Tag: life

MOLLY’S GAME Review

Posted on by Arya

“The most dangerous phrase in the English language is ‘be a man’”

 

 

Pernikahan adalah jebakan. Bermasyarakat adalah lelucon. Dan orang-orang? Molly Bloom enggak percaya sama orang. Tadinya Molly sendiri enggak mengerti, kenapa dia tumbuh sebagai seorang remaja yang begitu sinis. Sampai kejadian yang mengubah hidupnya jungkir balik itu terjadi. Molly tadinya sudah hampir menjuarai pertandingan ski. Sejak kecil dia sudah berlatih sehingga sukses mencapai kelas profesional. Molly bertanding untuk olimpiade, padahal dia punya masalah yang bukan main-main dengan tulang belakangnya. Eventually, Molly mengalami cedera serius. Molly selamat dari kematian, namun karirnya sebagai atlit ski profesional tamat sudah. Dia dapat kesempatan untuk memikirkan kembali seluruh hidupnya dan entah bagaimana, wanita ini jadi bekerja sebagai host permainan poker underground. Karena pekerjaannya tersebut, sekarang Molly dikenai tuduhan kriminal. Dan kemudian dia menulis buku yang isinya mengekpos dunia selebriti dan poker gelap yang ia geluti. Dan ini adalah kisah yang sangat aneh. Dan aku sengaja menyebut hal ini terakhir sebagai kejutan; kisah Molly Bloom ini adalah kisah nyata.

Mengepalai kisah hidup yang benar-benar aneh, penulis Aaron Sorkin membuktikan kebolehannya sebagai sutradara untuk pertama kali. Dia mengarahkan cerita dengan benar-benar kompeten. Kita akan dibawa mengikuti Molly dengan penceritaan yang detil. Film ini berisik oleh sekuen-sekuen dialog. Sebagian besar di antaranya adalah narasi voice-over oleh tokoh Molly. Biasanya penceritaan begini akan menurunkan nilai film, karena kita diberitahu poin cerita alih-alih diperlihatkan, namun Sorkin menemukan cara untuk memanfaatkan hal tersebut ke dalam cerita. Narasi voice-over dalam film ini tidak terasa seperti menyuapi kita dengan informasi sehingga menjadi membosankan. Malah, dua-setengah jam itu enggak terasa lantaran narasinya menarik. Beberapa momen memang tidak tampak menambah banyak buat cerita, melainkan justru memperlambat pace, tapi karena ditangani dengan memikatlah kita gak akan benar-benar mempermasalahkannya.

Terkadang, narasi membutuhkan banyak ekposisi, namun Sorkin melakukannya dengan cepat, dan dia memastikan kita benar-benar butuh informasi yang ia beberkan. Dalam adegan bermain poker, misalnya. Kita didudukkan pada tempat duduk yang sama dengan Molly. Dia mengobservasi permainan, kita diperkenalkan sama istilah-istilah permainan yang mungkin enggak semua penonton mengerti. Kemudian untuk adegan permainan selanjutnya kita tiba-tiba sudah mengerti psikologi di balik permainan tersebut, kita paham rintangan pada langkah yang diambil para tokoh yang sedang bermain poker. Di mana Molly pada poin ini? Dia sudah menjadi kepala penyelenggara permainan. Begitu tangkasnya alur mengalir, pace yang disajikan amat thrilling sehingga kita gak sadar sudah terlena mengikutinya. I mean, sepertinya aman untuk mengatakan penceritaan Sorkin membuat kita kecanduan sama kehidupan Molly yang luar biasa.

serius deh, cerita kayak gini sama normalnya dengan setiap kali main Poker kita dapat full house

 

Jessica Chastain pernah bermain dalam film yang buruk, namun sebagai aktris, Chastain tidak bisa menjadi sebuah aktor yang buruk – apapun perannya. Paling enggak, aku belum pernah nonton film yang jelek karena akting Chastain. Dalam Molly’s Game, dia bermain dengan sangat terrific. Karakternya sendiri sudah menarik sedari awal, dan bagaimana Chastain menghidupkannya membuat Molly mekar berkembang menjadi peran yang hebat. Kalo ini sedang ngulas gulat, maka aku akan bilang Chastain punya mic skill yang dahsyat. Maksudku, setiap kalimat yang ia ucapkan terasa punya bobot, lengkap dengan emosi yang meyakinkan. Begitu compellingnya sehingga aku merasa kalolah dia menyeramahiku, Chastain’s Molly bisa menyebut semua pilihan-pilihan salah yang sudah kuambil sepanjang hidupku, dan aku akan melaksanakan semua nasehatnya tanpa argumen. That’s how convincing she was.

Sosok pahlawan bagi kebanyakan anak perempuan biasanya adalah bapaknya. Tapi bukan buat Molly. Sedari kecil, Molly enggak punya pahlawan, enggak punya tokoh panutan. Malahan, bisnis poker illegal yang ia lakukan, tanpa ia sadari, adalah perwujudan perlawanannya terhadap sang ayah. Sebagai cara bagi Molly untuk punya kontrol di atas pria-pria yang lebih berdaya.

 

Sorkin mengambil sebuah pertaruhan yang besar ketika ia mengembangkan kisah hidup Molly Bloom sebagai naskah film. Sebab ini adalah film yang stake ceritanya terlihat ngambang, gak jelas. Padahal setiap film harus punya stake yang terang sehingga penonton dapat terkonek dan peduli dengan protagonisnya. Materi yang dipunya Sorkin adalah seorang wanita yang sudah kehilangan segalanya. Tragedi di olimpiade itu adalah titik balik; Molly sudah kehilangan segalanya di awal cerita. Dan sebagaimana pepatah lama bilang, “saat kau ada di dasar, jalan yang ada hanya ke atas”. Tantangan dan resiko yang diambil oleh Sorkin sebagai penulis merangkap sutradara adalah dia harus memutar caranya gimana supaya kita peduli apakah nanti Molly bisa bebas atau hidup dalam penjara, sementara kita tahu dipenjara atau enggak sama sekali udah gak banyak bedanya bagi Molly. Bukan hidupnya, melainkan hanya reputasi yang jatoh kalo dia dipenjara. Jadi, perjalanan dalam film ini dibuat Sorkin sebagai somewhat psikologikal, perjalanan ke dalam diri yang dilakukan oleh Molly – dia harus mencari tahu pijakan moralnya sendiri, mencari tahu apa yang menyebabkan dirinya begitu tertarik menyambung hidup sebagai seorang host poker illegal.

Poker dan film punya satu kesamaan; ada taruhannya.

 

Kita akan eventually mengetahui lapisan terdalam yang memotivasi Molly. Tidak peduli betapa powerful dan berkuasanya pria di sekitar Molly, dirinya selalu bisa untuk mengambil kendali. Molly pinter, tegas, dan sudah terlatih untuk tidak terintimidasi.  Tentu, dia toh terscrew up juga oleh pria – dalam film kita melihat seorang seleb yang tadinya langganan permainan poker Molly malah ‘mengkhianati’ dengan almost literally pindah ke meja lain, tetapi Molly selalu siap berdiri dengan pinggangnya yang cedera. Actually, bagian akhir film yang mengungkap penjelasan ini, tentang keunggulan dan kelemahan karakter Molly, adalah bagian yang menurutku malah menyepelekan nilai penceritaan yang sudah dibangun oleh film di awal. Juga menurunkan kadar temanya yang soal bahwa wanita enggak kalah dari laki-laki.

Adegan yang dimaksud itu adalah ketika Molly yang sedang galau oleh banyaknya tuduhan kriminal dan sebagainya, berjalan gitu aja ke ring ice skating. Dia memutuskan untuk bermain sebentar, menyewa sepatu skate dengan menggadai sarung tangan Chanel, dan ketika dia bermain ice skating, seseorang memanggil namanya. “Molly!” Ia terjatuh. Di luar ring, ujug-ujug ada ayahnya. Adegan ini begitu konyol buatku, tadinya aku menyangka sosok si ayah itu hanya imajinasi Molly. Ayah (Kevin Costner memainkan seorang ayah sekaligus psikolog yang disiplin) selama ini bersikap tegas dalam mendidik dan melatih Molly. Beliau adalah tipe ayah yang akan kecewa padamu, meskipun kau sudah jadi juara kelas, hanya untuk terus memompa semangat juangmu. Jadi kupikir akan sangat emosional sekali bagi Molly mengingat sang ayah di tempat yang sudah lama ia tinggalkan, akan sangat masuk akal jika momen ini akan jadi momen penyadaran bagi Molly. Tapi ternyata film malah membuat si Ayah benar-benar ada di sana; faktor kebetulan berusaha mereka tutupi dengan menyebut Ayah tahu Molly ada di mana dari Ibunya, meskipun asumsi yang kita dapat dari konteks adegan sebelumnya adalah Molly enggak pernah exactly mutusin akan ke ice skate – dia hanya berjalan ke arah sana. Ayahlah yang mengungkapkan apa yang selama ini jadi kelemahan Molly, apa yang membuatnya getol bikin poker gelap, darimana motivasi Molly berasal. Sesungguhnya ini semua berlawanan dengan aspek karakter dan cerita yang sudah dibangun, kenapa Molly yang mandiri dan pintar harus dijelaskan tentang dirinya sendiri oleh pria yang selama ini ia antagoniskan?

Bahkan lebih aneh lagi jika kita sambungkan konteksnya dengan adegan sebelum ice skating itu berlangsung. Sebuah adegan yang merupakan titik balik dari hubungan Molly dengan pengacaranya. Di adegan ini Idris Elba melakukan monolog menakjubkan tentang bagaimana selama ini dia salah menilai Molly. Bahwa Molly lebih dari sekedar “Poker Princess”. Basically, Elba bilang kepada kita semua bahwa inilah saatnya kita sadar tentang kebaikan Molly dan segera mendukungnya. Hanya karena dia membuat kesalahan, bukan berarti Molly adalah penjahat. Jadi, aku mengerti supaya arc Molly beres, dia kudu bisa melihat koneksi dirinya dengan sang ayah. Hanya saja, membungkus arc yang demikian dengan dia mendapat penjelasan dari si ayah benar-benar melemahkan karakter Molly sendiri.

Semua pemain poker dalam film ini adalah pria-pria kaya, terkenal, punya jabatan. Dan kebanyakan mereka jatuh bangkrut akibat ulah sendiri. Molly yang dibesarkan supaya setangguh laki-laki kecanduan untuk mengontrol mereka, dan pada gilirannya Molly juga dijatuhkan oleh pria-pria yang bahkan nama mereka enggak berani diungkap oleh Molly dalam bukunya. Molly bermain sebagai pria jantan, tapi permainan itu bubar dengan cepat. Film ini mengeksplorasi tentang betapa kemaskulinan dapat menjadi racun bukan hanya kepada pria, namun juga kepada wanita. Kepada society. Karena bagaimanapun juga, pria dan wanita tetap saling bergantung satu sama lain.

 

 

 

 

Debut sutradaranya ini membuktikan kekompetenan Aaron Sorkin sebagai pengarah cerita. Akan tetapi, penampilan akting, dialog yang memikat, dan fakta bahwa ini adalah kisah nyatalah yang membuatnya menjadi film yang spesial. Salah satu penulisan yang paling menarik di tahun 2017. Pacing film bisa terasa sangat lambat, pilihan yang diambil untuk menyelesaikan plotnya pun enggak benar-benar kartu as. Tapi yang diceritakan film ini sebenarnya penting untuk kita saksikan.
The Palace of Wisdom gives 8 gold stars out of 10  for MOLLY’S GAME.

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

DILAN 1990 Review

Posted on by Arya

“The last generation’s worst fears become the next one’s B-grade entertainment“

 

 

Tidak hingga duduk di bioskop menonton Dilan 1990lah, aku baru menyadari bahwa tahun 1990 itu sudah begitu jauh tertinggal di belakang. I mean, kita lebih dekat ke 2030 ketimbang balik ke masa Dilan pacaran lewat telepon umum sama Milea. Bayangkan ini sejenak, pliss.. Ini bukan masalah aku merasa tua (dooo yang tua gak mau ngakuu), tetapi melihat apa yang Dilan dan Milea lakukan, kebiasaan-kebiasaan mereka sehari-hari, gaya pacaran mereka yang tampak ajaib dan sangat menarik bagi penonton remaja di dalam studio tadi, membuatku tersadar;

Memang perjuangan generasi lain terbukti adalah hiburan buat generasi sesudahnya.

