengan pembagian sekitar 30 menit untuk babak Satu dan Tiga, kemudian 60 menit babak Dua. Nah bayangkan cerita yang hanya punya 50 menit – yang kurang dari babak Dua cerita film-panjang pada umumnya. Bagaimana mereka memuat set up, pengembangan, dan konflik ke dalam ruang yang sesempit itu. Tapi aku ngasih film ini kesempatan. Irwansyah yang jadi produser juga kabarnya sangat memperjuangkan cerita ini untuk difilmkan. Budget film ini juga tampak gak banyak-banyak amat terlihat dari desain produksinya, tapi mereka tampak mencoba untuk memaksimalkan itu dengan konsep bercerita dan segala macam. There are efforts. Jadi kupikir, mereka memang punya sesuatu untuk diceritakan. Tapi ternyata tidak. This movie is all about gimmick. Film tidak ingin bercerita kepada kita, melainkan mereka ingin bilang “Kena, deh!” ke ujung hidung kita semua. Twist. Revealing tak-terduga. Dan inilah satu dari dua persepsi yang harus diubah oleh artis atau siapapun yang ingin membuat film

Habis nonton ini otak kita jadi setengah kosong, bukan setengah penuh

Film itu adalah journey. Kejadian-kejadian yang mengisi durasinya, dialog-dialog yang diucapkan oleh karakternya; semuanya penting dan berfungsi untuk menunjukkan jalannya journey tersebut. Everything should matters. Twist dalam cerita merupakan kelokan, yang membuat kita memikirkan ulang apa yang terjadi pada karakter dan journey mereka. Katakanlah, mengubah persepsi kita. Tapi bagi film ini, twist-nya itu adalah kecohan. Semua kejadian sebelum twist tersebut ternyata, storywise, tidak benar-benar terjadi. Melainkan hanya karangan tidak penting, dilakukan hanya untuk ngeswerve penonton. Sehingga, semua pujianku soal dialog yang cukup berbobot, jumpscare yang cukup efektif, juga jadi ternegasi. Karena basically tidak ada cerita. Ayah yang khawatir anaknya sakit tadi? Peristiwa oven maut tadi? Persepsi harusnya bukan ilusi. Tapi nyatanya tidak terjadi apa-apa dalam film ini, selain yang kita lihat di menit-menit terakhir. Film bukan soal seberapa hebat twistnya mengecoh penonton; malah bukan twits namanya kalo malah menihilkan semua kejadian sebelumnya. Malahan, film bukan soal twist, period. Film yang bagus bukanlah film yang ada twistnya. Just tell your story. Berikan penonton journey-karakter yang menarik untuk diikuti.

Kedua, ada sangkut paut dengan durasi tadi. Belum lama ini, Tarian Lengger Maut (2021) juga ternyata sengaja dipotong dari 90 menitan ke 70 menit. Aku gak tahu kenapa jadi seperti tren. Semoga saja bukan karena pengen supaya bisa rilis Director’s Cut di kemudian hari. Karena yang begitu itu jelas adalah persepsi yang salah. Sengaja memotong supaya bisa rilis ulang versi fullnya untuk genjot duit lagi, tidak lebih seperti scam. Director’s Cut atau versi extended atau apalah seharusnya dilakukan karena tidak puas dengan hasil yang pertama, seperti pada kasus Zack Snyder dan Justice League. Bukan untuk dijadikan sebagai siasat jualan yang sudah direncanakan. Lagian siapa yang tertarik minta nambah kalo filmnya jelek. Ada yang sengaja mempersingkat film dan menjadikannya jelek supaya orang makin penasaran, jelas aneh.

Dengan durasinya yang cuma lima puluhan menit, film ini barely sebuah film-panjang. Dengan naskah yang ternyata gak mentingin apa-apa selain cara mengakhiri film dengan wow, film ini barely bisa disebut sebagai sebuah film. Twistnya membuat keseluruhan film jadi pointless. Enggak ada pointnya kita ngikutin kejadian karakter, kalo ternyata karakter itu gak pernah ada sama sekali. Seperti memang, persepsi orang bikin karya film harus diubah. Film itu bukan gaya-gayaan, bukan seru-seruan aja. Kalo memang mau reuni sama teman-teman lama, mending bikin video Youtube aja. Viewernya bisa banyak. Kenapa mesti menodai perfilman Indonesia yang sedang tertatih-tatih berusaha bangkit?
The Palace of Wisdom gives 1 out of 10 gold stars for PERSEPSI.

That’s all we have for now.

Menurut kalian apa sih yang mempengaruhi persepsi kita terhadap suatu hal?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

CRUELLA Review

29 Saturday May 2021

Posted by arya in Movies

≈ 6 Comments

Tags

2021, comedy, crime, drama, family, friendship, funny, live-action, prequel, review, spoiler, thought

“The worst enemy to creativity is self-doubt.”

Antagonis/penjahat perempuan dalam film-film Disney kebanyakan adalah feminis. Mungkin inilah sebabnya kenapa Disney memutuskan untuk berbondong-bondong bikin live-action dari sudut pandang mereka. Karena, memang, di zaman sekarang para antagonis tersebut dinilai lebih real dan punya kualitas yang lebih merepresentasikan perempuan; mereka mandiri, kuat, berambisi, tau apa yang mereka mau – dan bekerja keras untuk itu. Dan gak takluk pada keseragaman standar kecantikan. Perempuan kekinian tidak lagi duduk dan ‘menunggu diselamatkan oleh pria’ seperti Princess-Princess cerita Disney. Perempuan masa sekarang gak ragu untuk memegang kendali kehidupan mereka, persis seperti Maleficent, Ursula, (to some extent) Elsa, Ibu Tiri Cinderella. Dan ya, Cruella de Vil.

Cruella de Vil adalah antagonis utama dalam franchise 101 Dalmatians. Karakter ini terkenal dengan penampilannya yang nyentrik, serta motivasinya yang benar-benar kejam; menculik anak-anak anjing dalmatian untuk dijadikan mantel bulu! Kelihatan hampir mustahil membuat karakter dengan motivasi seperti itu menjadi semacam pahlawan, kan? But hey, everybody is a hero in their own story. Maka Disney mengajak kita untuk melihat Cruella de Vil sebelum dia bahkan dipanggil dengan nama seserem (dan sekeren) itu.

Film Cruella garapan Craig Gillespie memang diposisikan sebagai prekuel. Nama aslinya ternyata adalah Estella. Dan film ini – mengutip dialog si Estella itu sendiri – adalah tentang “Gadis jenius berubah menjadi gadis bodoh yang membunuh ibunya sendiri, dan kemudian menjadi kesepian” Estella tumbuh di jalanan, yatim piatu, keluarganya hanya dua orang cowok Jasper dan Horace, beserta dua ekor anjing peliharaan. Bakat dan minat yang besar terhadap fashion design membawa Estella bekerja untuk Baroness, designer terkenal favoritnya. Ternyata bos dan idolanya itu orangnya kasar banget. Tapi sebagaimana rambutnya terlahir berwarna hitam-putih yang dianggap sebagian besar orang aneh itu, Estella juga punya dark side di dalam dirinya. Sifat buruk si Baroness dia jadikan panutan, untuk membangkitkan kembali sisi gelap tersebut. Estella – kini Cruella – muncul sebagai penantang bagi Baroness. Upstaging semua penampilan Baroness, dan bahkan sepertinya juga mengungguli perilaku kejamnya.

Dressed to kill!!

Awal penciptaannya memang karakter Cruella de Vil diadaptasi oleh Disney ke dalam film animasi sebagai semacam karikatur dari feminis. Seorang businesswoman yang comically kejam, terutama sama binatang-binatang. Dia punya anak buah yang bego sebagai kontras. Film live-action yang kali ini berusaha memberikan kedalaman kepada karakter ini. Ada banyak aspek yang bisa kita relasikan dari Estella. Misalnya berupa bagaimana dia adalah karakter yang ditekan oleh bosnya sendiri. Atau bagaimana soal dia adalah orang yang berbakat, tapi tidak dimengerti oleh banyak orang – tidak banyak orang yang mengapresiasi talenta yang ia miliki. Atau terutama soal itu semua tadi karena dia tidak diberikan rasa nyaman untuk menjadi dirinya sendiri. Aspek paling menarik dari karakter Cruella di film ini adalah karakternya yang punya dua persona. Untuk jangka waktu yang lama sekali, dia percaya bahwa ‘Cruella’ tidak baik baginya. Dia harus jadi Estella yang baik. Tapi ternyata Estella yang baik itu justru bukan dirinya yang sebenarnya. Melihat Estella berusaha mengembrace sisi gelapnya, dan melihat hidupnya berubah seketika – for better or worse – setelah dia melakukan itu, membawa beragam emosi kepada kita penontonnya. Dan film memang terus berusaha membuat kita bersimpati kepada Estella.