 

Jika ditayangkan di era 90an, film ini pastilah laris manis sebagai kisah cinta yang juga manis. Tapi, bagi kita yang menontonnya di tahun 2018, Dilan 1990 adalah sebuah romansa remaja yang unik. Di sinilah letak kekuatan film; dirinya terlihat beda sekaligus masih relevan dengan kondisi kekinian. Dilan, Milea, orangtua, guru, dan teman-teman mereka terasa seperti orang-orang di sekitar kita. Apa yang mereka lakukanlah yang bakal menarik minat kita, terutama Dilan. Hal-hal kecil kayak kerupuk dan percakapan sepele dan terlihat gak-jelas mereka memang romantis in their own unique way. Sebagian besar penonton mungkin gak akan pernah mengalami rasanya deg-degan nelfon ke rumah gebetan dengan stake bokap yang galak bisa saja yang mengangkat telfon. Atau belum pada pernah kan nelpon gebetan tapi yang ngangkat malah pembantu yang gak kalah genitnya? haha… Belum lagi mempertaruhkan koin untuk membayar telpon umum. Film ini menggambarkan itu semua dengan sederhana, sehingga tak pelak menjadi kocak.

Kisah adaptasi novel ini dibuka dengan sosok Milea yang sudah dewasa mengetik di laptopnya. Dia menulis cerita semasa SMA, ketika dia pindah ke Bandung, dan menjadi murid baru. Cerita yang ditulis Milea inilah yang menjelma jadi tontonan kita. Milea yang cakep (Vanesha Prescilla tampak seperti gak berakting di debutnya ini) lantas jadi primadona baru. Banyak yang naksir. Terutama si Dilan (meski sempat diragukan penggemar novel, Iqbal Ramadhan menghidupkan tokohnya dengan cukup kompeten). Cowok anak geng motor ini punya cara yang paling berbeda dalam mendekati Milea. Dia mengaku peramal. Ramalan ngasal, hadiah-hadiah aneh,  dan kegigihan Dilan tampaknya memang cukup ampuh. Milea luluh. Dan kita dibuat terenyuh melihat akrab dan dekatnya mereka. Sedikit konflik yang dihadirkan film ini adalah ketika masa lalu Milea datang, begitupun saat dunia geng motor Dilan menyebrang di lalu lintas roman mereka.

easter egg menyenangkan buatku; Vanesha membaca Olga dan Sepatu Roda, dan kakak Vanesha – Sissy – pernah meranin Olga di serial tv~

 

Hampir mustahil untuk membenci film ini, it’s a very lighthearted teenage… um, aku mau bilang ‘teenage drama’ tapi sepertinya kurang tepat. Lantaran there’s hardly  any dramas presented here. Konflik dalam cerita muncul di akhir-akhir dan semacam datang gitu aja. Klimaksnya nyaris enggak ada. Ini tentu saja dapat jadi ‘meh’ buat sebagian penonton, terutama yang menginginkan tantangan dalam cerita. Buatku, Dilan 1990 berlalu begitu saja. Aku tidak merasakan apa-apa kepada film ini. Kecuali mungkin sedikit kebosanan. Aku gak tahu ke arah mana narasi berjalan. Bahkan hingga ke menit 100an pun, aku belum bisa meraba apa end game film ini. Maksudnya, KENAPA MILEA DEWASA MENCERITAKAN SEMUA ITU KEPADA KITA. Motivasi Milea ingin menceritakan tentang cowok yang mengiriminya TTS yang udah diisi – kenapa kita harus peduli tentang itu? Kenapa kita wajib tahu siapa yang mengajarin dia pentingnya mengucapkan selamat tidur setiap malam? Film sangat kurang dalam mengeksplorasi ini. Bukan tanpa tujuan, hanya saja tujuannya sangat enggak penting, enggak mencengkeram. Katakanlah, jika kita melihat pada saat dewasa mereka tidak bersama, atau eventually menikah, atau ada sesuatu yang terjadi kepada Dilan saat dewasa, film ini akan terasa terpenuhi. Tapi film tidak memberikan alasan untuk kita peduli kepada apa yang terjadi, alasan kenapa kita harus menonton semua ini selain materinya berasa dari novel yang sangat populer.

Sebagai karakter, Milea kayak kertas putih. Kertas yang bakal ditulisi oleh tokoh-tokoh lain.Milea nyaris tidak punya karakter sendiri. Kita tidak melihat siapa dia on the inside untuk setengah film. Aku mempertanyakan pilihan cerita ketika Milea dijadikan sektretaris tanpa alasan, padahal itu adalah waktu yang bagus untuk menunjukkan traits baik yang dimiliki oleh karakternya. Keputusan personal yang dibuat sendiri oleh Milea muncul di paruh akhir, ketika dia ngelarang Dilan ikut berantem dengan geng motor. Film harusnya berputar membahas ini lebih banyak. Ada satu sekuen yang menurutku akan menarik sekali jika ditarik konflik, yaitu saat Milea memutuskan untuk membereskan kamar Dilan. Ini merefleksikan Milea ingin ‘memperbaiki’ Dilan, dan menurutku gak bakal ada yang senang disuruh berubah, bahkan oleh pasangan. You don’t just go around fixing people stuff. Tapi nyatanya, sekuen ini hanya digunakan oleh narasi sebagai device Milea mengetahui puisi buatan Dilan.

Rindu itu berat. Kadang pelampiasan yang bisa kita usahakan hanya dengan menuliskannya. Hanya kenangan yang dipunya Milea.

 

Ada alasannya kenapa aku lebih suka baca Lupus dan Olga ketimbang membaca novel seperti Dilan. Dalam Lupus, kalimat romantis yang kita temui adalah semacam “Masih ada becak yang bakal mangkal”. Kedengarannya lebih akrab, dan lebih mungkin untuk diucapkan tanpa mengurangi maknanya. Mendengar bahasa Dilan kepada Milea, kadang terasa menggelikan. Dilan ini udah kayak Gusur digabung ama Boim kalo di novel Lupus. Dia enggak exactly tokoh yang menguar karisma karena film tidak pernah benar-benar adil dalam menyorotnya. Dilan menghajar guru karena leher bajunya ditarik. Dia tidak berasal dari keluarga broken home, seperti trope kebanyakan. Dari kutipan poster di kamarnya, kita dapat melihat motivasi kenapa Dilan bergabung dalam geng motor, kenapa dia bandel, tapi moral Dilan tidak pernah benar-benar convincing. Kita mestinya bersimpati padanya, tapi aku bahkan gak tau kenapa Dilan jatuh cinta kepada Milea.

Setiap Dilang ngomong, pengen nimpalin dengan “Eaaaa!” “Eaaaaa!”

 

Tidak ada layer di dalam cerita; sesungguhnya ini pun turut menjadi masalah pada film-film remaja lokal yang lain. Kebanyakan hanya tentang bad boy yang sebenarnya baek, pacaran ama cewek baek-baek (yang seringnya sih anak baru), lalu ada cinta segitiga, dan ada sobat cewek yang biasanya cupu dan naksir diem-diem. Ini trope usang yang selau dipake di romansa remaja film Indonesia. Menonton aspek ini setelah di dunia ada yang namanya Lady Bird (2017) adalah kemunduran yang nyata. Sebagian besar waktu, film tampak dibuat dengan kompeten. Mereka berusaha mewujudkan periode 1990 ke layar, dan seperti yang kubilang tadi aspek ini adalah yang menonjol baik dalam Dilan 1990. Di babak awal saja, konstruksi adegannya monoton; kita akan sering banget melihat adegan semacam Milea lagi diskusi atau ngobrol, kemudian datang distraksi dari Dilan entah itu dalam wujud surat atau memang hadir langsung, dan ditutup dengan Milea ngerasa canggung dan musik yang so sweet mengalun di latar. Juga ada adegan berantem, yang menurutku masih perlu banyak ‘dikerjain’ lagi. Kamera masih goyang gak jelas. Turut mengganggu pula beberapa penggunaan CGI, green-screen yang gak benar-benar diperlukan. Begitu pula halnya dengan penggunaan montase flashback yang memberikan sensasi manis yang palsu, dan merendahkan daya ingat penonton.

 

 

Kalo remaja mencari jati diri, maka film ini adalah remaja abadi yang terus mencari tanpa dirinya pernah tahu di mana pentingnya yang ia diceritakan. Romansa yang ditampilkan memang unik dan menyenangkan, banyak remaja akan suka film ini. Pemainnya pun kece-kece. Tapi film mestinya lebih dari sebuah pemandangan cinta. Aku gak membenci film ini, malahan aku bilang hampir mustahil ada yang nonton dan bilang benci. Selain bosan dan geli-geli, film ini tidak memberikanku apa-apa lagi karena poin narasinya tidak pernah membuat kita benar-benar peduli. Mungkin urgensi itu tertinggal di tahun 90an. Aku gak tahu. Aku bukan peramal.
The Palace of Wisdom gives 5 gold stars out of 10 for DILAN 1990

 

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

MAZE RUNNER: THE DEATH CURE Review

Posted on by Arya

“To attain something of  greater value, one must give up something of lesser value.”

 

 

 

Maze Runner benar-benar seri FILM YANG BERLARI DENGAN CEPAT. Jika bukan karena kecelakaan yang terjadi pada bintangnya di lokasi syuting, kita akan mendapat sekuel ini exactly dalam per satu tahun yang berurut. Cerita yang  berjalan dengan cepat, para tokohnya literally berlari dari satu plot poin ke plot poin berikutnya, intensitas aksi yang ditawarkan nyaris nonstop – inilah yang membuat Maze Runner sedikit berbeda dalam kalangan cerita dystopia Young Adult yang lain. Ini juga sebabnya kenapa, di tahun yang bisa kita sebut sebagai faktual distopis bagi seri Young Adult, kita menonton sekelompok anak muda berusaha merampok gerbong kereta api yang tengah berjalan. Adegan aksi pembuka The Death Cure tak pelak melanjutkan tradisi seri ini yang hobi berlari; ceritanya menolak untuk berhenti dan memberikan kesempatan kepada penonton baru untuk naik ke atas plot cerita. Kita yang harus berlari mengejar ketinggalan, sebab film hanya akan sesekali mengerem sedikit untuk memberi informasi sebagai penunjuk jalan.

Kelompok Thomas-lah yang sedang berusaha menyabotase kereta api tersebut. Mereka ingin menyelamatkan salah satu rekan mereka yang sedang dalam perjalanan ke kota tempat markas Organisasi Rahasia WCKD yang selama ini sudah memperlakukan mereka sebagai binatang percobaan di dalam labirin. Dan sekarang, setelah darah Thomas dan kawan-kawan terbukti kebal terhadap virus semacam zombie yang menjangkiti seluruh penjuru dunia, WCKD ingin memanfaatkan darah tersebut sebagai bahan utama pembuatan vaksin. Thomas dan anak-anak remaja lain yang sehat adalah properti WCKD, mereka ‘dibiakkan’, darah mereka bisa digunakan seenaknya oleh WCKD. Thomas dan kawan-kawan bagai domba yang dipersiapkan untuk menjadi korban. Tetapi domba-domba yang satu ini adalah domba yang sadar akan kemampuan dan jumlahnya. Jadi tentu saja Thomas menolak. Dan sekarang, Thomas sedang berjuang menyelamatkan Minho dari gerbong kereta. Hanya saja, Thomas tidak menemukan Minho di dalam gerbong yang susah payah mereka bajak. Puluhan anak baru berhasil diselamatkan, namun lantaran Minho masih diculik, Thomas dan kawan-kawan pun bergegas menuju The Last City. Jika sebelumnya, mereka harus keluar dari tembok, kini mereka harus berjuang untuk menyelinap masuk demi menolong Minho. Sekaligus menyelamatkan dua-puluh delapan anak-anak lain. Jangan sampai mereka salah nolong lagi kali ini.

Kepanjangan dari akronim WCKD berasa kayak diambil dari komik Donal Bebek

 

Benarkah kita bisa salah menolong? Dalam kondisi bagaimana kita merasakan sudah melakukan kesalahan saat kita sudah  membantu orang? Dan kalopun kita memang melakukannya, apa yang kita rasakan sesudah itu – penyesalan? Nyesal udah membantu orang lain padahal ada yang lebih pengen kita bantu? Ultimately, film ini akan menghadirkan kepada kita keambiguan moral mengenai  mengedepankan kebaikan yang lebih kecil ataukah kebaikan yang lebih besar meski itu berarti kita harus berkorban banyak.

 

Aku memang cukup tertantang oleh gagasan dan sudut pandang yang dimiliki oleh narasi. Di sini kita punya Thomas sebagai protagonis, namun motivasi tokoh utama kita ini enggak muluk-muluk. Sedewasa apapun temanya,  semacho apapun aksinya, film tetap memperlihatkan Thomas sebagai anak remaja. Udah bukan anak kecil, tetapi tetap belum benar-benar matang dari segi emosi. Dan remaja toh memang sedikit egois. Thomas dan teman-teman enggak berniat untuk menyelamatkan dunia. Mereka ingin menolong ‘bangsa’ mereka sendiri. Kelompok yang udah gede bareng di Glade di tengah labirin. Kelompok yang udah bersama-sama dalam suka, meskipun lebih banyak dukanya.

Film juga cukup bijak dalam memainkan tokoh antagonisnya. Karena antagonis bukan berarti bisa disimpelkan menjadi tokoh jahat. Antagonis adalah tokoh yang menghalangi protagonis dalam mencapai keinginan.Dan dalam The Death Cure, kita dapat melihat bahwa kelompok yang berlaku semena-mena kepada teman-teman Thomas sesungguhnya bergerak demi kebaikan yang lebih besar. WCKD ingin menciptakan vaksin demi kesembuhan seluruh dunia. Narasi merepresentasikan kekompleksan WCKD sebagai antagonis ke dalam tiga figur yang  berbeda. Eventually, kita akan merasakan kompleks moral ini lewat tokoh Teresa, cewek yang pada film pertama mengkhianati Thomas dan terungkap sebagai salah satu imuwan yang memprakarsai remaja sebagai objek penelitian. Dan memang ada agen WCKD yang total jahat, namun tokoh ini bekerja dengan baik sebagai pembelajaran buat Thomas; dia ingin menggunakan vaksin untuk kepentingan pribadi, dan ini membuat Thomas sadar bahwa dirinya dengan si agen punya kesamaan, bahwa mereka perlu belajar soal pengorbanan.

Atau paling enggak, kita yang sadar mereka punya kesamaan. Karena lebih sering daripada tidak, tokoh-tokoh film ini tampak terlalu sibuk dengan berlari dari zombie, dari pasukan bersenjata, dari ledakan dahsyat, sehingga mereka lupa pegangan sama moral masing-masing. Big dump action adalah judul besar, kalo perlu ditulis di papan neon terang benderang, yang menggantung di atas film ini. Aksi-aksi seru namun mindless, malah sebagian besar sangat konyol, bakal mengisi sebagian besar dari seratus empat puluh menit waktu durasi. Kita akan melihat bis berisi anak-anak bergelantungan di atas kota, dan jatuh berdebam, dan semua selamat. Kita akan melihat adegan seru terus melaju, membuat babak akhir film terasa diulur-ulur karenanya. Seolah film ingin membuat kita lupa kalo banyak adegan-adegan aksi yang ia punya, sesungguhnya dipinjem dari film-film action lain. Membuat kita gak ingat ataupun jadi gak peduliin ada tokoh tak berhidung yang jangankan backstory, nasibnya di akhir cerita pun, tidak pernah disentuh lagi oleh narasi. It’s all about teenagers take on actions facing a huge world problem. Dan ledakan. Selalu ledakan.

Film ini udah kayak WCKD, mengekploitasi remaja demi universenya berputar

 

Secepat-cepatnya film ini berlari, aku masih mengingat betapa film Maze Runner yang pertama (2014) cukup mengesankan bagiku. Aku suka desain produksinya, aku suka aspek cerita tentang gimana mereka membangun society. Labirin itu memberikan elemen misteri yang fresh. Film yang kedua, aku suka separuh awalnya saja. Saat menonton yang ketiga ini, tampak jelas penyutradaraan Wes Ball sudah outrun source materialnya. Keseluruhan film tampak lebih mengesankan. Kubilang, film ketiga ini tampak lebih dekat seperti yang kedua, pengecualiannya adalah dia dilakukan dengan lebih baik dan lebih matang. Adegan-adegan aksi kejar-kejaran direkam semakin intens.  Bagian berantemnya, bagian yang tergolong ‘baru’ dalam seri ini, butuh penguasaan yang lebih lagi sebab kita melihat kameranya cukup banyak goyang dan enggak benar-benar merekam apa yang mustinya diperlihatkan. Di lain pihak, porsi penggunaan efek prostetik dengan penggunaan CGI tampak semakin bijak. Set jalanan kota terakhir di dunia itu tampak meyakinkan, enggak berlebihan, malah kelihatan sangat mungkin kota tersebut ada di dunia nyata.

Para tokoh juga diberikan arahan yang lebih dewasa. Tidak ada dialog-dialog klise. Enggak pake pancingan romansa norak. Dylan O’Brien sebagai Thomas membuktikan dia punya karisma sebagai tokoh lead di petualangan aksi fantasi kayak gini. Kali ini, Thomas memang tampak sebagai yang paling kurang beraksi dibanding yang lain – tugas O’Brien kebanyakan pasang tampang penuh determinasi. Adegan kebut-kebutan naik kereta api di awal tadi, misalnya. Aku cukup lucu juga melihat kenapa bukan Thomas yang nyetir mobil dan kenapa bukan dia yang kesusahan naik ke atas kereta; bukankah bisa jadi stake yang bagus kalo early kita diperlihatkan tokoh utama udah hampir mati. Namun kemudian setelah konteks cerita aku pegang, aku dapat melihat pilihan itu bekerja efektif dalam karakter Thomas. Untuk menunjukkan dia belum berkorban banyak saat cerita baru dimulai.

Dunia toh memang terletak di tangan anak-anak muda yang kuat, yang berpendidikan. Namun, dalam kepentingan kontinuitas dari umat manusia, mementingkan dua puluh delapan remaja di atas semua orang tetap adalah hitungan yang mengerikan.

 

 

 

 

Cepatnya film memang kadang terasa membingungkan, terlebih buat penonton yang baru pertama kali mengikuti seri ini. Ataupun buat penonton yang sudah lupa sama sekali akan ceritanya. Film tampak cukup pede dengan aksi-aksi seru yang ia punya, as it would expect us to sit through there menikmati sekuens dahsyat. Sesungguhnya ini dapat menjadi berbalik menjemukan, karena durasi yang panjang hanya efektif jika kita peduli sama tokohnya. Namun bagaimana bisa jika kita tidak kenal siapa mereka. Menjelang midpoint, akan ada kejutan berupa kembali salah satu karakter dari film pertama, dan ini bisa jatoh datar kalo penonton enggak tahu. Porsi cerita dialamatkan untuk dinikmati oleh penonton setia dan penggemar bukunya saja. Ini bukan film yang contained, yang bisa berdiri sendiri. Melihatnya sebagai penutup trilogi, perkembangan karakter-karakternya bekerja dengan baik. Namun bukan berarti menjelaskan semuanya. Looking back, aku jadi bingung kenapa mesti ada labirin sedari awal. Ah, ternyata kita masih tersesat di dalam labirin ceritanya.
The Palace of Wisdom gives 6 out of 10 gold stars for MAZE RUNNER: THE DEATH CURE.

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

THE COMMUTER Review

Posted on by Arya

“For the love of money is the root of all evil.”

 

 

Setiap hari selalu bertemu, bertukar-pandang tanpa sengaja, mengangguk menyapa seadanya, tentu mampu menumbuh perasaan kenal di antara orang-orang asing. Tapi ini bukan soal cinta. Ini soal rasa curiga. Michael MacCauley setiap hari naik kereta komuter yang sama. Mantan polisi yang baru dipecat dari perusahaan asuransi ini bisa dibilang sudah akrab dengan penumpang-penumpang lain, juga dengan pegawai kereta. Makanya, ketika ditantang permainan kecil-kecilan oleh seorang wanita, MacCauley setuju aja. Mencari seseorang yang ‘berbeda’ di dalam kereta tentu tampak gampang bagi dirinya yang punya skill observasi yang tinggi. Apalagi permainan hypothetical tersebut berhadiah serius; seratus ribu dolar. MacCauley butuh duit itu untuk keluarganya. Tapi permainan ‘Di mana Waldo’ tidak pernah segampang kelihatannya. Malahan, menjadi semakin susah karena kita tidak mampu melihat. Tantangan yang diterima MacCauley semakin lama bukan saja menjadi semakin sulit, namun juga menjadi semakin berbahaya. Sebab banyak nyawa yang dipertaruhkan di sana. Termasuk nyawa MacCauley sendiri!

Akhirnya aku dapat juga thriller di kereta api yang sesuai dengan harapanku. I mean, Murder on the Orient Express (2017) tetap yang terbaik memutar balik ide gimana jika penumpang kereta api ternyata sudah saling kenal – bukan strangers, tapi film ini adalah adaptasi novel klasik. Sejak dibuat kecewa oleh The Girl on the Train (2016), aku jadi tertarik pengen melihat thriller menegangkan di kendaraan umum yang mengeksplorasi penumpang yang benar-benar asing satu sama lain. Karena aku sendiri suka naik kendaraan umum, aku suka mengamati para penumpang, dan honestly aku kadang sering ngarep ketemu kasus yang seru. Tapi itu akan menjadi pengalaman yang sangat mengerikan. Makanya aku jadi pengen sekali melihat film yang benar-benar membahas soal tersebut. Night Bus (2017) tadinya kupikir akan jadi pemuas, namun film tersebut terlalu condong ke isu politiknya. Night Bus bagus tapi terlalu serius dengan gol untuk menjadi sajian dramatis.

Buatku, The Commuter adalah film thriller di atas kendaraan tertutup yang selama ini kuidamkan. It is really entertaining. Enggak menjadi terlalu serius, ataupun berat, sutradara Jaume Collet-Serra mengerti komposisi yang dibutuhkan. Dibuat olehnya The Commuter sebagai sajian thriller bercampur aksi yang pas, yang plot dan narasinya enggak ribet-ribet amat, dengan tokoh yang bisa kita dukung keselamatannya.

tut tut tut siapa hendak semaput

 

Kesulitan dalam menangani tokoh utama salah satu adalah kita ingin membuatnya terlihat kuat dan bisa dipercaya, sekaligus juga membuatnya tidak tanpa kelemahan. Michael MacCaulay yang diperankan oleh Liam Neeson adalah karakter yang ditulis sempurna untuk situasi yang ia hadapi. Dia adalah pria baek-baek, seorang kepala keluarga yang ingin berikan yang terbaik, sebagaimana dia juga ingin membantu orang lain. MacCaulay adalah jenis pria yang bisa kau jumpai di temapt-tempat umum, kau duduk di dekatnya, dan sama sekali enggak merasa terancam. Akan tetapi, alih-alih seperti Fahri yang ditulis hidup tanpa tuntutan dalam film Ayat-Ayat Cinta 2 (2017), MacCaulay disuntikkan ambiguitas moral ke dalam karakternya. Yang membuat tokoh ini bercela, dan eventually menjadi menarik. Dihadapkan oleh kesulitan finansial, tokoh kita dituntut untuk memilih sesuatu yang bertentangan dengan kompas hidupnya. Uang seratus ribu dolar dapat menjadi miliknya, asalkan dia bisa menemukan seseorang; dan MacCaulay menerima tawaran ini meskipun dia tidak mengetahui pasti apa yang akan terjadi pada seseorang tersebut – mungkin saja dilukai atau dibunuh. Aspek karakternya ini sangat menarik sebab dia tidak lagi hanya seorang pria yang punya kemampuan khusus yang ingin ‘menyelematkan’ keluarganya. Dia adalah pria yang harus memilih antara keluarga atau orang lain. Moralnya lah yang dipertaruhkan di sini.