Monolog Emma Stone di depan air mancur menjelang babak ketiga ketika dia sudah enggak ragu-ragu lagi tentang Estella atau Cruella, adalah momen yang powerful. Karena itulah momen saat keraguan karakternya akan diri sendiri hilang. Dan ultimately itu jugalah yang membuat Cruella begitu berbahaya. Karena dia tahu siapa dirinya, apa yang ia mau, dan apa yang ia bisa untuk mendapatkan itu. Sebagaimanapun klisenya, tapi Cruella menunjukkan menjadi diri sendiri – gak peduli apakah itu baik atau buruk bagi orang lain – adalah hal terbaik yang bisa kita lakukan kepada diri kita sendiri.

Estella alias Cruella diberikan masalah yang sangat personal. Rivalry-nya dengan Baroness tidak dibuat sekadar persaingan orang-jenius-gila untuk menguasai bisnis fashion, ataupun memperebutkan kalung berharga. Melainkan diberikan backstory yang berkaitan dengan persoalan keluarga. Estella menyalahkan dirinya sendiri atas kematian sang ibu, padahal sebenarnya semua itu adalah ulah Baroness. Saat Estella mengetahui hal tersebut, di situlah saat film ini mulai menggali lapisan emosional, yang mengangkat konflik cerita ini. Memberatkannya dengan bobot sehingga karakter cartoonish tersebut kini bisa kita lihat sebagai manusia yang mungkin enggak begitu berbeda dengan kita. We all love our moms, tapi apakah membuka pintu neraka demi melindungi pintu surga itu adalah langkah yang benar?

Dengan muatan demikian, film ini jadi lumayan dark untuk jadi tontonan konsumsi anak-anak. Kisah hubungan anak dengan ibu ini dihiasi intrik demi intrik, mulai dari yang bisa digolongkan crime kecil-kecilan hingga ke percobaan pembunuhan. Dan ya di sini memang ada pembunuhan yang dilakukan dengan tidak benar-benar tersurat. Karakter utama kita bergerak dengan motivasi dendam, yang jelas butuh banyak penjelasan oleh orangtua kalo anak mereka diajak nonton dan mempertanyakan soal ini. Selera humor film ini juga cukup gelap. Kita memang mendapatkan kekonyolan semacam kejadian chaos yang lucu dari tikus di dalam nampan makanan, tapi sebagian besar keseruan rivalry Cruella dan Baroness berupa vandalisme atau hal-hal yang jelas akan ‘gak lucu’ kalo dilakukan oleh anak-anak. Tapi buat orang dewaa, memang film ini bisa terasa fun banget. Aku peduli sama cerita film ini lebih dari yang aku duga, karena aku memang bukan penggemar 101 Dalmatians. Tadinya aku juga mikir film ini bakal agenda-ish, mengingat betapa ikon feminisnya si Cruella de Vil itu sendiri. Di menit-menit awal memang film kayak ngarah ke sana.. tapi kebelakangnya ternyata tidak. As i said, film ini ternyata cerita yang sangat personal bagi karakter Cruella.

Jadi kualitas baiknya, film ini punya cerita yang intriguing. Visualnya juga cakep, penuh oleh fashion-fashion yang unik (dan punya statement, as we see much style Cruella used inspired by punk; yakni style yang juga melawan conformity). Dan juga punya penampilan akting duo Emma yang jadi sentral, yang menyatu banget, memperkuat kostum dan karakter yang mereka perankan. Emma Stone tak pernah tergagap bermain sebagai Estella dan Cruella. Begitu juga dengan Emma Thompson yang benar-benar menunjukkan betapa Baroness itu gorgeus sekaligus vicious.

cruella10694172_052521-wls-hosea-cruella-4p-vid

Are you ready for Emmaverse??!!

Penampil dan look yang sangat bisa berbicara itu ternyata bagi film masih belum cukup. Film ini masih mengandalkan musik atau lagu latar untuk menyampaikan perasaan. Lagu-lagu populer tahun 70an itu akan terus dimainkan, bahkan untuk adegan yang gak perlu ada lagunya. Okelah kalo pada sekuen aksi, atau dimainkan saat montase sebagai pengikat mood. Namun ini, Estella masuk butik aja ada soundtracknya. Lagu yang too much ini jadi membuat film seperti tidak bisa menciptakan tone cerita sendiri.

Sebagai sebuah prekuel, film ini membiarkan kita mengikat sendiri untaian-untaian cerita yang mereka lepas. Membiarkan kita mencoba memasukakalkan Estella yang di sini menjadi Cruella dan kemudian menjadi Cruella de Vil yang sudah kita kenal dari dua film animasi dan satu live-action jadul. Dan sesungguhnya itu adalah pe-er yang berat untuk kita semua. Karena sesungguhnya antara membangun simpati untuk Estella dengan actual cruel things yang dilakukan Cruella pada kisah originalnya tersebut gak pernah benar-benar add up atau terikat dengan masuk akal. Misalnya seperti ketika film memperlihatkan kita alasan kenapa Cruella jadi suka membuat mantel bulu dari anjing dalmatian. Jawaban yang diberikan film ini tidak akan memuaskan karena yang diperlihatkan di sini adalah bahwa itu semuanya cuma ‘gimmick’. Cuma sesuatu yang dijual si karakter atas nama ‘brand’nya sebagai Cruella de Vil. Dan itu ganggu continuity ketika disambungkan dengan film originalnya.

Lagipula lucu sekali toh. Film ini sendiri dibuat karena orang-orang ingin tau kenapa Cruella di 101 Dalmatians bisa jadi begitu jahat sampai-sampai ingin membunuh anak anjing untuk diambil bulunya. Tapi jawabannya ternyata cuma “Don’t worry, itu cuma taktik marketing brand.” Dan lantas film lanjut dengan seolah melempar lagi pertanyaan “Or is it?”. Pada akhirnya memang tujuan film ini enggak jelas karena bangunan karakter Cruella-nya itu sendiri enggak jelas. Karakternya dibuat mengundang simpati, kita jadi ngerti kenapa dia harus begini kenapa dia harus begitu, sehingga bahkan nama ‘Cruella’ itu tidak sesuai lagi karena kita tidak melihatnya sebagai orang yang kejam (yang kejam malah si Baroness). Lalu film berusaha membuat dia tampak kejam lagi dengan benar-benar vague terhadap sikapnya terhadap identitas Cruella yang ia pakai. Tapi mungkin, memang itulah salah satu kerelevanan film ini. Bahwa semua hal memang cuma pencitraan. Pura-pura jahat untuk branding. Marketing yang jenius.

Or is it?

Yang bener-bener cruel alias kejam di sini itu adalah si filmnya ini sendiri. Punya penampil luar biasa, punya looks yang gaya, tapi masih merasa belum cukup. Dan malah lebih mengandalkan lagu soundtrack yang dimainkan sebagai latar. Punya cerita menarik, tapi implikasinya benar-benar dark. Dia menjadi seru dan menghibur lewat ke-dark-annya tersebut. Sementara karakternya sendiri – yang adalah karakter antagonis yang namanya literally ada kata ‘kejam’ – tidak benar-benar dieksplorasi atau ditampakkan sebagai orang yang kejam. Melainkan sebagai karakter yang mengundang simpati karena dia sudah melalui begitu banyak, ditipu, nyaris dibunuh dan sebagainya. Mungkin menuliskan karakternya seperti itulah hal paling kejam yang dilakukan film ini kepada kita.
The Palace of Wisdom gives 6 out of 10 gold stars for CRUELLA

That’s all we have for now.

Apakah kalian melihat Cruella sebagai orang baik, atau orang jahat di sini?

Share with us in the comments yaa

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?