Uang adalah akar dari semua kejahatan. Film ini menantang kita dengan pertanyaan apa yang akan kita lakukan jika dihadapkan dengan situasi seperti MacCauley; diberikan pilihan untuk menerima uang meskipun kita tahu akan ada pihak yang merugi karenanya, on the other hand kita yang akan rugi jika enggak menerimanya. Ini sudah seperti pilihan antara komersil atau moralitas. Tapi sebenarnya, bukan uanglah yang menyebabkan orang bertindak jahat. Akan tetapi, kecintaan berlebihan terhadap uanglah yang ultimately akan membuat kereta api hidup kita melenceng keluar dari rel.

 

Sebuah penulisan karakter yang menarik, yang membuat kita peduli. Kita ikut merasakan kebutuhannya,  tantangan-tantangan yang menghalangi, sekaligus kita ingin melihat dia melakukan hal yang benar menurut moralnya. Inilah yang membuat film menjadi thriller yang menarik.

Inilah yang menggulingkan bola aksi itu, membuat setiap sekuen aksinya menjadi semakin besar lantaran kita paham akar masalah, apa yang menjadi ‘kelemahan’ dari tokoh utama. Yea, Liam Neeson udah gak muda lagi, melihat dia dipukuli dapat menyebabkan kita meringis kasihan juga. Film ini pada dasarnya adalah sebuah laga, jadi kita bakal melihat banyak adegan-adegan fisikal. By the end of this movie, MacCaulay akan babak belur. Tetapi pukulan itu juga datang dari sisi mental. Dan itu telak sekali. Mid-point film di mana MacCaulay  sudah gabisa mundur lagi, dia musti menemukan orang yang dicari, tapi sekarang untuk menyelamatkannya  adalah bagian film yang terdeliver dengan baik. Bagian yang menarik lainnya adalah ketika MacCaulay actually berkomunikasi dengan para penumpang. Dia harus menanyakan siapa mereka, dengan cara yang enggak menimbulkan kecurigaan kepada dirinya sendiri. Tentu saja ini menjadi tantangan tersendiri. Dia harus mencari bahan percakapan, menghindari supaya enggak awkward karena beberapa dari penumpang yang ia tanyai adalah wanita muda. Menurutku ini adalah ide yang sangat bagus dari sudut pandang thriller. Film ini punya lengkap; Bahaya dari aksi di mana dia bisa mati karena jatuh dari kereta, ataupun dari di mana dia menangani situasi yang canggung menginterogasi orang-orang, tanpa menakuti mereka.

ih, kokmuter

 

Collet-Serra memang meniatkan film sebagai tontonan hiburan. Sekuen-sekuen aksinya benar-benar gede dan berlebihan. Kita akan melihat orang melompat dari gerbong kereta yang mau tergelincir dan hal-hal heboh semacam itu. Beberapa aspek di film ini memang tampak enggak plausible. Enggak mungkin banget terjadi. Segala gerakan MacCaulay dimonitori oleh tokohnya Vera Farmiga, dan sebagai cewek misterius dia mengomandoi semua langkah-langkah berikutnya, seperti orang menggerakkan bidak catur, yang kalo kita pikir-pikir balik timing kejadian-kejadian di film ini amatlah gila-bisa-pas banget. Akan tetapi, Collet-Serra menyelamatkan film ini dari bagian-bagian gak-mungkin tersebut dengan menangani porsi berantem dengan sangat baik. Dalam kereta api ini kita tidak akan menjumpai berantem dengan kamera yang goyang-goyang. Enggak akan kita temui editing yang cepet-cepet. Multiple takes pada film ini dibuat seakan menjadi satu take panjang dengan memanfaatkan sempitnya lokasi. Atmosfer klaustrofobis terasa menguar dalam adegan battle, dan ini membuat kita menjadi sangat greget menontonnya.

 

 

 

While punya tokoh yang menarik, situasi yang memberikan rintangan yang jarang, aksi-aksi bagus dengan pace cepe yang efektif memanfaatkan kondisi, filmnya sendiri enggak benar-benar menantang ataupun memberikan jawaban ataupun sesuatu yang sama sekali baru. Ini adalah thriller yang sangat enjoyable dan tidak pernah dirinya minta dipandang sebagai sesuatu yang lebih dari kata fun. Jadi kita akan menemukan banyak hal yang implausible, yang menurutku adalah kelemahan pada film ini yang mestinya bisa dihindari. Atau dicari rute lain sehingga menjadi lebih mungkin untuk terjadi ataupun dipercaya.
The Palace of Wisdom gives 6.5 out of 10 for THE COMMUTER.

 

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

THE GREATEST SHOWMAN Review

Posted on by Arya

“Fake is, like, the worst word you could possibly use to describe anything..”

 

 

Orang bego enggak bisa masuk ke seni pertunjukan. Di lain pihak, kita bisa menjadi orang terjenius di dunia dan tidak mengerti apa maksudnya untuk mempunyai presence di atas panggung. Menjelma menjadi karakter, mengeksekusi pertunjukan secara langsung. Melakukan koneksi dengan penonton. Yang dilakukan oleh mereka sesungguhnya teramatlah kompleks, dan seringkali mereka kurang mendapat apresiasi.

 

Phineas Taylor Barnum paham bagaimana pentingnya untuk menampilkan sebuah show yang bisa menyentuh para penonton. Dia tahu apa yang harus dilakukan, apa yang harus dia ‘jual’, dan cara mengemasnya. Film The Greatest Showman adaah film musikal yang mendendangkan tentang perjalanan P.T. Barnum dari anak kecil pengutil roti di pasar sampai menjadi sebagai seorang ringmaster yang pertunjukan sirkusnya selalu dijubeli oleh banyak orang. Untuk memancing ikan paus, kita tidak bisa menggunakan umpan yang biasa. Harus yang spesial. Barnum, seorang suami yang tidak ingin mengecewakan pengorbanan istrinya yang anak orang borju namun memilih hidup susah bareng-bareng. Seorang ayah yang ingin menorehkan senyum di wajah kedua putrinya, jangan sampai mereka dipandang sebelah mata seperti orang-orang biasa memandang dirinya. Dia punya visi. Dia memancing orang-orang dengan keajaiban. Modal usaha Barnum adalah rasa penasaran dan dia membuat hal tersebut menjadi nyata.

Toh, Barnum yang sangat driven pernah tersesat dalam motivasinya. Ketenaran itu sempat membuatnya silau. Narasi banyak meninggalkan aspek-aspek terendah dalam hidup Barnum, apa yang kita dapat di sini adalah konflik yang terselesaikan dengan convenient, sebab film memang diniatkan untuk tampil semenyenangkan mungkin. Seolah sebuah pertunjukan mimpi yang begitu spektakuler.

menarilah sampai keringat merembes ke lantai!

 

Di balik cerita dan lagu-lagu yang menghentak, film ini menyematkan pesan hendaklah agar kita selalu ingat apa yang membuat kita pengen terkenal, alih-alih soal menjadi terkenal itu sendiri. Dan sekuen-sekuen nyanyian di sini tak pelak akan lama membekas karena semuanya dicraft baik sehingga begitu catchy.  Melihat penampilan Hugh Jackman sebagai Barnum di sini akan membuat kita merelakan dia melepas kuku adamantium untuk bernyanyi saja terus hingga bahagia selamanya. Susah untuk memilih penampilan musikal mana yang paling keren – “This is Me” digadang sudah kekunci bakal menangin Oscar – tapi buatku, Zac Efron dengan Zendaya saling mengikrar cinta bersenandung magis sembari berayun di tali adalah adegan musik yang benar-benar menyentuh. Chemistry mereka kuat sekali. Ini juga adalah salah satu adegan yang diolah dengan menggunakan efek komputer paling sedikit, dan kupikir itulah sebabnya kenapa terasa begitu real.

Actually, mengenai pemilihan lagu-lagu original yang disajikan; dapat menjadi turn off buat sebagian penonton. I mean, dengan setting jadul tahun 80an secara alamiah kita akan mengharapkan lagu-lagu klasik, akan lebih cocok dengan genre tersebut, namun demikian lagu-lagu yang kita dengar dalam film ini adalah lagu pop. Ada yang kedengarannya pake auto-tune juga malah. Ditambah lagi sebagian besar adegan-adegan nyanyinya dimainkan dengan banyak bergantung kepada CGI. Kita lihat hewan-hewan sirkus beraksi bohongan. Barnum suatu ketika naik gajah menjemput istrinya, yang mana menggelikan jika kita bayangkan gimana reaksi seluruh penduduk serta jerih payah Barnum mengendalikan hewan tersebut. Dan aku curiga tinggi manusia kerdil di grup sirkus Barnum juga sedikit dikurangi dengan efek komputer. Semua ini adalah resiko kreatif yang diambil oleh film. Oke, melatih singa melompati lingkaran api di sekeliling Hugh Jackman jelas beresiko, namun kenapa sutradara Michael Gracey memilih cara yang begini enggak klop dengan keseluruhan film patut kita pertanyakan.

Sesungguhnya semua itu ada alasannya.

Aku pikir film ingin menunjukkan bahwa Barnum begitu berbeda. Dia adalah orang yang lebih maju dari zamannya. Di saat masyarakat masih berprasangka terhadap kulit gelap, mengasingkan mereka, Barnum malah merangkul. Di saat masyrakat masih menganggap orang yang punya kelainan fisik sebagai makhluk yang berbahaya, dan mungkin menular, Barnum menjadikan mereka pertunjukan utama. Seleb yang untuk melihatnya, masyarakat yang biasanya memandang jijik, harus membayar uang. Ide Barnum membangun museum yang berisi hal-hal ganjil, mengumpulkan orang-orang freak untuk beratraksi, dianggap gila oleh masyarakat saat itu. Di mata mereka Barnum juga sama freaknya. Gagasan bahwa orang-orang hebat memang tampak gila bagi kenormalan memang belum terpikirkan oleh mereka, namun Barnum sudah bisa melihat ini. Dia adalah orang yang berani bermimpi. Efek-efek yang kita lihat saat adegan nyanyi mungkin hanyalah bagaimana adegan tersebut di mata, di kepala Barnum. Bagaimana hal itu adalah mimpi yang jadi nyata juga baginya. Ini adalah cerita hidup orang nyata yang disuarakan dalam nada fantasi, dan film tampaknya berniat untuk tampil seajaib mungkin.

American Success Story: Freak Show

 

Beberapa tokoh menampilkan adegan nyanyi dengan lip-sync, dan honestly aku gak yakin kenapa ini terjadi. Masa iya sih film demikian malasnya mengasting aktor dengan suara beneran bagus. Sekali lagi, saat memikirkan ini aku menemukan bahwa mungkin film memang sengaja. Mereka ingin membuat poin soal bahwa sekalipun tampak palsu, artifisial, sesungguhnya tidak ada yang ‘palsu’ dalam pertunjukan. Kita melihat Barnum juga adalah orang yang rela melakukan apa saja untuk menjual shownya. Dia memasukkan bantal ke dalam “Manusia Paling Berat” dan menaikkan beratnya dari 500 ke 750 pounds. Dia menjuduli orang tinggi yang dia rekrut sebagai Raksasa Irlandia, meski orang tersebut aslinya berasal dari Rusia. Barnum terang-terangan mengakui dia menjual hal bohongan, sesekali dia ingin mempersembahkan yang  nyata ketika dia kepincut sama talenta penyanyi opera dari Eropa.

Apa itu palsu? Palsu adalah ungkapan terburuk yang bisa kita sematkan kepada dunia pertunjukan. Sirkus, sandiwara, gulat profesional, bahkan film. Semua hal tersebut adalah sama. Ya, mereka punya skrip, mereka dikoreografi, ada trik, namun itu semua bagian dari usaha yang nyata. Senyum kita yang terhanyut menyaksikan pertunjukan mereka adalah senyata yang nyata bisa. As real as kelinci yang ditarik oleh pesulap dari topinya.