We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

NOBODY Review

22 Thursday Apr 2021

Posted by arya in Movies

≈ 10 Comments

Tags

2021, action, crime, drama, family, friendship, life, review, shooting, spoiler, thought, violence

“Obscurity can be liberating”

Menjadi bukan siapa-siapa ternyata merupakan sebuah impian – atau malah anugerah – bagi beberapa orang. Ketika normalnya kita berusaha, berjuang, bekerja sekeras mungkin untuk mendapat pengakuan sosial, untuk diterima dan kemudian dikenal mencuat lewat hal spesial yang ahli kita lakukan, ternyata ada sebagian orang yang ingin dan merindukan untuk dianggap biasa-biasa saja. Sebagian orang itu adalah mereka yang udah mencapai puncak. Udah sukses. Selebriti misalnya. Tak ada lebih mereka inginkan selain tidak jadi pusat perhatian dan dikerubutin saat mereka berada di tempat umum. Atau filmmaker sukses, yang hanya ingin bikin film murni untuk menceritakan isi hati tapi tidak bisa karena di atas situ karya buatannya akan selalu dibanding-bandingkan dan dioveranalyze. Atau juga karakter yang diperankan Bob Odenkirk dalam film Nobody.

Hutch nama pria tersebut. Dan yang ia inginkan adalah punya kehidupan berkeluarga yang biasa-biasa aja. Mengejar truk sampah di pagi hari. Membuat sarapan untuk anak dan istri. Berjalan kaki ke kantor. Pulang. Ketemu anak dan istri. Tidur. Hutch telah meninggalkan kehidupannya yang dulu. Kehidupan masa lalu Hutch yang disiratkan oleh film ini adalah kehidupan yang penuh bahaya. Hutch tidak ingin kembali ke sana, akan tetapi kehidupannya sebagai bukan siapa-siapa itu ternyata tidak berjalan seperti yang diidamkan olehnya. Dia malah merasa jadi semakin kecil, dan bahkan keamanan yang ia inginkan untuk keluarganya pun tidak pula terwujud. Karena rumah mereka malam itu kemalingan. Kejadian itu berbuntut panjang. Membuat Hutch harus bersinggungan dengan geng Rusia. Dan mau tak mau dia harus kembali ke siapa dirinya yang sebenarnya.

Nobody is special. I am nobody. You do the math

Sepertinya memang dari permainan kata itulah sutradara Ilya Naishuller mengembangkan konsep karakter Hutch. Seorang yang mengaku nobody, tapi ternyata dia berkemampuan spesial. Memang, konsep film ini bukanlah konsep yang paling original seantero dunia sinema. Sudah banyak cerita yang menampilkan karakter yang sekilas kayak orang biasa padahal mempunyai kehebatan tersendiri. Malahan, film ini mirip sekali dengan John Wick (2014). Banyak aspek cerita Hutch yang membuatnya serupa-tapi-tak sama dengan John Wick, mulai dari dia adalah ‘pensiunan’ pembunuh, terus tak-sengaja terlibat masalah dengan sanak keluarga bos penjahat. Jika di John Wick pemicu utama kemarahan karakter adalah anjing peliharaan yang dibunuh, maka di Nobody ini Hutch mulai beraksi karena orang jahat yang menyatroni rumahnya telah mengambil gelang milik kucing peliharaan anaknya. Semua kemiripan tersebut tentu saja ditampilkan on-point karena memang penulis naskah dan produer kedua film ini merupakan orang yang sama. Yakni si Derek Kolstad. Sehingga kemiripannya tidak sampai di elemen karakter saja. Dalam soal koreografi aksi berantem pun, film Nobody ini tampil dengan gaya dan level kekerasan yang sama menghiburnya.

Perbedaan yang membuat Nobody distinctive dari John Wick terletak pada karakter Hutch dan cara sutradara membangun karakter tersebut. Cerita dan bangunan karakter Hutch sedikit lebih kompleks. Hutch ini adalah pria yang berusaha menyamankan dirinya sebagai bukan siapa-siapa, meskipun hidup normal yang ia jalani itu tidaklah menyenangkan. Dengan efektif Ilya menempatkan montase rutinitas kehidupan Hutch pada awal-awal durasi. Sehingga kita jadi tahu konflik yang melanda si Hutch ini secara pribadi. Life’s not great for him, keluarganya gak exactly suka padanya, tapi inilah kehidupan yang ia mau – yang ia pilih karena kehidupannya yang dulu jauh lebih berbahaya. Ketika dia memang harus kembali menapaki ‘jalan lamanya’, cerita pun tidak lantas membuat dia berubah. Ada keengganan yang ditampilkan. Ada keraguan dan kebimbangan dalam diri Hutch. Dia sempat urung membalas dendam kepada kedua perampok karena menemukan sesuatu di markas mereka yang membuat dirinya teringat akan nilai keluarga yang ia inginkan. Ilya membuat rangkaian kejadian yang melambangkan progres state of mind Hutch soal mau tidak mau dia harus kembali ke dirinya yang dulu. Dengan begitu, Ilya membuat kita mengerti apa yang harus rela dibuang oleh Hutch, kenapa dia harus kembali — persoalan personal inilah yang lantas jadi stake dalam cerita.

Menjadi bukan siapa-siapa memang kadang membuat frustasi dan bikin kita meragukan eksistensi diri sendiri. Tapi bukankah semua orang adalah bukan siapa-siapa bagi kebanyakan orang yang lain? Obscurity atau jadi bukan siapa-siapa itu hanyalah bagian dari journey kita dalam mencari apa yang ingin kita kerjakan. Jadikan itu sebagai kesempatan untuk memperbaiki dan meningkatkan diri.

Bob Odenkirk menerjemahkan karakterisasi tersebut dengan menarik pula. Olehnya, Hutch tidak tampak boring. Melainkan sangat vulnerable. Dia mengundang simpati, tapi juga bisa jadi badass, dan juga kocak dalam menampilkan kebadass-annya. Permainan akting dan penampilan aksi-aksi berantem (yang sebagian besar dilakukannya sendiri tanpa stunman) Hutch juga mempelihatkan progres yang dialami oleh karakternya. Sekuen berantem di dalam bus dengan anak-anak muda berandalan adalah contoh yang bagus untuk membahas ini. Di adegan-adegan itulah Hutch untuk pertama kalinya memantapkan diri kembali menjadi pembunuh. Hutch enggak langsung jago. Dia toh babak belur juga. Dikeroyok, dikerjai, dan dilempar keluar jendela oleh lawan-lawannya. Dia vulnerable, tapi bukan lemah. Seiring berjalannya durasi kita akan melihat Hutch menemukan kembali kenyamanan dalam kembali pada aksi-aksinya. Sampai akhirnya dia telah menemukan kembali dirinya yang lama. Dan kita akan mendapat adegan final fight yang meskipun terlalu perfect dan over-the-top, tapi amat sangat menghibur.

Untuk itu salut pantas kita panjatkan buat Bob Odenkirk. Karena selama ini, dia adalah aktor yang terkenal bukan sebagai aktor laga. Dia lebih sebagai spesialis peran dramatik dan komedi. Perannya sebagai Hutch adalah pertama kali namanya tersematkan sebagai bintang film laga. Dan di sini tantangan peran baginya bukan sekadar bermain fisik, tapi juga ada tuntutan untuk menyampaikan karakter Hutch itu sendiri.

Bayangkan kalo ada cross-over John Wick dengan Nobody, pasti seru!!

Nobody sebenarnya bisa saja menjadi the next John Wick. Sayangnya, film ini tidak mampu melepaskan diri dari bayang-bayang film tersebut. Pembuatnya seperti lupa bahwa cerita kali ini punya lebih banyak ruang untuk digali. Hutch punya keluarga, John Wick tidak. Tapi Nobody tetap dibuat ‘sama’ seperti John Wick, fokus di aksi seru nan menghibur. Mereka membiarkan keluarga itu tetap jadi lubang yang menanti untuk diisi. Hubungan Hutch dengan istri, dengan anak laki-lakinya, dengan gadis ciliknya tak pernah digali dengan memadai oleh film ini. Keluarga Hutch hanya jadi bagian dari rutinitas sehari-hari. Tidak pernah terasa seperti layaknya karakter cerita. Musuh utama Hutch juga karakterisasinya lemah sekali. Padahal dia sudah punya latar yang menarik. Boss gede tapi kerjaannya penampil karaoke. Dinamika protagonis dan antagonis dalam film ini diikat oleh keparalelan yang tipis sekali. Masalah di antara mereka berdua malah hanya tercipta oleh suatu rangkaian kejadian yang terjadi secara kebetulan. Sekeren-kerennya Hutch berinteraksi dengan si bos, tetep tidak terasa ada kaitan atau bobot yang membuat pertemuan mereka benar-benar bisa kita pedulikan.

Yang membuat film ini akhirnya berada pada posisi di bawah John Wick adalah kesan bahwa film ini terlalu sibuk ngebuild untuk sekuel. John Wick punya dunia yang bikin penasaran sebagai latar, sementara kejadian seputar karakternya berlangsung dengan melingkar. Tidak banyak eksplorasi tapi juga tidak banyak menyisakan ruang yang sengaja dibiarkan kosong. Film itu straight-to-the-point, simpel, dan tuntas. Sekuelnya hadir dengan kesan natural, karena kita memang pengen melihat dunia John Wick dengan lebih luas. Sebaliknya, film Nobody lebih kompleks tapi justru meninggalkan banyak ruang tak-tereskplor. Berharap supaya kita tertarik untuk melihat lebih banyak partner dan ayah Hutch yang ternyata juga bukan ‘orang-biasa’. Memohon kepada kita untuk meminta ada sekuel yang membahas mereka. Malah ada adegan ekstra di kredit penutup untuk memancing ini. Padahal ini adalah cara yang salah. Karakter pendukung film ini – dengan minimnya bahasan – membuat mereka terlupakan oleh kita. Fokus kita tetap pada Hutch, yang setelah problemnya tuntas, setelah dia memilih untuk kembali ke siapa dirinya, ketertarikan dia kepadanya pun semakin berkurang. Karena walaupun dia berkemampuan khusus, karakternya sendiri tidaklah original ataupun spesial.

Buat yang suka aksi ala John Wick, film ini jelas sayang untuk dilewatkan. Ceritanya mirip. Laganya seru, dengan koreografi yang hard-hitting dan in-the-face dan bergaya sama dengan John Wick. Film ini pure seru dan menghibur. Apalagi ditambah dengan elemen-elemen tak biasa seperti karakter yang curhat sama radio, ataupun pemilihan musik yang beda dari musik-musik film laga biasanya. Salah satu daya tarik utama film ini adalah cast-nya. Bob Odenkirk kini merambah genre aksi, dan penampilan di sini bukanlah penampilan abal-abal. Melainkan sangat totalitas. Keren dan menghibur sekaligus. Film ini bisa menjadi lebih besar lagi, tapi terjebak dalam bayang-bayang John Wick. Potensi yang dipunya tidak direalisasikan semua, sehingga film ini dalam kondisi terbaiknya hanyalah berupa copy-paste beda varian dari film John Wick.
The Palace of Wisdom gives 6 out of 10 gold stars for NOBODY.

That’s all we have for now.

Apakah menurut kalian menjadi nobody itu memang lebih baik daripada menjadi somebody?

Share with us in the comments

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?
We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

[Reader’s Neatpick] – FLIPPED (2010) Review

10 Saturday Apr 2021

Posted by arya in Movies

≈ 18 Comments

Tags

2010, 2021, adaptation, family, friendship, funny, love, novel, Readers' Neatpick, review, romance, spoiler, teen, thought

“Film favorit sepanjang masa saya itu ya ini. Selera saya emang sebocah itu.” – Anggraita Suasana, silent reader My Dirt Sheet

**Sutradara:** Rob Reiner
**Penulis Naskah:** Rob Reiner, Andrew Scheinman
**Durasi:** 1jam 30menit

Flipped diadaptasi dari novel karangan Wendelin van Draanen, bercerita tentang kisah ‘cinta-monyet’ dua anak SMP. Cinta ini berawal dari pandangan pertama, yang terjadi pada masa kecil mereka. Bryce sekeluarga baru saja sampai di rumah baru mereka. Tapi Bryce langsung dapat ‘penggemar’. Gadis cilik tetangganya, Juli, langsung naksir sama Bryce. Untuk bertahun-tahun, Bryce mendiamkan Juli yang mengejar-ngejarnya. Bryce malah cenderung menghindar. Namun kini. setelah mereka SMP, setelah keduanya menempuh banyak kejadian yang membuat mereka lebih mengenal satu sama lain, keadaan itu menjadi kebalik. Bryce mulai merasa suka kepada Juli, sementara Juli sendiri mulai meragukan perasaan sukanya terhadap Bryce.

“Saya nonton film ini pertama kali di Global TV pas SMP. Saya suka–banget–sekali! Sudah diputar ratusan kali di mata saya, tapi saya tetap enggak pernah muak untuk nontonin sampai habis. Lagi, dan lagi.”

“Aku malah baru tau ada film ini. Kalo bukan karena direkomendasikan oleh Mas Anggraita, pasti lewat deh. Dan beruntungnya, film ini baru masuk ke Netflix! Ini tuh ceritanya simpel, tapi bakal membekas kuat melekat. Walaupun soal ‘cinta monyet’ tapi gak receh, ataupun menye-menye. Malah terasa dewasa sekali.”

“Ceritanya yang sederhana, enggak berlebihan dengan klimaks terasik. Entah mengapa, saya merasa ada hubungan batin sama tokoh Bryce. Terlalu relate sama diri saya sendiri, meski (mata) saya enggak seindah mata Bryce yang berkilauan. Mungkin karena hidup saya yang sudah terlampau berat waktu itu. Film ini terasa relate di saya, karena sepertinya saya juga punya hubungan seperti ini. Anak SMP itu (kan) dengan mudahnya jatuh cinta.”.

“Kalo aku, suka banget ama Juli. Selalu suka sama karakter cewek yang punya personality sendiri. Unik. Yang mandiri, yang tau apa yang dia mau, tapi juga ada sisi vulnerable. Ah, kenapa aku jadi relatenya ke Kakek si Bryce ahahaha.. Yang jelas, memang film ini kuat banget di personality dan karakter. Juli dan Bryce, keduanya sama-sama terdevelop dengan manis. Dan ini berhasil dilakukan lewat konsep storytelling unik yang digunakan oleh sutradara. Flipped di judul film ini, bukan cuma mengacu kepada terjungkirbaliknya perasaan yang dialami oleh kedua karakter. Tapi juga mengacu kepada sudut pandang. Setiap satu peristiwa, akan ditilik lewat sudut pandang Bryce dan Juli secara bergantian.”

“Saya malah suka tipe bercerita seperti ini, jadi kita bisa tahu apa isi hati tokoh-tokoh utama kita. Mungkin karena ini juga saya jadi suka film ini”

“Setuju. Walaupun memang membuat majunya narasi dari plot poin ke plot poin berikutnya jadi dua kali lebih lama – karena dibahas berulang, tapi konsep sudut pandang yang nge-flip ini sama sekali tidak terasa mengganggu. Bukan ‘gimmick’ semata. Ketika menunjukkan dua sudut pandang itu, kita benar-benar melihat bedanya. Ya beda angle, ya beda perspektif. Enggak kayak franchise-nya Dilan; film Milea katanya ceritanya sama dengan cerita film Dilan, hanya sudut pandang karakternya yang berbeda, tapi toh tidak tampak seperti itu. Franchise Dilan hanya mengopi adegan film pertama, dan mempaste-nya untuk film ketiga. Pertukaran sudut pandang yang dilakukan Flipped ini sama sekali tidak semalas itu. Dan dilakukan dengan jauh lebih efektif pula. Dilan butuh tiga film – dengan hasil: people barely remember the story, dan yang diingat penonton dari karakternya cuma gombalan. Sementara Flipped hanya butuh satu setengah jam, dengan cerita berhasil membekas, dan kita semua jatuh cinta sama karakter-karakternya.:

“Dari Juli kecil yang lari-lari ngejar Bryce kecil sampai dinyanyiin sama teman-temannya, saat Juli enggak mau pohon yang dia sayang ditebang, sampai Bryce remaja mau nyium Juli remaja–ciuman pertama; Semua adegan di sini jelas dong jadi yang terfavorit. Menurutku ini “Cinta Monyet” nya anak baik-baik. Manis dan hangat, itu yang bikin “Cinta Monyet” di sini seperti terasa di kehidupan kita.”

“Gak sekalipun, kan, Juli yang ngejar-ngejar Bryce itu tampak menjengkelkan. Ataupun norak. Itu karena si karakter diberikan banyak waktu untuk menceritakan perspektifnya. Kita mengerti alasan kenapa Juli merasa dirinya naksir ama Bryce, dan sebaliknya kita mengerti juga kenapa Bryce gak nganggep Juli. Dan kita gak jadi berpihak pada satu. Kita malah jadi peduli kepada dua-duanya.”

“Ganggu sih sepertinya tidak ya, karena Juli sendiri tokoh yang mandiri. Dia cuman mau diperhatikan saja sepertinya. Dan itu, kejadiannya saat-saat kecil, bukan?”