 

Setelah semua ‘kehebatan’ Barnum itu pun, The Greatest Showman bukanlah benar-benar pertunjukan paling hebat. Antara lagu ke lagu, narasinya bergerak begitu cepat sehingga kita belum sempat berpegangan kepada karakternya. Seluruh ‘kegampangan’ pada setiap solusi mematikan stake sehingga bikin ceritanya berlalu dengan dangkal. Kita hanya pengen cepat-cepat kembali ke adegan nyanyi. Dan bahkan liriknya yang enak itu tidak tampak ditulis dengan begitu dalem. Banyak yang semestinya digali tapi film menelantarkannya. Hampir seperti film tidak ingin ada yang stress dalam ceritanya. Aku sendiri pengen melihat lebih banyak antara Barnum dengan anggota-anggota sirkus, tapi mereka malah lama terpisahkan lantaran film pengen membangun konflik romansa yang ujungnya juga terasa selesai dengan buru-buru. Sambil lalu, film actually membahas banyak sehingga saat menontonnya aku teringat banyak cerita lain seperti American Horror Story, film Sing (2016), juga sedikit elemen The Shape of Water (2017)

 

 

 

Dengan pertunjukan musik selikeable ini, akan susah untuk kita melihat dengan enggak bias. Selagi aku berusaha mencatat poin-poin kelebihan dan kekurangan sangat menonton ini, aku melihat ada aku di layar. Haha yea film ini juga membahas hubungan Barnum dengan seorang kritikus. Yang mana menjadikanku bertekad untuk enggak mau menjadi ‘kritik palsu’ yang ngaku suka nonton tapi selalu menggerutui tontonannya. Aku mestinya jujur terhadap apa yang aku suka; setiap yang aku suka enggak mesti selalu hal yang bagus. Aku bisa, boleh, saja suka sama sesuatu yang biasa aja. Ataupun sama yang jelek. And so do all of you.
The Palace of Wisdom gives 7 gold stars out of 10 for THE GREATEST SHOWMAN.

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

INSIDIOUS: THE LAST KEY Review

Posted on by Arya

“We just have to find the ones that unlock the right doors.”

 

 

Berapa sering kita melihat film horor belakangan ini? Banyak. Terang saja horor akan terus ngehits selama manusia masih suka ditakuti-takuti. Selalu ada alasan untuk nonton film horor.Entah itu sendirian, ataupun mau seru-seruan bareng temen. Maka hantu-hantu itu tak akan pernah ‘mati’, franchise-franchisenya akan senantiasa direborn (lucu gak sih, ‘hantu reborn’ itu berarti kan dia udah gak jadi hantu lagi ya? Hihi) supaya enggak kemakan jaman dan dapat memuaskan penonton kekinian.

Namun, seberapa sering kita melihat film horor, bahkan sebuah franchise horor, yang BERPUSAT PADA TOKOH YANG SUDAH NENEK-NENEK? Belum pernah terjadi kukira. Sekarang sudah 2018, ini sudah film keempatnya, dan Insidious masih tetap kekeuh berpegang kepada akar cerita. Walaupun memang yang nonton kebanyakan adalah kelompok dedek-dedek jaman-now, franchise Insidious enggak necessarily ditujukan buat remaja. Tokoh utamanya selalu adalah orang dewasa, yang punya masalah-masalah dewasa, mereka berurusan dengan hal-hal kelam. Insidious selalu adalah soal trauma keluarga, masa lalu yang penuh kekerasan rumah tangga, dan film keempatnya ini pun melanjutkan tradisi tersebut.

Berdiri di tengah franchise ini adalah Elise, seorang parapsikologis, yang membantu orang-orang yang rumahnya dihuni oleh roh jahat. Insidious: The Last Key actually adalah prekuel dari film yang pertama, (dua episode ini nyaris berjalan beruntun) karena sebagaimana yang kita tahu Elise sendiri sudah jadi hantu di film yang kedua. Jadi, di film ini kita akan melihat kisah origin dari tokoh Elise. Kita akan melihat ia di masa kecilnya. Rumah Elise dulu di dalam kompleks penitentiary di New Mexico. Gimana kemampuannya melihat hal-hal goib menjadi penyebab utama Elise kecil dipukuli oleh bokapnya yang mendapat nafkah dari menghukum kriminal-kriminal. Masa kecil yang enggak bahagia, fisiknya menderita, mentalpun ikut didera oleh banyaknya makhluk halus yang ia lihat. Salah satunya terbebas dari pintu yang dibuka Elise, melepas teror yang berujung kepada Elise remaja kabur dari rumah. Masa lalu mencerminkan hidupmu yang sekarang, tahun 2010 Elise mendapat telepon dari seorang klien. “Alamat Anda di mana?” dan DEG! Permintaan mengusir hantu itu ternyata datang dari rumah masa kanak-kanaknya yang penuh dengan literally hantu-hantu masa lalu!!

“Who you gonna call? Spooky Buster!”

 

Bicara soal franchise horor, sebenarnya kita seperti mengulas tentang perosotan. Kalian tahu, seberapa curam filmnya menurun. Apalagi kalo udah sampe seri keempat; liat aja tuh entry ke empat Paranormal Activity. Atau Saw. Biasanya kualitas tersebut turun antara  karena filmnya  enggak mendapat inovasi apa-apa, ataupun karena sudah berkembang begitu jauh – jadi over-the-top, dari dasarnya. Film ini, untungnya, enggak jadi parah-parah amat. Film yang pertama dan kedua masih paling kuat, namun The Last Key tidak berada jauh di belakang film ketiga. Kekuatan film ini terutama terletak pada performa Lin Shaye yang diberikan kesempatan bersinar sebagai Elise yang akhirnya menjadi fokus utama narasi. Aku suka dengan tokoh ini lantaran dia terlihat begitu vulnerable. Di sini kita mendapat paranormal yang enggak sok-sok misterius. Elise tampak manusiawi, dia punya selera humor, dia punya banyak kelemahan, dan dia begitu self aware dengan kemampuan psikisnya. Membuat tokoh ini tampak keren.

Antara Elise yang kabur dengan ayahnya yang ringan tangan setiap kali Elise ‘mengadu’ ada hantu, sebenarnya mereka berdua memiliki persoalan yang paralel. Realisasi terhadap hal tersebutlah yang menjadi ujung perjalanan Elise sepanjang film. Bahwa dia, sama seperti ayahnya, sederhananya mengambil jalan yang termudah. Kita membenci hal-hal yang tidak kita mengerti. Meninggalkan rumah yang bermasalah, menghukum anak yang punya kemampuan aneh, adalah tindakan yang lebih gampang – yang menurut mereka lebih plausible, ketimbang mencoba untuk memahami masalah itu. Tetapi tentu saja kita tidak bisa benar-benar lari dari masalah, makanya Elise kemudian memutuskan untuk menerima rekues klien mengusir hantu dari rumah masa kecilnya.

                                            

Dari segi horor, film ini juga tergolong kompeten. Memang kita akan banyak terlonjak oleh suara-suara keras, film masih mengandalkan jump scare seperti halnya film-film Insidious sebelum ini. Namun, paling enggak, film ini cukup cerdas untuk memilih kapan harus menggunakan teknik tersebut. Film ini cukup bijak tidak membuat kita terkejut oleh binatang ataupun sapaan teman ataupun hal-hal biasa lain yang mengecoh. Ketika cerita membutuhkan tokohnya untuk melintasi lorong gelap dan melihat bayangan dan menyenternya, hanya untuk tahu bayangan tersebut adalah baju yang digantung, maka adegan tersebut dilakukan tanpa suara. Musik keras dan mengejutkan hanya kita jumpai ketika yang menyebabkannya beneran adalah hantu. Hal yang menyeramkan kerap muncul bikin jantung kita copot, tapi seenggaknya jika kita beneran mati saat itu kita tidak menjadi hantu penasaran lantaran yang membunuh kita beneran kemunculan hantu seram. Ada satu sekuen serem yang aku suka, yakni saat Elise masuk ke dalam pipa dan menemukan banyak koper-koper. Sutradara Adam Robitel cukup mumpuni mengarahkan adegan tersebut sehingga meski kita tahu bakal ada sesuatu yang ngagetin, scare yang terjadi masih mampu untuk bekerja di luar ekspektasi.

Babak pertama film bekerja dengan efektif sekali. Terutama di bagian masa kecil Elise, ini niscaya adalah bagian terkuat seantero film ini. Kita belajar mengenai keluarga Elise, yang tentu saja setiap anggotanya menjadi penting nantinya. Namun, as the story goes, film ini tidak terasa seperti dibangun atas fondasi naskah yang biasa. Menjelang ke transisi babak ketiga, penceritaan film ini menjadi semakin goyah. Ada beberapa aspek di babak ketiga yang enggak klop, karena sebelumnya ada pengenalan karakter baru yang dimaksudkan sebagai pengungkapan besar-besaran, di mana kita diharapkan untuk berpikir “wow aku sama sekali enggak nyangka” akan tetapi jatuhnya malah hampa. Akan ada semacam pergantian peran, juga ada karakter yang berubah dari baik ke jahat, dari jahat ke baik, hanya saja narasi yang menghantarkan ini tidak bekerja dengan benar. Dari sebuah drama berbalut misteri supranatural, cerita menjadi misteri kriminal, dan berakhir menjadi petualangan di dunia gaib, struktur pembabakan cerita tidak berhasil mengemban tugas membungkus ini dengan lancar.

Imogen adalah salah satu nama cewek paling keren yang pernah kudengar

 

Bicara soal revealing, bahkan tokoh hantu utamanya juga tidak tampak lagi begitu spesial. Untuk sekali ini aku tidak merasa penampilan Javier Botet benar-benar mengerikan. Maksudku, jika dibandingkan dengan The Crooked Man, dengan hantu Mama, presence Hantu Kunci di film ini terasa lemah. Letak masalahnya bukan di make up, sosok hantu yang dimainkan Botet pada film ini masih mampu bikin kita kencing di celana, melainkan di apa yang ia lakukan. Si Hantu punya jemari yang berbentuk anak kunci, dia menggunakan di antaranya untuk mengunci dada korban, apa sebenarnya makna dari apa yang ia lakukan? Segala kunci dan pintu-pintu itu semestinya membangun kepada sesuatu perumpamaan, tapi dalam film ini tampak sebagai bahan menakut-nakuti belaka.

The best that I can come up with adalah melihat Elise bergentayangan berusaha membuka pintu dengan kunci-kunci di tempat gelap itu mengingatkanku ke salah satu pelajaran menulis. Seorang penulis sejatinya kudu mampu membuka pintu-pintu di dalam diri dengan menggunakan kunci-kunci yang tepat. Kunci itu adalah pertanyaan yang kita ajukan kepada diri sendiri. Proses menulis adalah proses menyelami diri sendiri, mengeksplorasi apa yang kita rasakan, dan ini paralel dengan yang dilakukan Elise di dunia sana; Dia harus membuka pintu-pintu demi ‘mengenali’ dirinya sendiri sebagai cara untuk berkonfrontasi dengan masa lalu yang ia tinggal kabur.

 

Selalu bermasalah di bagian humor, tak terkecuali pada film ini. Elise ditemani oleh dua pria yang membantunya dalam urusan teknologi. Mereka ini semacam Ghostbuster dengan gadget-gadget unik yang kadang gak jelas kegunaannya, dan kedua cowok yang nemenin Elise bertugas mengoperasikan alat-alat tersebut. Itu tugas mereka dalam narasi. Dalam penceritaan, however, dua orang ini punya fungsi sebagai pencetus komedi. Tingkah mereka yang komikal, celetukan mereka yang nerd abis, lebih sering daripada tidak jatohnya awkward alih-alih lucu. Akan ada banyak lelucon yang bikin kita nyengir kuda karena candaannya garing. Eventually mereka berdua terlibat adegan flirt sama cewek, dan adegan-adegan konyol mereka membuatku merasa malu menontonnya.

 

 

 

Buat yang belum pernah menonton film dari franchise Insidious, film ini tidak akan membuat kalian menjadi fans, sebab ceritanya yang memang agak kurang rapi ini tidak benar-benar mengandung sesuatu yang baru. Horornya juga tergolong biasa. Namun, buat penonton yang udah setia ngikutin, film ini tidak tampil mengecewakan, dibuat dengan kompeten, dimainkan dengan meyakinkan, dan tetap memegang teguh akar yang membuat film-film pendahulunya disenangi.
The Palace of Wisdom gives 6 gold stars out of 10 for INSIDIOUS: THE LAST KEY

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

BRAD’S STATUS Review

Posted on by Arya

“The problem with the world is that the intelligent people are full of doubt, while the stupid people are full of confidence.”

 

 

 

Aku gak yakin mana yang lebih bego antara bandingin kehidupan sendiri dengan orang lain atau nonton Brad’s Status di hari-hari awal tahun baru. Maksudku, kita enggak bakal nambah muda, akan tiba masa di mana kita akan tertegun menyadari umur, dan mulai berprasangka jelek terhadap diri sendiri; apakah kita sudah mengambil jalan yang benar, apa yang sudah kita perbuat, kenapa kita gak kaya-kaya, apakah sebuah langkah yang tepat untuk berhenti kuliah dan mengejar idealisme. Apakah kita seorang yang gagal. Brad’s Status adalah film yang dibuat untuk orang-orang yang mengalami  stress seperti demikian. Ini adalah narasi yang kompleks, yang mempercayakan penonton untuk menyelami pikiran seorang tokoh yang memiliki ketakutan universal. Dan film ini akan bertindak bukan hanya sebatas media kontemplasi, melainkan sebuah sarana bermeditasi – untuk kita-kita nenangin diri, mengingat kembali apa yang membuat kita bahagia di dalam hidup, dan bahwasanya hidup bukanlah sebuah lomba lari.

Jika kita melihat ke atas, tentu kita akan merasa tertinggal. Jadikanlah ini motivasi.

Jika kita melihat ke bawah, kita akan melihat bahwa kita masih ‘beruntung’. Jadikanlah itu sebagai purpose.

Kita ingin di atas, karena kita ingin membantu yang di bawah. Tetapi kita toh sudah di atas, karena akan selalu ada yang di bawah kita. Pernahkah kita melakukan sesuatu murni untuk orang lain? Mungkin kalimat berikut ini terdengar cheesy, tapi itulah yang jadi poin film ini; Kita tidak perlu memiliki dunia untuk bisa mengubahnya, kita bisa mulai melakukan itu dengan cinta.

 

Brad adalah mahasiswa yang idealis, dia ingin berbuat sesuatu untuk dunia. Jadi dia ngikuti kata hatinya dan mengejar karir dengan mendirikan organisasi non-profit yang bergerak di bidang sosial. Brad mencibir teman-teman kampusnya yang bekerja di perusahaan, yang masuk ke politik, yang berkarir di dunia hiburan, yang jadi artis, teman-temannya yang practically menikahi uang. Brad menikah dengan cewek yang juga idealis. Dia dikaruniai putra yang sangat berbakat main musik. Brad hidup bahagia. Tapi itu dulu. Sekarang, dia merasa kalah. Teman-temannya naik pesawat pribadi, dirinya ditolak upgrade tiket ke kelas satu karena bukan anggota platinum. Temannya masuk televisi, dia bahkan gak bisa masuk ke pesta pernikahan teman – karena dia enggak diundang. Dia bahkan enggak tahu ada temannya yang menikah. Sifat dan idealisme istrinya sekarang malah berbalik menyebalkan buat Brad. Tidak ada yang memuaskan lagi bagi Brad, semua hal yang ia temui sepanjang film, selama dia mengantar anaknya melihat-lihat kampus, malah tampak mengecilkan dirinya. Anaknya yang nyaris keterima di Harvard pun membuatnya iri; tak pelak membawanya ke kenangan masa muda. “Cari kerjaan yang duitnya banyak!” begitu yang ingin dia sampaikan kalo dia bertemu dengan dirinya versi seumuran dengan anaknya.

anaknya sopan dan pinter gitu, berarti dia sukses jadi orangtua

 

Brad’s Status sepertinya memang dibuat untuk Ben Stiller. Aktor komedi ini mampu bermain sangat komit jika diberikan peran yang tepat, dan untuk begitu banyak kesempatan, Ben Stiller selalu mencuri perhatian ketika dia bermain sebagai pria yang frustasi, yang sedikit egois, yang gak puas ama dirinya sendiri, yang ngalamin nervous breakdwon. Dan dalam Brad’s Status, Stiller tampaknya memberikan penampilan terbaik.  Dia menyeimbangkan penampilan ketika sedang bernarasi dengan saat kita hanya butuh untuk melihat ekspresinya. Memang, kita sudah pernah melihat cerita yang sama sebelum ini, namun film mengambil pendekatan yang  berbeda dalam bercerita. Penulis sekaligus sutradara Mike White membuat film ini sebagai sebuah pandangan dari dalam seorang tokoh. Ini lebih sebagai karakter studi ketimbang pengalaman sinematik. Kita akan menjumpai banyak dialog-dialog yang tajam, akan ada banyak humor juga yang datang dari momen-momen tak terduga.

White juga cukup subtil dalam bercerita. Aku suka dengan cara film ini menunjukkan hubungan antara Brad dengan Troy, putranya yang ia temani tur keliling kampus ke New England. Akan ada banyak momen awkward yang sebenarnya punya makna. Seperti misalnya adegan pertama mereka berdua adalah ketika Brad masuk ke kamar Troy dan melihat anaknya hanya berbalut handuk. Sekilas memang tampak seperti adegan biasa yang memancing komedia orangtua dan anak, tapi oleh film ini kesadaran Brad melihat anaknya sudah dewasa dibuat sebagai penambah lapisan tokoh Brad – bahwa jauh di dalam, dia  mengenali anaknya sebagai saingan. Kesubtilan ini terus berlanjut dengan Brad yang menyelinap diam-diam ke bar untuk menemui pacar Troy ketika si anak sudah tertidur. Hanya orang ternarsis di dunia yang menyeruak masuk ke lingkungan sosial anaknya, dan itulah poin Brad sebagai tokoh utama yang bercela. Brad adalah orang yang aware mengenai siapa dirinya, namun dia clueless ketika sudah menyangkut pendapat orang lain.

Sekilas memang kedengaran, atau malah tampak seperti film yang terlalu mengagungkan seorang tokoh yang sangat susah untuk disukai. Brad bukan orang miskin. Dia cukup sukses, keluarganya bahagia. Anak dan istrinya cinta sama dia, mereka enggak ‘memberontak’ terhadap dirinya sebagai kepala keluarga. Hanya saja dia tidak melihat semua itu. Film bahkan dengan berani menunjukkan semua itu. Ada karakter yang secara frontal menegur Brad bahwa dia enggak senaas yang ia pikirkan. Brad tampak seperti menyuruh kita untuk mengasihani dirinya, bahwa dia adalah orang yang baik, yang lebih mulia – tapi kenapa orang-orang brengsek kayak teman-temannya yang justru lebih kaya, kenapa mereka yang lebih terkenal daripada dirinya. Kenapa dunia begitu membenci dirinya. Menarik sekali melihat seseorang yang berurusan dengan pikiran buruknya sendiri.

Ciri-ciri orang depresi itu adalah bicara dengan kepalanya sendiri. Film ini mengeksplorasi apa yang sebenarnya terjadi ketika kita bicara sendiri; kita membesar-besarkan masalah, kita terperangkap di dalam pikiran negative. Kita menganalisa semua dengan berlebihan, dan ini enggak sehat. Masalah yang enggak ada, jadi tampak ada karenanya.

“all iz well, all iz well”

 

 

Untuk mencapai efek ‘bicara sendiri’ tersebut, Mike White mengambil langkah yang cukup beresiko dengan menggunakan narator sebagai bagian dari penceritaan. Actually, film ini sangat bergantung kepada narasi yang dibaca oleh Brad. Untuk kebanyakan film, kebanyakan narasi voice over seperti ini bisa sangat mengganggu kenikmatan menonton sebab kita akan dibeberkan apa-apa yang dilakukan maupun dirasakan oleh tokoh. Simpelnya, kita benar-benar dituntun. Untuk film ini, however, buatku narasinya tidak terlalu mengganggu karena kita memang perlu untuk mendapat insight dari apa yang Brad rasakan di dalam pikirannya. Kita perlu melihat gimana kontrasnya apa yang di benak Brad dengan yang sebenarnya terjadi, dan narasi di sini benar-benar berfungsi sebagai garis tegas yang membatasi hal tersebut.

 

Jika ada yang ‘salah’ di film ini, menurutku ‘kesalahan’ itu terletak di beberapa adegan yang digarap terlalu kepanjangan. Misalnya adegan ngobrol di bar yang tampak masih bisa menghasilkan efek yang diinginkan dengan menyingkat adegannya. Tapi untuk sebagian besar adegan, film ini menyuguhkan pemandangan karakter yang akrab yang diletakkan dalam situasi yang juga familiar, dan film memberikan kesempatan kita untuk berkontemplasi dengan memberitahu apa yang karakter-karakter tersebut pikirkan serta rasakan. So I think, film ini enggak punya dosa yang benar-benar gede. Dia hanyalah sebuah tontonan yang berani untuk menjadi enggak disukai lewat tokoh utamanya. Meski ceritanya lumayan ‘terbelakang’ dibandingkan film-film lain, basically kita bisa bilang ini adalah cerita tentang masalah orang kaya, namun film ini bukan tidak mungkin menjadi LIFE CHANGER bagi orang-orang yang dihantui pikiran serupa.
The Palace of Wisdom gives 7.5 out of 10 gold stars for BRAD’S STATUS.

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

THE DISASTER ARTIST Review

Posted on by Arya

“First they ignore you, then they laugh at you…”

 

 

Tentu saja, kita akan menertawakan film yang buruk bersama-sama. Kita berpikir, film yang sudah menginsult kecerdasan kita, perlu untuk diinsult balik. Kita bikin review konyol, kita bully film habis-habisan, sebagai bentuk apresiasi terhadapnya. Keseimbangan yang wajar terjadi. Sebuah reaksi yang mudah terhadap sesuatu yang jelek. Film The Room (2003) buatan sutradara dan aktor nyentrik Tommy Wiseau bukan hanya film yang jelek, dia adalah film paling ngaco sepanjang masa. Saking jeleknya , banyak yang suka. Sampai sekarang, film ini rutin diputar oleh berbagai fans di luar sana. Markas My Dirt Sheet, kafe es krim Warung Darurat Bandung, juga pernah muterin sekali. Hasilnya, sendokku ilang delapan biji. James Franco punya ide untuk menyelebrasi film itu, dia kumpulkan kru dan mereka membuat cerita tentang apa yang terjadi di balik dialog-dialog absurd dan akting kaku tersebut.

Memang lebih mudah menetertawakan badut ketimbang mencoba mengerti kenapa mereka mengenakan riasan make-up

 

 

I gotta be honest, The Disaster Artist adalah cerita yang menyentuh buatku. Dalam lapisan yang paling dalam, ini adalah cerita tentang seorang pria yang berjuang mewujudkan mimpinya. Hambatan yang ia temui berasal dari dalam dirinya sendiri; dia tidak dapat melihat bahwasanya tidak semua orang bisa mengerti apa yang ia sampaikan. Maksudku, sebagian besar dari kita juga pasti pernah merasa diri kita spesial, ide cerita kita hebat dan orisinil. Ada banyak calon filmmaker di jalanan yang punya stok naskah yang menurut mereka adalah cerita paling fresh dan keren sedunia, aku tahu karena aku adalah salah satu di antaranya. Tapi apa yang terjadi ketika kita ngepitch cerita tersebut ke produser, ke investor? Ditolak, dicuekin, disuruh ubah. Kalo aku punya duit tak terbatas seperti Tommy Wiseau, pastilah aku udah bikin film sendiri juga. Mewujudkan impianku. Meski mungkin filmku bakal seratus kali lebih jelek dari The Room. Tapi inilah yang ingin disampaikan oleh James Franco dalam The Disaster Artist; Jangan menyerah, terkadang kita memang harus membuka peluang sendiri, dengan perlu mengingat bahwa ada banyak cara konek dengan orang lain bisa terjadi, mungkin saja bukan seperti yang kita harapkan. Dan koneksi itulah yang semestinya menjadi tujuan kita dalam berkarya.

jika dipandang sebaliknya, film ini juga berfungsi sebagai petunjuk “Bagaimana Cara untuk Membuat Film yang Buruk”

 

Yang kita dapat di sini sesungguhnya adalah sebuah cerita yang menginspirasi. James Franco tidak membuat Tommy Wiseau sebagai sebuah tokoh yang wajib untuk melulu kita ledek. Ada sesuatu di dalam dirinya yang akan menangkap hati para penonton. Kita akan mengikuti perjalanan Tommy dari ketika dia bertemu dengan Greg di sebuah audisi teater. Mereka kemudian berikrar untuk mengejar mimpi menjadi aktor, begelut di bidang film. Maka lantas mereka pindah ke L.A. Namun, hal bagi Tommy tidak berjalan semulus apa yang datang kepada Greg. Jadi, Tommy bikin film sendiri. Dia mengajak Greg untuk ikut berperan bersamanya di film tersebut. Sebagaimana kita semua tahu, film tersebut tidak berakhir dengan semestinya.