“Nah iya. Nah ini hahaha… Karakter Juli make sense ngejar-ngejar kayak gitu karena identitasnya jelas. Karena dia masih anak-anak. Masih SMP. Kita juga bisa relate karena kita tahu, it’s true. Anak SMP sikapnya ya seperti itu. Naksir-naksiran. Film Flipped ini turut kuat di latar. Bandingkan lagi dengan film remaja kita. Mariposa, misalnya. Acha ngejar-ngejar Iqbal. Itu annoying, karena mereka udah SMA. Kita tahu udah lewat masanya untuk naksir sekadar naksir. Kita butuh perspektif kenapa Acha naksir berat sama Iqbal. Ini yang harusnya digali. Tapi film itu gak melakukannya. Mindset dan perspektifnya gak kuat. Gak kerasa kayak SMA. Beda sekali ama film Flipped yang benar-benar kerasa nyata. Dan malah membuktikan bahwa kisah cinta anak SMP toh justru bisa jadi pembelajaran yang mendewasakan. Serius. Ending Flipped ini bagus banget. Ketika kebanyakan film cinta remaja memberikan just happy ending. Film ini punya happy ending yang benar-benar bermakna bagi pertumbuhan karakter (selagi mereka nanem dan numbuhin pohon!)”

“Paling favorit jelas adegan penutupnya. Yang bikin hati hangat dengan tetesan air mata kecil di mata. Bikin senyum-senyum sambil menyeka air mata seharian. Mau seberapa seringpun ditonton, rasanya seperti itu. Entah emang saya sendiri yang punya selera aneh, atau saya punya kelainan yang tidak diketahui. Saya rasa film ini lebih heartwarming, lebih ke pencarian jati diri, tentang keluarga, teman, dan cinta itu sendiri. Sedangkan film remaja Indonesia, mayoritas lebih menjorok ke cinta masa sekolah.”

“Film ini benar-benar nunjukin proses sih. Beda ama film remaja Indonesia yang banyaknya memang menjual kemesraan, atau kebaperan. Proses perjalanan itu digambarkan/diceritakan dengan jelas. Kali pertama Juli naksir, memang cuma asal-suka. Kemudian cerita memberikannya waktu untuk mengenali apa yang ia cintai dari seorang cowok. Begitu pula dengan Bryce. Sama-sama proses menumbuhkan cinta. Lewat apa? Ya seperti yang mas bilang tadi. Cinta mereka tumbuh seiring dengan perjalanan mereka mencari jati diri, yang semuanya tentu saja berhubungan dengan keluarga. Dan memang film ini meluangkan waktu untuk membuat kita mengenali keluarga masing-masing kan. Ada keluarga Bryce, dan ada keluarga Juli. Ada relasi antara Bryce dengan kakeknya, Bryce dengan ayahnya, Juli dengan kakek Bryce, Juli dengan ayahnya, Juli dengan ibunya, dan banyak lagi. Lingkungan mereka tumbuh itu turut diceritakan, menambah bobot narasi film ini”

“Lingkungan emang faktor krusial dalam pembentukan karakter, betul, bukan? Bryce sosok laki-laki bertipe pengecut ya karena keluarganya cuman bisa bicara di belakang, sedangkan Juli adalah anak perempuan yang enggak peduli sama omongan orang lain, karena ya lingkungannya sendiri cendurung enggak mau mendengarkan orang lain. Konflik keluarga di sini emang enggak sedahsyat dan semeledak-ledak itu, tapi emang dibuat senyata mungkin. Dan saya suka. Untuk keluarga Juli saya rasa sudah cukup dekat dengan mereka, tetapi untuk keluarga Bryce sendiri sepertinya memang kurang dekat dengan kita, tetapi entah kenapa keluarga Bryce lebih mewakili seluruh keluarga di dunia nyata? Tapi bukan berarti keluarga Juli enggak merefleksikan bagaimana seharusnya keluarga.”

“Haha iya, aku mengerti maksud, Mas. Keluarga jaman sekarang kayaknya memang lebih condong seperti keluarga Bryce. Suka ngomongin, jarang bergaul – itu kan keluarga Bryce udah bertahun-tahun di sana tapi baru satu kali nanti itu ngundang keluarga Juli yang tetanggaan untuk makan malam, tapi kalo ketemu di jalan ya senyum-senyum aja”

“SAMA, JELAS SAMA. Astaga, hidup bertetangga memang seperti itu, bukan? Hahaha. Saling peduli, saling bantu, saling ngomongin di belakang. Apapun itu, bertetangga memang seperti itu.”

“Yoi, mungkin itu juga sebabnya kenapa sutradara Rob Reiner mengadaptasi film ini dengan perubahan setting waktu. Dari materi yang bersetting tahun 2000an diubahnya ke tahun 60an. Karena tetangga kayak keluarga Juli udah jarang. Seringnya ya, tetangga kayak keluarga Bryce. Jadi kalo tetap di masa kini, ceritanya mungkin terasa beda gimana gitu.. “

“Pasti om Reiner punya pemikiran sendiri sih hahaha. Tapi walaupun tetap di era 2000an, aku rasa masih bisa sebagus itu!”

“Iya, apalagi pergaulan remajanya kan. Anak-anak SMP masa kini kayaknya udah gak sepolos Bryce, Juli, dan teman-teman mereka, deh. Yang pasti bakal ada involvement sosial media, kan?”

“Dengan perkembangan teknologi yang lebih maju, jelas anak sekarang enggak sepolos anak dulu karena mudahnya mengakses media.”

“Berarti langkah Om Reiner mengubah waktunya ke belakang sepertinya tepat. Life is easier back then. Pun lebih humanis. Mungkin itu sebabnya kenapa film ini ngena banget. Kita langsung telak ke perasaan dan journey karakter-karakternya sebagai manusia. Tidak terdistraksi oleh hal-hal lain. Mas ngasih berapa nih untuk film ini, dari skala satu sampai sepuluh?”

“Sembilan. Karena kesempurnaan hanya milik Tuhan”

“Mantaapp. Kalo aku, aku suka banget juga sama film ini, but I do melihat konsep flipped perspektif sebagai resiko-kreatif yang harus diambil, jadi aku kasih 7.5 dari 10 bintang emas untuk FLIPPED!”

That’s all we have for now.
Terima kasih buat mas Anggraita Suasana udah berpartisipasi (alias mau diajak mikir hihihi) untuk mengulas film ini. Dan tentu saja terima kasih karena udah ngenalin kita-kita semua sama salah satu film remaja yang paling hangat dan paling genuine ini

Buat para Pembaca yang punya film yang ingin dibicarakan, yang ingin direview bareng – entah itu film terfavoritnya atau malah film yang paling tak disenangi – silahkan sampaikan saja di komen. Usulan film yang masuk nanti akan aku hubungi untuk segmen Readers’ NeatPick selanjutnyaa~

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?
We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA.

TERSANJUNG: THE MOVIE Review

04 Sunday Apr 2021

Posted by arya in Movies

≈ 11 Comments

Tags

2021, 90s, adaptation, drama, family, friendship, funny, gadissampul, love, musik, netflix, review, romance, spoiler, thought

“No man flatters the woman he truly loves”

Tersanjung: The Movie dan review-review positif yang dituainya – dengan asumsi review-review tersebut bukan dari golongan buzzer – adalah bukti bahwa sinetron masih akan terus laku di Indonesia. Karena, film Tersanjung ini adalah film paling nyinetron yang kutonton sejauh tahun ini berlalu. Kalimatku tadi itu bisa make sense dimaklumkan hanya karena Tersanjung: The Movie memanglah adaptasi bebas dari sinetron Tersanjung yang fenomenal di Indonesia tahun 90an. Maka, sutradara Hanung Bramantyo dan Pandu Adjisurya tentu saja berkewajiban untuk membuat film ini punya rasa yang menyerupai sinetron tersebut. And in that sense, mereka berhasil.