The Disaster Artist cukup bijak untuk tidak memfokuskan ini sebagai parodi, film tidak sekedar menertawakan “You’re tearing me apart, Lisa!” dan pilihan-pilihan aneh bin bego yang dilakukan oleh Tommy Wiseau ketika membuat film ini. Memang, momen-momen The Room yang fenomenal, gimana film ini ngereka adegannya hingga nyaris sama persis, adalah bagian yang menonjol pada penceritaan. Tapi sekaligus ini adalah drama yang cukup suram, banyak adegan yang diniatkan sebagai heartfelt moment. Sebagai karakter, Tommy Wiseau belajar banyak dari reaksi penonton yang tidak ia harapkan, dan dari bagaimana dia harus berurusan dengan orang-orang yang tidak melihat visinya.

Tommy Wiseau yang asli merupakan salah satu sosok paling misterius di industri perfilman. Seperti yang juga disebutkan oleh film, tidak ada yang tahu persis siapa dirinya, dari mana dia berasal. Tommy ini di samping eksentrik gilak, dia juga sangat tertutup. Jadi memang pesona film ini terletak di Tommy Wiseau, kita penasaran seperti apa orang ini, apa yang ada di balik kepalanya. James Franco luar biasa dalam berperan sebagai karakter ini, juga dalam bagaimana dia membangun film cerita yang menjadikan Tommy sebagai pusatnya. Sebagai sutradara dan pemain, Franco did a very excellent job. Adegan pembukanya efektif sekali memperkenalkan Tommy sebagai sebuah enigma. Dia mempertahankan pesona tersebut hingga akhir film. Menurutku apa yang dicapai Franco sebagai Tommy merupakan hal yang cukup sulit; ya dia sangat lucu di sepanjang film, namun bukan sekedar lucu oleh karena momen-momen konyol dia lupa skrip, atau dia mainin adegan-adegan ikonik The Room. Di sini kita melihat Tommy sebagai seorang yang enggak hebat-hebat amat dalam pekerjaannya, dan dia punya cara yang aneh untuk mendapatkan yang ia mau, tapi kita bisa menghormati apa yang ingin ia lakukan. Sebab ada sisi manusiawi yang diberikan. Ada semangat yang bisa dipungut dari sikapnya yang tidak menyerah meskipun orang-orang tidak menghargai sesuai yang ia harapkan.

jangan-jangan karakter Broken Matt Hardy terinspirasi dari Tommy Wiseau

 

Salah satu aspek yang menjeratku adalah tentang bagaimana ini sebuah pembuatan film. Aku punya soft side terhadap film-film yang memperlihatkan di balik layar bisnis gambar bergerak seperti ini.  Aspek ini membawa kita ke kekurangan yang dimiliki oleh The Disaster Artist. Film ini actually mematahkan Hukum Ekonomis Karakter cetusan Roger Ebert lantaran tokoh-tokoh lain dalam cerita, yang diperankan oleh aktor-aktor yang cukup terkenal kayak Alison Brie ataupun Zac Efron ataupun Josh Hutcherson, tidak benar-benar punya karakter. Mereka cuma ada di sana, memainkan dengan sangat kompeten peran yang ditugaskan – Seth Rogen juga sebenarnya cukup lucu di sini – dan tidak punya banyak untuk dilakukan. Padahal mestinya bisa lebih dalam lagi jika kita diperlihatkan lebih banyak lagi tentang mereka.

 

 

Film dark komedi ini precise sekali ketika dia mencoba membuat ulang adegan-adegan film The Room. Tepat hingga ke framing dan segala macam treatment aneh yang dilakukan oleh film tersebut. Namun, jika kalian belum pernah nonton The Room, atau bahkan belum pernah mendengar tentangnya, film ini tetap akan bekerja sama hebatnya, sebab ini bukan serta merta sebuah film komedi yang memarodikan salah satu film terburuk di industri sinema. Film ini punya hati yang besar, tokoh utamanya terasa dekat. Benar saja, kita memang harus dapat melihat film sebagai mana mestinya. Sebagai penonton kita bisa saja suka, namun tetap harus mengakui kejelekan film. Tapi ini bukan tentang penonton. Ini tentang orang yang punya mimpi, tentang pembuat film yang dihadapkan kepada situasi di mana ia diapresiasi tidak sesuai dengan yang diharapkan. James Franco mungkin saja tidak kepikiran, filmnya tentang sebuah film begitu jelek sehingga menjadi cult, bisa jadi adalah film terbaik yang pernah ia buat.
The Palace of Wisdom gives 7.5 gold stars out of 10 gold stars for THE DISASTER ARTIST.

 

 

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

 

THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI Review

Posted on by Arya

“There was never an angry man that thought his anger unjust”

 

 

Mau keluh kesah, masalah, atau jeritan minta tolongmu didengar banyak orang? Gampang. Iklanin aja. Pasang gede-gede di papan reklame. Dijamin efektif. Bahkan jika tempatmu memasang reklame jarang dilewati orang. Tiga papan iklan di pinggir jalan perbatasan kota Ebbing, Missouri yang dipasang oleh Mildred Hayes, seorang ibu yang tampaknya have seen better days, sukses mengguncang kota kecil mereka. Akan ada banyak orang yang terpengaruh, yang berubah hidupnya oleh papan-papan merah yang  bertuliskan kalimat-kalimat simpel berwarna hitam. Pemandangan kontras ini mewarnai para penduduk. Ada yang setuju dan mendukung Mildred; membantu wanita itu membayar biaya pemasangan yang enggak kecil. Ada juga yang menganggap pesan yang dipajang tersebut sebagai kalimat yang enggak pantas, bahwa Mildred yang gak pernah senyum dan kasar itu hanya menyebarkan kebencian. Ngomong-ngomong, apa sih bunyi ketiga papan iklan Mildred? Sini kuberitahu:

“Sekarat-sekarat diperkosa.”

“Tapi belum ada yang ditangkep.”

“Tanya kenapa, Pak Polisi Willoughby?”

kenapa pas kutranslate bunyinya jadi kayak headline koran Lampu Merah ya?

 

Mildred tentu saja mengacu kepada kasus pemerkosaan yang menghilangkan nyawa putri remajanya. Kasus yang udah setengah tahun ditangani oleh Kepolisian Ebbing, namun tak kunjung mendapat titik terang. Mildred malah merasa kasusnya ‘dicuekin’ gitu aja, enggak ada progres yang memuaskan. Jadi, dia memasang reklame blak-blakan tersebut demi menegur kepala polisi. Mengingatkan juga kepada penduduk lain bahwasanya keadilan belum lagi ditegakkan. Pelakunya masih di luar sana, entah siapa. Tentu saja ada prasangka; apakah polisi sengaja menutupi kasus, apakah ada pihak yang mereka lindungi, atau apakah mereka bener-bener gak kompeten kayak polisi bernama Jason Dixon yang kerjanya mabok? Sesungguhnya semua itu turut menjadi bahan bakar kemarahan Mildred. Dia menuntut keadilan, dan sekarang setelah begitu lama diacuhkan, dia bertekad untuk memastikan dengan tenaganya sendiri keadilan itu ditegakkan.

Ketika dihadapkan pada sebuah tragedi, sekelompok orang akan mengalami reaksi yang beragam. Lebih sering daripada enggak, masyrakat akan mencoba untuk melupakannya. Just move on. Namun saat tragedi tersebut diingatkan kembali, dengan paksa, seperti selancang yang dilakukan Mildred, ‘zona nyaman’ tersebut terguncang. Sebab kita lebih suka untuk melupakan, terlebih jika tidak menyangkut diri kita. Film ini mengeksplorasi dengan hebat masalah yang timbul saat kenyamanan publik, persetujuan untuk melupakan itu diganggu oleh seorang yang masih membiarkan api itu menyala. Ini adalah potret sebuah api yang dilawan dengan api.

 

Judul yang ribet dan terlalu panjang bisa saja diniatkan sebagai isyarat betapa unik dan ‘mengganggunya’ film ini. Tidak ada yang menetramkan telinga dalam cerita ini. Film ini menyelami sisi gelap manusia; yakni KEMARAHAN. Tapi tidak lantas menjadi depressing ataupun karena banyak terdapat humor-humor kelam terkandung di dalam penceritaannya. Bukan hanya tokoh utama, penduduk film ini semuanya akan mengejutkan hati kita yang damai dengan perkataan dan perbuatan yang tanpa tedeng aling-aling, tanpa sensor. Sesungguhnya ini adalah langkah yang nekat dan cerdas. Kalian tahu, menggunakan tokoh cerita untuk menyampaikan candaan yang kasar, namun actually mempunyai makna. Sutradara Martin McDonagh menyinggung isu-isu relevan yang tidak berani dibicarakan orang; tentang menyebar kebencian, tentang memandang rendah aparat, media, akan ada banyak momen yang bikin kita nyengir-ga-enak. Dan setelah itu kita bakal mikirin apa yang barus saja kita saksikan,  dan kemudian kita tersadar bahwa yang barusan tadi adalah sindiran yang halus, yang dimainkan dengan cantik.

marah sih, tapi berani sebut merek?

 

Kita tidak bisa menebak apa yang terjadi sepanjang film ini. Percayalah, aku mencobanya. Tapi setelah adegan interogasi antara Mildred dengan Willoughby yang benar-benar tak disangka akan berakhir seperti demikian, aku berhenti memprediksi ke mana langkah cerita selanjutnya. Bahkan sedari awal aja aku udah salah. Ini bukan cerita detektif, kita tidak akan melihat Mildred memecahkan petunjuk, mengetahui apa yang sebenarnya terjadi kepada putrinya, ataupun dia akan berhasil membalaskan dendam terhadap siapapun pelaku tindakan keji tersebut. Ini adalah drama tentang pengaruh ekspos tragedi terhadap kemanusiaan. Plot poin-plot poinnya tidak terkuak seperti yang kita tahu dari pengalaman menonton. Tokoh-tokohnya mengambil langkah yang tidak bisa kita lihat kemungkinannya. Kita mengharapkan mereka “oh ternyata dia..” atau “oh pasti dia bakal” dan ternyata enggak.

Mildred adalah seorang yang sangat kuat tekadnya, salah satu tokoh film terkuat yang pernah aku tonton sejauh ini. Dia begitu marah. Penampilan Frances McDorman memainkan karakter yang menatap semua kebencian dan melawannya, menangkis segala anggapan bahwa yang ia lakukan adalah hal yang salah, akan menjadi sebuah penampilan yang melegenda, lihat saja.  Lapisan tokoh ini semakin menebal oleh hubungannya yang tidak baik dengan putrinya tersebut, jadi di balik luapan marah itu terkadang kita bisa menangkap secercah penyelasan, sedikit penyalahan diri sendiri. Adegan Mildred bicara satu arah dengan rusa terasa surreal, dan I personally think it was beautiful. Sam Rockwell sebagai polisi rasis yang, oke orang ini adalah personifikasi dari segala yang buruk-buruk yang pernah kita dengar tentang polisi, juga bermain dengan sangat meyakinkan. Tokoh ini actually punya arc yang ingkarannya lebih gede, karakternya bertransformasi. Paralel antara Mildred dan Dixon terbentuk dari tokoh kepala polisi yang diperankan excellent oleh Woody Harrelson. Kita tidak akan bisa menebak sejauh tindakan yang diambil oleh seseorang yang menginginkan keadilan. Dengan cepat hitam dan putih itu jadi abu-abu, malahan perlahan kita bakal mempertimbangkan untuk berpihak kepada Dixon alih-alih Mildred.