Elemen-elemen cerita dari ratusan episode sinetronnya yang dulu itu, dikutip, dikumpulkan, lalu disulap menjadi cerita yang lumayan baru. Generasi yang belum lahir saat sinetronnya booming masih akan bisa mengikuti film ini. Karena film ini seperti sudah disiapkan untuk menjadi cabang franchise Tersanjung yang baru. Film ini mengisahkan tentang Yura, perempuan muda yang sedang dalam proses perjodohan oleh keluarganya. Perjodohan Yura tersebut terjadi dalam rangka menyelamatkan karir bapaknya, Dalam artian, menyelamatkan ekonomi keluarga mereka. Tentu saja sebenarnya Yura-lah yang paling butuh untuk diselamatkan di sini. Terlebih ketika perjodohan tersebut hampir berubah menjadi suatu trauma mimpi buruk. Dua cowok sahabat Yura-lah yang datang membantu. Persahabatan Christian dan Oka menguatkan Yura. Bahkan secara finansial Yura pun mulai terbantu karena mereka bertiga kini membangun bisnis kuliner bersama. Tapi situasi pelik tampaknya belum reda bagi Yura, karena salah satu dari sahabatnya itu menyatakan cinta, membuka siapa dirinya sebenarnya, untuk kemudian menghilang selamanya.

See, sekarang mungkin kalian sudah mulai sedikit mengerti kenapa aku menyebut ini film ini me-nyinetron. Aku bahkan tidak bisa menuliskan sinopsis tanpa membeberkan hingga ke kejadian-kejadian di akhir film. Itu karena film ini tidak memberikan arc yang clear kepada karakter utamanya, yakni si Yura, melainkan memberikan arc singkat yang terus diulang sehingga seperti jadi episode-episode. Dia nemuin cinta, terus terluka, begitu terus sampai kemudian jadi happy karena durasi sudah terpenuhi. Tapi tetap di akhir itu tidak terasa seperti ending, melainkan lebih mirip berupa cliffhanger ala sinetron. Percaya deh, kita seakan nyaris bisa melihat ada tulisan “bersambung” pada shot terakhir film ini. Hanya seperti masalah yang udah kelar, lalu lantas disambung kembali oleh masalah baru.

Secara kualitas design produksi sih, film ini jauh di atas film-film ala sinetron. The film certainly looks good. Cantik banget malah. Aku maklum sekali kalo pujian-pujian berdatangan dari sini. Banyak shot-shot cakep. Misalnya, shot dari langit adegan Yura nangis di pusara ibu kandungnya, memperlihatkan barisan kotak-kotak kuburan. Sepi. Hening. Benar-benar sesuai dengan perasaan yang sedang dialamatkan kepada kita. Sutradara Hanung memastikan adegan-adegan tetap hidup dengan depth. Setiap kali memungkinkan, dia akan memasukkan banyak kegiatan yang berlangsung di belakang kejadian utama pada setiap framenya. Seperti pada saat di perkampungan, Hanung membuat kampung itu hidup oleh suasana warga sekitar. Ngomong-ngomong soal suasana, cerita film ini mengambil tempat di tahun 90an. Dan nyaris setiap shot menguar banget suasana 90an tersebut. Kerasa banget suasananya. Bukan hanya pada kostum dan properti, tapi juga dari ‘napas’ yang dihembuskan oleh ceritanya. 90an akhir adalah masa-masa chaos di Indonesia, dan film ini menyangkutkan permasalahan kerusuhan tersebut ke dalam cerita. Topik-topik khas sinetron 90an seperti perjodohan dan ketimpangan kelas menghiasi film ini. Beberapa kelebayan khas sinetron tahun segitu juga ditampilkan, seperti ibu tiri yang ngeselin, ibu mertua yang jahat. Semua itu digunakan untuk nostalgia sekaligus identitas. Gaya sinetronnya kuat. Namun gaya visual yang dilakukan Hanung tadi-lah yang mengelevasi film ini. Seperti dibuat dan disyut tahun 90an, tapi dengan peralatan kekinian.

Bagi para pemain pun, Hanung memberikan pengadeganan, banyak ruang untuk melakukan lebih dari yang diminta naskah sehingga aktor-aktor muda seperti Clara Bernadeth, Giorgino Abraham, Kevin Ardillova, dan Marthino Lio enggak hanya ada di sana sebagai penambah cantik visual semata. Bahkan pemenang Gadis Sampul 2018 Allya Syakila yang jadi adik Yura juga diberikan porsi yang lumayan gede; ya kalian tahu dong, aku senang sekali kalo ada anak Gadsam yang dapat peran di film. Para cast utama diberikan lahan bermain salah satunya berupa dialog-dialog yang quoteable, dan mereka berhasil mendelivernya tanpa terdengar kikuk ataupun cheesy. Ketika tidak sedang sibuk menjadikan adegannya terasa sinetron, Hanung mendaratkan film ini lewat celetukan-celetukan khasnya yang lumayan nyeleneh alias menantang. Misalnya, di film ini diperlihatkan orangtua suka menyebut anak mereka dengan panggilan sayang berupa ‘monyet’. Ataupun soal bagaimana orang Indonesia yang kebule-bulean ternyata kalah manusiawi daripada bule yang nge-indonesia. Aku pikir there must be deeper something in this, tapi untuk sekarang elemen-elemen demikianlah yang membuatku terhibur dan lupa sama panjangnya durasi ‘film-sinetron’ ini.

Jadi sebenarnya yang bagaimana lagi sih film yang menyerupai sinetron itu?

Tentu saja melihatnya dari cerita yang terlalu convenient. Alias cerita yang terlalu digampangkan. Sinetron kan biasanya penuh oleh elemen kebetulan, berpindah cepat antara satu konflik/drama ke konflik lain tanpa mengeksplorasi perjuangan atau struggle dalam cerita. Film Tersanjung ini persis seperti begitu. Ada beberapa kali ketika muncul bahasan yang sepertinya menarik jika diceritakan. Seperti bisnis kuliner yang dibangun Yura. Tadinya kupikir film ini bakal membahas struggle tiga sahabat yang diam-diam tumbuh cinta ini dalam membangun bisnis tersebut. Tapi ternyata tidak. Bisnis mereka berjalan dengan gampang. Tau-tau udah laku aja. Atau juga misalnya lagi, ketika cerita film ini sampai pada situasi seperti Crazy Rich Asians (2018).. Tadinya kupikir cerita benar-benar berubah haluan menjadi ke arah sana; ada sejumlah karakter baru yang muncul (dan di-mention) sehingga seolah bakal penting untuk ke depannya. Tapi ternyata juga enggak. Film glossed over this part. Either berfungsi sebagai penempatan kameo, atau memang ditahan untuk sekuel. Padahal kan bisa jadi cerita yang menarik. Bayangkan kalian mengetahui sahabat kalian ternyata seorang sultan, dan dia mencintai kalian. I’m pretty sure that is a lot to take, tapi Yura kelihatan biasa-biasa saja. Dan bagaimana denagn Yura yang trauma nyaris diperkosa? Nope, tak ada waktu untuk membahas ini. Perihal Yura membantu orangtuanya juga gak problematis amat. Bakat nyanyi ayahnya ternyata nurun ke dia, Yura cakap bernyanyi, sehingga heran juga kenapa keluarga mereka masih bergantung kepada kontrak ayahnya in the first place. Seharusnya ada yang bisa digali di sini. Relasi ayah dan anak itu mestinya bisa dieskplorasi. Tapi, sekali lagi, tidak. Semuanya harus digampangkan, gak perlu repot-repot yang membahas yang seperti itu di sini.

– *Ketika pengen nembak tapi belum siap*

Sinetron biasanya hobi banget pake soundtrack, ngulang-ngulang lagu sebagai cue adegan sedih, misalnya. Film ini, meskipun enggak separah itu, tapi tetep aja sangat bergantung kepada lagu soundtrack di latar untuk mengeja perasaan apa yang sedang disampaikan. Lucunya lagi, seringkali lagu latar tersebut enggak klop sama adegan yang sedang ditampilkan. Contohnya ketika berkumandang lirik “..kau penuhi janjimu itu…”, tapi adegan yang kita lihat sama sekali tidak ada orang yang sedang memenuhi janji. Adanya malah karakter yang disuruh berpura-pura menjadi suami Yura sedang dipaksa jadi partner senam hamil. Sejujurnya buatku bagian si karakter ini ‘dipaksa’ inilah yang membuat film ini jadi punya nilai minus. Ceritanya jadi sungguh canggung, dan juga sangat convenient. Inilah yang benar-benar memberikan cap film ini menjadi seperti sinetron. Aku gak bisa bilang banyak karena bakal spoiler berat. Aku paham yang diincar oleh film, yakni untuk menunjukkan bahwa feeling mereka memang mutual dan ada consent and everything. Hanya saja, film menunjukkannya dengan menyembunyikan di awal lalu kemudian melakukan pengungkapan kilas-balik. Ini menimbulkan banyak kekonyolan, seperti ibu tiri Yura jadi terlihat seperti mastermind dari semua hubungan tersebut. Cerita akan lebih bagus dan sama sekali tidak perlu flashback jika feeling karakter tersebut sudah diperlihatkan dan dibangun sedari awal. I mean, penonton toh sudah tahu (dari poster dan dari sinetronnya) bahwa Tersanjung adalah cinta segitiga, jadi kenapa masih pakai penceritaan dengan formula ‘ternyata’.

Yura dua kali terkecewakan oleh pria yang menyanjungnya. Dengan harta. Dengan kesempatan. Dengan janji. Perempuan itu kemudian menyadari cinta sejati tidak perlu sanjung-menyanjung. Cinta sejati langsung membuktikan dengan perbuatan. Dan sekarang, kepadanyalah Yura berpaling.

Sebenarnya sedari awal, film telah melakukan hal yang gak klop. Narasi voice-over Yura yang membimbing kita melewati adegan demi adegan, di bagian pembuka mengatakan bahwa cinta itu berawal manis. Tapi yang kita lihat saat itu justru tensi yang menguar dari adegan perjodohan. Ketidakterimaan yang menguar dari ekspresi ayah Yura, dan keengganan yang terpancar dari Yura sendiri. Mungkin memang inilah yang sedang diset oleh film. Bahwa keenggak klop-an akan konsisten hingga di akhir. Karena tahu tidak, lagu 90an apa yang diputar sebagai latar di adegan menjelang terakhir yang ceria di pernikahan? “Saat bulan purnama bersinar…” Ska dong! Tone-nya jadi drastis banget. It’s not even a 90’s song!

Apa lagi yang bisa kubilang? Film ini tahu persis dia mau jadi seperti apa. Mungkin memang ada tantangan tersendiri membuat film yang berasa sinetron. Siapa yang tahu? Yang jelas film ini berhasil menghidupkan kembali ruh sinetronnya. Dan tampil sangat cantik dalam melakukan itu semua. Konflik perasaan yang tak abis-abisnya. Penggambaran si kaya dan si miskin yang too good to be true. Dialog-dialog manis yang enak dipajang jadi caption instagram. Banyak hal dalam film ini yang bisa disukai oleh penonton kita. Tapi apakah ini termasuk film bagus? Aku pikir tidak. Cocoklah tayangnya di Netflix saja.
The Palace of Wisdom gives 5 out of 10 gold stars for TERSANJUNG: THE MOVIE.

That’s all we have for now.

Berhubung filmnya kayak end-credit film superhero, sepertinya film ini pantas untuk diteori-teori-in, don’t you think? Nah, bagaimana, apakah kalian punya teori tentang apa yang sebenarnya terjadi kepada Christian?

Share with us in the comments

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?
We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

GODZILLA VS. KONG Review

02 Friday Apr 2021

Posted by arya in Movies

≈ 6 Comments

Tags

2021, action, drama, family, fantasy, friendship, life, love, MonsterVerse, review, sci-fi, spoiler, thought

“Fight to protect”

Dua gajah berkelahi, pelanduk mati di tengah-tengah. Tidak, aku tidak sedang ngajakin belajar peribahasa. I’m just saying peribahasa tersebut memberikanku gambaran gimana rusuhnya kalo ada dua makhluk besar kayak gajah bertengkar. Pelanduk di hutan yang kebelutan berada di sana sampai-sampai jadi korbannya. Sekarang coba bayangkan kalo dua gajah yang berantem itu dituker sama dua raksasa. Godzilla, si Raja Monster, yang bisa menembakkan sinar atomic dari mulutnya. King Kong, gorila-kelewat-subur yang bisa mencabut pohon hingga ke akarnya, seenteng nyabutin uban. Dua monster raksasa itu berkelahi. Dan memang, manusia – kita-kitalah – yang jadi pelanduknya. Tapi itu tidak berarti kita mati di tengah-tengah. Karena nyatanya, film Godzilla vs. Kong garapan Adam Wingard ini membuktikan kita justru happy sehappy-happy-nya berada tepat di tengah-tengah pertempuran kolosal tersebut. Menonton rangkaian aksi fantastis dengan decak kagum. This is pure entertainment. Seganas-ganasnya. Seliar-liarnya.

Adam Wingard paham betul bahwa orang-orang rela menghabiskan waktu dengan mendekam pake masker di bioskop demi melihat Kong dan Godzilla baku hantam. Apparently, bukan orang Indonesia saja yang doyan nonton keributan haha… Yang jelas, Wingard mengerti yang diinginkan oleh penonton. Maka dia membuat Godzilla vs. Kong sebagai sajian yang gak muluk-muluk dalam hal plot atau cerita. Simpel aja. Beberapa ilmuwan ingin mencari sumber energi baru. Jadi mereka memutuskan untuk mencari ke dunia tempat asal muasal para Raksasa. Mereka butuh Kong, untuk katakanlah, jadi guide ke Hollow Earth tersebut. Perjalanan panjang itu harus mereka lakukan dengan ‘diam-diam’ karena Kong dan Godzilla sudah turun temurun jadi bebuyutan. Apalagi Godzilla si penjaga bumi dari monster-monster raksasa asing, sudah mulai aktif ya Bun.. eh maksudnya, sudah mulai aktif berpatroli kembali. Ada sesuatu yang mengganggu si Godzilla. Menyebabkan monster reptil raksasa itu jadi beringas. Para ilmuwan tentu saja tidak mau keberadaan Kong sampai diketahui oleh Godzilla. Tentu saja yang namanya malang, tak dapat ditolak. Tapi ternyata Godzilla memburu ke tempat yang salah. Bukan Kong yang harusnya diberangus oleh Godzilla. Melainkan maut yang secara rahasia dikembangkan oleh perusahaan Apex di tengah-tengah kota!

Aksi berantem para monster raksasa memang terdeliver dengan super seru. Seperti pada Godzilla: King of the Monsters tahun 2019 yang lalu, kita akan dibuat puas oleh adegan-adegan perkelahian antarmonster. Keunikan dan hal spesial dari masing-masing mereka, dicuatkan dalam pengadeganan dan koreografi aksi. Wingard pun sering bermain dengan kamera. Menaruhnya seakan di lengan Kong, misalnya. Membuat kita merasakan pov berantem itu secara langsung. Sutradara King Kong vs. Godzilla original (1954) versi Jepang, Ishiro Honda, pernah bilang bahwa kejadian ada King Kong melawan Godzilla itu kan sebenarnya konyol banget, tugas filmmaker di sini adalah bagaimana memanggungkannya. Bagaimana mendesain kejadian dan situasi sehingga perkelahian dua makhluk reka ini menjadi epik. Dalam film original tersebut, Honda membuat pertempuran Kong dengan Godzilla itu sebagai satir dari perang rating industri pertelevisian Jepang pada saat film itu dibuat. Dalam Godzilla vs. Kong terbaru ini, sutradara Wingard tidak mensatirkan macam-macam. It’s just a plain monster melawan monster, namun ternyata manusia adalah monster sebenarnya, dan kemudian balik lagi menjadi monster melawan monster. Kesimpelan itu dibikin impas oleh Wingard lewat visual yang luar biasa. Panggung yang dibicarakan oleh Honda, well, Wingard di film ini menciptakan bukan hanya satu, melainkan tiga panggung yang superinteraktif dalam perkelahian Kong dengan Godzilla. Pertempuran di tengah laut. Di dalam laut – dengan serpihan kapal dan pesawat bagai bintang-bintang di sekitar mereka. Pertempuran malam hari bermandikan lampu neon gedung-gedung di kota Hong Kong. Shot-shotnya keren semua. Pertempuran di kota normal, well, let’s make that a handicap – the more the merrier!! Wingard gak abis akal untuk mengisi separo dari durasi film ini dengan gempuran aksi. Semuanya benar-benar memanjakan imajinasi anak kecil yang tertidur di dalam diri kita.