Gimana bisa kita enggak marah-marah sama kehidupan yang penuh dengan ketidakadilan? Hidup memisahkan anak dari orangtuanya. Hidup merenggut orang-orang baik di saat mereka masih muda. Menahan marah tidak akan menyembuhkan kita dari perasaan kehilangan. Kebenaran tidak akan berubah dengan kita menelan amarah bulat-bulat. Sebaliknya, marah adalah jalan yang harus ditempuh. Salurkan. Berjuang, berkelahi jika perlu. Dan setelah semua asap huru hara itu menghilang, barulah kita akan mendapati simpati, pemahaman, dan empati berdiri di permukaan.

 

 

 

 

Sesungguhnya film yang baik adalah film yang mampu membuat kita terus memikirkan apa yang selanjutnya terjadi kepada para tokoh. Bahwasanya kita merasakan mereka melanjutkan hidup bahkan setelah film berakhir. Aku gak yakin apakah ini kekurangan atau malah kelebihan yang dimiliki oleh film ini, yang jelas kita sudah begitu terinvest terhadap perkembangan para tokoh sehingga saat cerita ditutup literally di tengah jalan. Film sedikit tidak adil lantaran kita ngerasa kita perlu melihat sedikit lagi – satu adegan saja- apa yang terjadi terhadap Mildred. Film ini terasa melegakan, dan juga kurang memuaskan di saat yang bersamaan. Seperti halnya dia memancing kita untuk menangis sekaligus tertawa menyaksikan apa yang dihadapi oleh tokohnya. Salah satu tontonan terbaik, dan paling punya nyali, tahun ini.
The Palace of Wisdom gives 8 out of 10 gold stars for THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI.

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017

LADY BIRD Review

Posted on by Arya

“Familiarity is the root of the closest friendships, as well as the intensest hatreds”

 

 

Dikasih nama sama orangtua, ngikut aje. Giliran ke Tuhan, sok-sok gak percaye. Hueeee. Begitu kira-kira cibiran Christine kalo dia jadi orang betawi. Tapi Christine McPherson ini anak Sacramento, dia juga adalah anak yang menentang orangtua, terutama ibunya. Jadi dia melakukan ‘perlawanan’. Dia harus keterima kuliah di luar kota sehingga begitu lulus dari SMA Katoliknya, dia bisa sesegera mungkin meninggalkan kampung halaman yang udah bikin dia gerah secara batin. Dia ingin jauh dari orangtua. Dia ingin mandiri. Dia ingin jadi bagian dari tempat yang berbudaya. Dan sebagaimana yang selalu cewek berambut merah ini ingatkan kepada kerabat, sahabat, dan semua orang yang berada di dekatnya, panggil dia dengan nama Lady Bird. “Itu namaku!”

Jika diibaratkan, memang film ini adalah salah satu dari banyak telur-telur di dalam keranjang yang bertuliskan “Perjalanan remaja mencari atensi dan jati diri”. Namun ketika menetas, Lady Bird bukan saja burung yang punya warna paling unik, dia juga lebih besar dan berkicau paling vokal di antara yang lain. Ini bukan sekedar tentang seorang remaja cewek yang ‘berkelana’ di hari-hari akhir sekolahnya, dia dapat pacar, dia akhirnya fit in dengan teman-teman yang lebih populer, dan eventually dia ‘terbang’ mengalami banyak hal hebat yang belum pernah ia tahu. Sebagai cerita coming-of-age, Lady Bird tentunya juga menempuh poin-poin tersebut. Dia sempat deket dengan beberapa cowok, namun fokus cerita bukanlah soal pacaran.

Lady Bird adalah kisah ‘romansa’ antara ibu dengan anak perempuannya. Dan ini juga berbeda dari kebanyakan. Mereka enggak terjebak roadtrip bareng. Ini bukan soal mereka jarang ketemu, ataupun soal kegagalan berkomunikasi seperti Susah Sinyal (2017). Lady Bird pastinya enggak diam-diam menjadikan ibunya sebagai suri tauladan, sebab mereka berdua begitu berbeda dengan dahsyatnya. Anak dan ibu ini benar-benar bertolak belakang, bayangkan dua sisi mata uang, mereka saling pasif agresif. Keunikan film ini datang dari bagaimana Lady Bird membuat hidup ibunya susah dan begitu juga sebaliknya. Di adegan pembuka, Lady Bird meloncat turun dari mobil yang sedang berjalan gitu aja (!), di tengah-tengah adu mulut dengan ibu. Kita tahu seberapa besar mereka love each other sesungguhnya, namun mereka mengekspresikannya dengan cara yang berbeda. Film ini sangat menyenangkan untuk ditonton, aku ngakak ketika adegan Lady Bird nyobain baju di kamar pas, dan dia minta pendapat ke sang ibu – she needs her opinions so much – tapi Ibunya dengan sengaja berikan saran dengan menyindir-nyindir. Dan ujung-ujungnya mereka berantem lagi. Kejadian-kejadian semacam itu juga benar-benar berdering kenyataan buatku, karena aku punya adek cewek yang kerjaannya berantem melulu sama Mama, persis seperti tokoh film ini.

“I miss you but I hate you, Mo-theeeer~”

 

Cerita ini pastilah juga sangat personal buat pembuatnya. Aktris yang kini duduk di kursi sutradara, Greta Gerwig, mati-matian berusaha membuat setiap adegan film ini well-realized. Lady Bird yang adalah debutnya terbang solo sebagai sutradara bisa jadi adalah kisah hidup diri Gerwig sendiri, karena kita bisa merasakan betapa passionate film ini digarap. Tidak ada poin lemah di jajaran penampil. Semua pemain tampil enggak dibuat-buat. Gerwig menghormati setiap tokoh sampai ke karakter yang paling minor sekalipun. Saoirse Ronan luar biasa manusiawi di film ini. Lady Bird tak pelak adalah penampilan terbaiknya, emosi-emosi yang dia sampaikan terasa kayak beneran. Langkah, keputusan, bahkan bohong-bohong pencitraan yang dia lakukan tampak natural dan kita paham alasan di baliknya. Arahan film ini sukses berat menyeimbangkan antara momen-momen canggung dengan momen-momen yang serius. Ada banyak adegan yang bikin kita nyengir menonton si Lady Bird, tapi bukan karena kita merasa dia sangat pretentious, melainkan karena kita sedikit banyaknya ikut berefleksi pernah mengalami hal serupa.

Yang bikin penasaran adalah dialog-dialognya. Percakapan mereka enggak kayak pake naskah, seperti dimprovisasi gitu aja. Menyimak para tokoh berbincang, beradu argument, melihat mereka berinteraksi, membuat kita pengen ikutan nimbrung. Aku ingin berteman dengan mereka, aku totally ter-invest sama apa yang terjadi, aku benar-benar dibuat peduli. Kita akan lupa kalo yang kita saksikan selama 93 menit ini adalah sebuah film. Dan inilah satu-satunya kekurangan film ini; kurang panjang. Kita pengen melihat apa yang selanjutnya terjadi pada mereka semua. Rasanya sedikit sedih ketika film berakhir, seperti berpisah dengan orang yang sudah deket. Begitulah bukti betapa menakjubkannya Gerwig menyetir narasi, cara berceritanya benar-benar membawa kita hanyut.

Meskipun kedengarannya aneh, banyak dari kita yang merasakan kebencian terhadap orang yang kita sayangi. Semakin sayang, tuh orang justru semakin nyebelin.  Kadang secara tanpa sadar, kita melakukan itu demi mencari perhatian. Cinta dan benci actually bukanlah hal yang berlawanan, makanya kita sering mendengar ungkapan “benci lama-lama jadi cinta” ataupun “jangan terlalu cinta, nanti malah jadi benci”. Kedua hal tersebut adalah perwujudan berbeda dari perasaan yang sama. Actually adalah affection yang sama yang kita rasakan ketika kita ingin berteman dengan seseorang – kita bohong dengan harapan mereka lebih menyukai kita. Hidup memang canggung dan ‘lucu’ seperti itu.

Lady Bird paling malu kalo ketahuan sama teman-teman sekolah dia bukan anak gedongan

 

 

Hal yang menarik dari cara bercerita film ini adalah konstruksi per adegan yang dilakukan oleh Gerwig. Dalam penulisan screenplay toh tidak ada peraturan baku mengenai keharusan memulai adegan. Namun memang kebanyakan lebih suka membuat adegan yang runut, seperti tokoh masuk ruangan, mulai ngobrol dengan tokoh lain, percakapan mereka memanas, dan ditutup dengan punchline ataupun momen dramatis – kebanyakan adegan dibangun dengan permulaan, untuk kemudian terus menuntun penonton ke poin penting yang ingin disampaikan. Kadang kita bisa menghabiskan banyak waktu untuk mikirin memulai adegan dari mana, you know, supaya penonton tertarik dan penasaran. Film Lady Bird enggak pusing-pusing mikirin permulaan adegan-adegannya. Gerwig membuat sebagian besar adegan film ini tidak punya permulaan. Kita dilempar begitu saja ke tengah percakapan para tokoh. Sering kita masuk ke satu adegan dan tokoh-tokohnya sedang melakukan atau berbicara seru tentang sesuatu. Menyerahkan kepada kita sepennuhnya untuk melakukan observasi, dan dengan melakukannya bukan saja kita jadi mengerti, tapi kita juga merasa ter-include ke dalam setiap adegan. Inilah salah satu yang menyebabkan kenapa Lady Bird terasa begitu nyata.

Semua klise genre berhasil dihindari oleh Lady Bird. Sekolah Katolik tempat tokoh utama kita menimba ilmu tidak pernah ditonjolkan sebagai tempat yang mengekang. Sekolah dan segala peraturannya bukanlah sangkar bagi film ini. Melainkan hanyalah sebuah fase, sebuah urusan yang harus diselesaikan. Tentu saja ada banyak rintangan yang menghalangi tokoh kita untuk berkembang menjadi pribadi yang ia inginkan, tetapi film tidak menyorot sekolah ini dalam cahaya yang negatif. Film tidak menyuruh kita menjauhi sekolah agama. Film hanya menunjukkan momen-momen yang kita hadapi kalo kita berada dalam situasi Lady Bird.

Kita mungkin tidak pernah mengecat rambut menjadi pink ketika remaja, namun apa yang dialami Lady Bird bukan tidak mungkin pernah kita semua alami. Kita mengantagoniskan orang-orang, pihak-pihak, karena kita sendiri belum yakin siapa dan mau jadi apa kita. Kita terlalu banyak menghabiskan waktu membangun citra, kita mencegah orang-orang untuk melihat siapa sebenarnya diri kita, seperti apa keluarga kita, sampai-sampai kita sendiri tidak lagi bisa benar-benar melihat yang sebenarnya.

 

 

 

 

Film menggambarkan semua yang mungkin kita alami saat beranjak dewasa dengan so refreshingly real. Dan bukan hanya yang senang-senang saja yang diperlihatkan. Perjalanan beranjak dewasa tak pernah mudah. Arahan Gerwig yang raw banget – para aktor bermain dengan sangat genuine – membuat film terasa sangat personal, sehingga membuat kita-kita yang mungkin pernah meninggalkan sarang, menjadi teringat dan ingin kembali ke tempat kita memulai langkah.
The Palace of Wisdom gives 9 out of 10 gold stars for LADY BIRD.

 

 

That’s all we have for now.

Remember, in life there are winners.
And there are losers.

 

 

 

 

We?
We got the PIALA MAYA for BLOG KRITIK FILM TERPILIH 2017