Actual improvement yang dilakukan oleh Wingard terletak pada pengkarakteran. Dua film awal Monsterverse, Kong: Skull Island dan Godzilla: King of the Monsters punya dosa yang sama; yakni karakter manusianya gak ada development dan, terutama sangat boring. Nah, boring itu bukan sebuah masalah pada film ini. Wingard membumbui karakter-karakter yang ia punya, secukupnya. Kita akan lihat ada karakter seorang podcaster yang paranoid, dia percaya beberapa konspirasi. Karakter ini juga berfungsi sebagai comedic relief berkat reaksi-reaksinya. Millie Bobby Brown kembali melakoni perannya sebagai Madison Russell. Madison dalam cerita ini diberikan sidekick – yang diperankan dengan kocak oleh Jullian Denison, mereka eventually bakal team up dengan si podcaster. Petualangan kecil-kecilan mereka mengungkapkan rahasia perusahaan Apex sebenarnya cukup menghibur, hanya saja tidak banyak diberikan waktu. Porsi mereka harus mengalah kepada porsi tim ilmuwan yang melakukan perjalanan bersama Kong. Dalam tim tersebut karakter menariknya adalah seorang anak kecil perempuan bernama Jia (diperankan dengan adorable oleh aktor cilik tunarungu Kaylee Hottle) Anak ini punya hubungan khusus dengan Kong. Bayangkan film horor yang biasanya ada karakter anak kecil yang bisa berkomunikasi dengan hantu. Nah, Jia ini mirip seperti itu. Dia secretly bisa berkomunikasi dengan Kong pake bahasa isyarat. Malahan, hanya omongan Jia-lah yang mau didengar oleh Kong. Dinamika Jia dengan Kong memberikan hati kepada film ini. Cerita mereka cukup diflesh-out, kita diberitahu latar kenapa Jia bisa dekat dengan Kong, sehingga kita jadi peduli sama persahabatan keduanya.

Baik Godzilla maupun Kong, mereka sebenarnya berkelahi untuk melindungi. Untuk menjaga teritori. Untuk menjaga orang atau sesuatu yang dipedulikan. Dalam cerita ini, dan dalam kebanyakan hal, justru manusialah yang predator. Berkelahi untuk menguasai. Bertempur, dan menciptakan alat serta teknologi, untuk mendapatkan yang dimau.

Dan uniknya, bahkan karakter monster pun diberikan ‘warna’ lebih banyak oleh sutradara. Misalnya, si Kong. Actually malah kalo dipikir-pikir, Kong-lah yang jadi tokoh utama. Peran Kong di sini benar-benar integral ke dalam cerita. Dia punya arc, tidak lagi sekadar muncul sesekali untuk adegan aksi. Kita merasakan motivasi Kong untuk melindungi. Kong juga diberikan momen personal ketika dia kembali ke kampung halamannya (di situ kita juga disiratkan sedikit mengenai latar karakter Kong). Film melakukan langkah ekstra untuk meniupkan kepribadian ke dalam Kong. Salah satunya adalah dengan menggunakan lagu latar untuk beberapa adegan yang menunjukkan kegiatan ataupun apa yang dirasakan oleh Kong. Seperti pada adegan opening yang mengeset ada hubungan khusus antara Kong dengan si Jia, kita mendengar lagu tentang seseorang dengan gadis cilik. Karena tone keseluruhan dijaga untuk tetap ringan, maka pilihan lagu yang digunakan oleh film ini untuk Kong tersebut kadang-kadang bisa terdengar cheesy. Tapi sepertinya tidak akan mengganggu banget, karena kapan lagi kita melihat Kong diberikan karakter yang cukup banyak untuk bisa diperbincangkan. Sebaliknya, si Godzilla di film ini kurang banyak tampil. Godzilla di sini digambarkan agresif, sebagian besar waktu terlihat seperti dia-lah antagonisnya. Sehingga beberapa fansnya mungkin bakal kecewa, dan bisa jadi keberatan karena Godzilla sedikit keluar dari karakternya sebelum film ini. I know, karena walaupun aku bukan penggemar berat Godzilla, tapi melihat dia di-close up tersenyum jahat ala Bezita tetep saja terlihat aneh.

Memang harus diakui, film seperti ini akan selalu kebentur masalah dalam penyeimbangan antara aksi dengan karakterisasi. Dan eksposisi. Penonton boleh saja pengen melihat aksi seru, tapi yang sebenarnya akan diingat dan dinikmati oleh penonton tentu adalah ceritanya. Journey karakternya. Wingard berkutat dan akhirnya memilih formula yang sama. Nyaris 50 persen aksi, dan sebagiannya lagi adalah gabungan dari eksposisi dan karakter. Eksposisi tidak bisa dihilangkan karena bagaimana pun juga penjelasan terhadap apa yang terjadi, teknologi, mitos, serta konsep Hollow Earth itu sendiri perlu untuk diinformasikan.Wingard yang mau membuat film ini ringan dan total menghibur, tak punya pilihan lain selain mengorbankan development karakter. Sehingga Godzilla vs. Kong heboh di luar, tapi dalamnya tetap masih hampa. Aku tak mengerti kenapa formula ini terus dipakai. Kenapa memilih setting cerita yang butuh eksposisi, kenapa mereka tidak membuat pure dari sudut pandang monster raksasanya, misalnya. Di balik keseruan bag-big-bug, kita tidak terlalu perhatian lagi sama cerita. Malah mungkin, ada penonton yang gak peduli (dan gak ingat) ceritanya apaan. Kalo ada yang bilang film ini adalah “mindless destruction” maka itu benar. Dalam artian mindless yang betul-betul tidak mikirin apa-apa. Para Titan bertarung di kota, di antara gedung-gedung, yang hancur gitu aja seolah tempat itu kosong.

Ritme kejadiannya juga bisa lebih diperhatikan lagi. Karena film ini tuh kayak berjalan dengan aneh. Mereka menghabiskan lebih banyak waktu untuk memperlihatkan mengangkut Kong ke Hollow Earth, ketimbang petualangan di Hollow Earth itu sendiri. Menurutku durasinya terlalu singkat. Mungkin karena budget juga, maka Hollow Earth kurang dieksplor. Adegan Kong berantem ama Godzilla di sana aja gak ada. Padahal bisa seru kalo mereka berlaga di tengah medan yang gravitasinya berbeda. Film ini paling datar, ya memang di Hollow Earth itu. Aku bahkan gak ingat kalo Kong itu raksasa tinggi besar karena selama di sana sedikit sekali shot yang nampilin skala. Sedikit sekali yang menunjukkan betapa menakjubkannya ukuran dunia tersebut. Petualangan tim Millie Bobby Brown juga deserves more time. Dan kupikir lucu sekali, karakter Madison dan Jia sama sekali tidak pernah bertemu. Mereka tidak berkesempatan bertualang bersama. Tidak ada interaksi. Padahal bisa saja seru, soalnya Madison bisa dibilang kubu Godzilla sedangkan Jia sekutu dari Kong. Film seharusnya bisa menampilkan lebih banyak hal, sementara tetap ringan dan menghibur.

Kita ingin melihat dua monster raksasa yang ikonik berantem, dan persisnya itulah yang diberikan film ini kepada kita. Semua pertarungan diceritakan dengan memanjakan kehausan kita terhadap keributan skala epik. Dan yang membuatku tercengang adalah, film ini benar-benar ngasih kita pemenang pada duel maut ini! Karakter-karakter di dalam cerita dibuat tidak membosankan, mereka diberikan trait-trait yang unik. Pokoknya film ini seru dan menghibur. Dan di situlah film ini memberi garis batas. Karena dia gak pernah keluar dari garis tersebut. Tidak banyak development pada karakter-karakter menarik tadi. Alur ceritanya pun relatif simpel. Ini bisa jadi kelemahan atau sebaliknya jadi nilai lebih, tergantung darimana penonton menilai ‘hiburan’ bagi mereka sendiri. Bagiku, film ini oke, tapi memang mestinya bisa lebih seru lagi. Ritme dan petualangan, serta pertarungannya mestinya bisa lebih diperhatikan lagi. Karena ada beberapa bagian yang terasa seperti film ini melewatkan kesempatan besar.
The Palace of Wisdom gives 6 out of 10 gold stars for GODZILLA VS. KONG

That’s all we have for now.

Perusahaan jahat di film ini bernama Apex, yang diambil dari istilah ‘apex predator’. Mengisyaratkan bahwa manusia adalah predator puncak dari rantai makanan. Apakah menurut kalian predator memang lebih baik daripada makhluk lain di bawahnya?

Share with us in the comments

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

We?
We are the longest reigning BLOG KRITIK FILM TERPILIH PIALA MAYA

MY DIRT SHEET

~ enter Palace of Wisdom, if you are invited

Tag Archives: friendship

PETER RABBIT 2: THE RUNAWAY Review

LUCA Review

ALI & RATU RATU QUEENS Review

INFINITE Review

PERSEPSI Review

CRUELLA Review

NOBODY Review

[Reader’s Neatpick] – FLIPPED (2010) Review

TERSANJUNG: THE MOVIE Review

GODZILLA VS. KONG Review

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this:

Share this:

Like this: